EL DRAMA DE LA INMIGRACIÓN

 

En la actualidad, se produce la paradoja que países tradicionalmente emisores de emigrantes, se conviertan, a su vez, en receptores de ellos. Los trabajadores mejor cualificados o con una formación profesional específica buscan mejores salarios fuera de su país, mientras en el suyo, contratan a otros por una remuneración mínima, desesperados por mejorar su nivel de vida. Igualmente, nos encontramos con los problemas de racismo y xenofobia a doble nivel. El que padecen los trabajadores cualificados o no en el país tradicionalmente emisor de emigrantes, y el que sufren aquellos que llegan a éste. Estos fenómenos nos lo cuenta la película, R.M.N. escrita y dirigida por Cristian Mungiu, fenómenos que se producen en la Unión Europea, donde los rumanos han emigrado a países como Alemania o Francia de forma masiva, cuando en su país se necesita mano de obra para cubrir puestos de trabajo.

Ante esta circulación de trabajadores, el problema de la xenofobia y el racismo es el más importante. La película cuenta cómo a Matthias, el protagonista, le llaman gitano en Alemania, cuando inquieto por una llamada de su país, abandona su puesto de trabajo en un matadero. Golpea a su jefe y vuelve rápido a su pueblo natal en Transilvania. Su padre se encuentra enfermo, apenas habla y sufre desmayos. Por otra parte, su hijo también ha dejado de hablar porque se ha asustado en el bosque. Se lleva mal con su mujer y busca consuelo en su antigua pareja, que dirige la fábrica de pan. Una empresa que busca trabajadores para así beneficiarse de las subvenciones europeas. Al no encontrarles porque pagan un salario mínimo, contratan a tres empleados procedentes de Asia. Csilla, como se llama la exmujer del protagonista, se encargará de que todo les vaya bien.

Pronto surgirán problemas en el pueblo ante la llegada de los trabajadores asiáticos. El racismo y la xenofobia se extiende por casi todos los vecinos en una zona tradicionalmente multicultural donde conviven personas de origen rumano y húngaro. Además, la mayoría piensa en algún momento en emigrar y en recibir los subsidios de Europa. Llegarán a boicotear el pan de la fábrica que los emplea y a quemar la casa donde viven los inmigrantes. Presumen de haber expulsado a los gitanos. Este conflicto afecta a la pareja protagonista, a Matthias que se alía con la mayoría racista, mientras Csilla, defiende a los trabajadores que han contratado legalmente, y que merecen ser respetados como seres humanos. Triunfará, al final, la irracionalidad y el miedo al extranjero, los comportamientos más viscerales. De la misma manera que los bosques del pueblo están poblados por osos y otra fauna salvaje, hasta cierto punto peligrosa, los seres humanos muestran su lado más violento. 

UNDERGROUND Y CONTRACULTURA

Las salas del CentroCentro del Ayuntamiento de Madrid exhiben la exposición que hubo en 2021 en el Palau Robert de Barcelona, bajo el patrocinio de la Generalitat de Catalunya, titulada UNDERGROUND Y CONTRACULTURA EN LA CATALUÑA DE LOS 70. Una muestra que no deja indiferente al tratar un periodo de nuestra historia del siglo XX, la de finales del franquismo y parte de la Transición política, desde el punto de vista de los movimientos contraculturales. Comprende una magnífica puesta en escena cuyo hilo conductor son las noticias de prensa que se muestran en un recorrido a través de los años 70 situadas en el suelo, mientras el visitante recorre distintas secciones con vitrinas llenas de carteles, libros, revistas, fotografías, proyecciones de documentales, paneles explicativos, referidos a las expresiones y activismo social de aquella época.

Supone un recorrido que se inicia con la caída del muro de la dictadura, un hueco donde entra el visitante. Alude a las grietas del Régimen por el que se introducen las novedades y los cambios de costumbres provenientes de California, Ámsterdam y Londres.  Es el llamado Primer Underground, donde se observa la incidencia de la cultura hippie en Ibiza. Los libros, la mayoría clandestinos, traen las nuevas ideas de la cultura beat norteamericana y las reflexiones tras el mayo del 68. Los cambios se muestran en la música, primero folk, luego rock progresivo, a través de los primeros conciertos masivos. No faltan las drogas, el LSD, y la marihuana. La gran efervescencia de cultura alternativa hacia mediados de la década se organiza en la sección, Todo es posible. Laboratorio de libertades. Abarca distintos ámbitos interrelacionados. En primer lugar, el de la música con actuaciones en directo de artistas como King Crimson, y la importancia de salas como Zeleste. También, conciertos como el Canet Rock.

En este laboratorio de libertades se incluyen las transformaciones en el teatro que abandona las formas tradicionales basadas en el texto con numerosos grupos y experiencias; el cómic, desarrollado a través de comunas como la del Rrollo; la nueva poesía, y las revistas, especialmente, Ajoblanco y Star, que sufrieron suspensiones y multas. La sección, Activismo por una sociedad alternativa, concreta los frentes de lucha: Salud y naturismo referido al cuerpo; Comunas, como propuesta frente a la organización tradicional; Ecología, para salvar el planeta; la Antipsiquiatría, para mejorar la salud metal de forma diferente; las luchas por la libertad sexual, especialmente en favor del reconocimiento de la homosexualidad y los transexuales, todo ello en un ambiente de recuperación de las libertades tras el desmoronamiento del Régimen, que permite la organización de las Jornadas libertarias. 

El recorrido de la muestra coincide con la aprobación de la Constitución de 1978 y los primeros ayuntamientos democráticos. España vive una fuerte crisis económica. La situación en los barrios obreros es conflictiva, problema que se traslada a los centros históricos. Se viven atracos y enfrentamientos en las Ramblas. Los llamados Pactos de la Moncloa ponen las bases para la transformación política y social de España. Es lo que constituye el último apartado, La utopía derribada, por el que esa lucha comunitaria finaliza con el triunfo del individuo, la fragmentación y el conformismo en una tendencia hacia el consumismo bajo el impacto de la publicidad. A la cultura punk, le sustituye la (post)modernidad. La exposición concluye que la revuelta creativa y vital no fue en balde. Las numerosas conquistas de una sociedad más libre se debieron a esos años de lucha.

UNA FAMILIA ESPECIAL

 

Una familia proporciona un entorno de felicidad a los hijos. Hoy día las sociedades avanzadas han ampliado el concepto de lo que es una familia. No solo de dos padres de  diferente sexo y unos hijos producto de su unión,  sino también pueden ser,  monoparentales o de igual sexo. De la misma manera, las circunstancias económicas o sociales, marginalidad y desamparo, pueden producir uniones circunstanciales donde surja la felicidad propia de una relación familiar. Es lo que les sucede a los protagonistas de la película, BROKER, escrita y dirigida por el director japonés, Hirokazu Koreeda, que los hechos en los que se ven envueltos les propicia un convergencia de sentimientos junto a los niños que cuidan.

La película es muy completa desde el punto de vista del argumento, la interpretación y el tratamiento formal. La historia arranca cuando una joven prostituta abandona a un bebé a las puertas de una iglesia, pero en vez de meterlo en una canastilla situada en la fachada, lo deja en el suelo. Entonces, una policía que investiga la compraventa de niños lo mete en ella. Descubrirá que dos hombres se dedican a este negocio. Uno de ellos regenta una tintorería. Entretanto, la madre se ha arrepentido y quiere ver a su hijo, pero descubre también el negocio que tienen entre manos. Ante su situación personal, decide unirse a ellos para encontrar unos padres adoptivos y ganar dinero. Se inicia, a partir de ese momento, un viaje por carretera, donde aflorarán los sentimientos paternales, y una especial felicidad de sentirse juntos, de haber encontrado un destino común que mejora sus propias vidas.

Los protagonistas arrastran una vida complicada. So-young, la joven madre era prostituta y acababa de matar a un hombre que es el jefe de una organización criminal. Sang-hyeon, que regenta una tintorería, le persigue la misma organización por deudas. Sang-soo, trabaja en la iglesia, y fue un niño abandonado por sus padres. A pesar de su historial, todos se unen en buscar un padre para el bebé, sin embargo la policía cada vez está mas cerca hasta propiciar el fin de su peculiar relación. Sin embargo, es un final feliz cuando pase el tiempo y rediman sus culpas. Además, porque la película valora los aspectos humanos de los personajes, incluso de la propia policía, como la detective Lee, que llegará a adoptar al bebé. Propicia todo ello la interpretación de los actores, especialmente de Song Kang-Hoo, en el papel de Sang-hyeon, por el que recibió el premio al mejor actor en el Festival de Cannes. De la misma manera, por los precisos diálogos y  las imágenes sensibles y delicadas del director.

UNA HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA

 

La Fundación Juan March organiza la exposición, DETENTE, INSTANTE. UNA HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA, que reúne unas 300 obras, casi todas copias de la época, desde el nacimiento del medio en 1840 hasta la actualidad. Una suerte de ensayo de una de las historias posibles del medio, formado a partir de dos colecciones complementarias: la de Dietmar Siegert en Alemania y la de Enrique Ordóñez e Isabel Falcón en España. Se organiza en seis capítulos a modo de álbum de familia, que supone el nacimiento, la infancia, la juventud, la madurez, y tal vez, según los organizadores, el futuro de medio. En este discurrir, se salta el orden cronológico algunas veces, y en otras ocasiones, se producen anacronismos, por el que en las más recientes, se observa, la presencia del pasado, y en las más antiguas el adelantarse del arte a su tiempo histórico. Sea como fuere, la fotografía lo que hace es preservar un instante detenido para siempre.

El primer apartado se denomina, Una nueva manera de ver el mundo, y comprende, las primeras capturas del mundo natural. Además, muchos retratos y tableaux vivants, con diferentes técnicas, especialmente los daguerrotipos de excelente calidad. La fotografía, si bien sigue los patrones estéticos de la pintura, debe entenderse como un híbrido entre ciencia, técnica, industria y arte. Un híbrido al servicio de la medicina; para inmortalizar a la manera clásica el cuerpo humano o de forma realista para la pornografía, así como para la representación del paisaje. El segundo apartado, Orbis pictus, corresponde a un mundo que se amplia fruto del colonialismo. En primer lugar el medio atiende al desarrollo de las grandes capitales industriales como Paris. A sus monumentos y las transformaciones urbanas. La fotografía, en ese momento, sirve al viajero, que realiza el llamado Grand Tour, para ser ampliado, en gran parte por Europa y el Oriente Próximo, y luego, a mundos desconocidos como la India.

En la tercera sección, La ubicuidad de las imágenes, hacia 1900, se muestra el ejercicio privado de la fotografía con una visión personal dirigida hacia la vida real, para constituir una manifestación artística autónoma. Tras la Gran Guerra, se desarrolló la corriente de la Nueva Objetividad, que mostraba una visión fría y distanciada de las cosas. Atendía a fragmentar el objeto, valorando su materialidad. Otros aspectos de estos años fueron la representación del desnudo; los cambios de la Bauhaus en la captación de retratos con una concepción formal más moderna y directa. Finalmente, las imágenes de Estados Unidos, imágenes de la prosperidad, pero también de la crisis social. Si hay un movimiento artístico de vanguardia que se desarrolló especialmente en la fotografía, este fue el Surrealismo, que constituye, la cuarte sección de la exposición. Numerosas imágenes son fruto de nuestro inconsciente, capturadas muchas de ellas en las calles de París, convertida en centro cultural de la Europa de entreguerras.

El apartado quinto, La densidad de lo real, abarca desde el fin de la Segunda Guerra Mundial, que dejó una huella amarga en los fotógrafos europeos. Algunas de las nuevas imágenes transmiten un estado de ánimo melancólico y existencial. Desde la década de los cincuenta, predominó una fotografía documental, y un medio, las revistas ilustradas. Su objetivo son los llamados lugares comunes, la existencia de las personas en las grandes ciudades. También, desde esos años, se empezó a emplear el color, que hasta ese momento se tenía como una técnica poco artística. Finalmente, una última sección, La mirada que fluye, incluye varias perspectivas. Por una parte la fotografía del desnudo acorde a los nuevos tiempos, resaltando formas esculturales o reducido a la máxima abstracción. Por otra el retrato, donde se capta distintas dimensiones de un personaje que interactua con el mundo. Por último, una fotografía que desde elaborar imágenes centradas en los objetos, pasa a hacerlos desaparecer en favor de la abstracción, incorporando nuevas tecnologías.

LAS MEMORIAS DE SIMONE VEIL

 

La película, SIMONE, LA MUJER DEL SIGLO, escrita y dirigida por Olivier Dahan, cuenta los recuerdos de uno de los personajes más extraordinarios de la historia de Francia y de Europa. Una auténtica luchadora por la justicia y los derechos humanos, por la solidaridad con los más débiles y el feminismo. Llegó a ser la primera presidenta del Parlamento Europeo en 1979, además, tras estudiar ciencias políticas y derecho se convirtió en magistrada de prisiones y la Ministra de Sanidad que consiguió la despenalización del aborto. Antoine Veil, su marido, entró en política muy joven y la introdujo pronto en la administración francesa de postguerra a la que se acercó con timidez. Compatibilizó la crianza de sus tres hijos con sus numerosos compromisos a lo largo de su vida.

Rodeada por su familia, al final de su trayectoria, escribe sus memorias frente al mar Mediterráneo, donde había vivido en la niñez. La película muestra esos recuerdos sin orden cronológico, fragmentados, pero que constituyen un cuadro completo de todo su importante pasado. La infancia fue feliz junto a sus padres y hermanos en la Costa Azul. La madre fue una figura que le influyó de manera decisiva en su talante combativo frente a las arbitrariedades del poder. Tras acabar la guerra y haber sobrevivido al Holocausto, conoció en la universidad a su futuro marido con quien formaría una familia, y le introduciría en la política. Luego sería ella, sin militar en ningún partido, quien alcanzaría altas responsabilidades, que le permitirían luchar por las injusticias y las desigualdades.

En una ocasión, mientras ponía la primera piedra de un centro sanitario como ministra, una autoridad se sorprendió de su habilidad en el manejo de la paleta para dar cemento. Ella le contestó que del campo de concentración. Es sin duda esta experiencia traumática la que perduró toda su vida y la influyó decisivamente. Al principio el dolor era tan fuerte que tenía crisis de ansiedad y quería dormir solo en el suelo. La familia fue detenida en mayo de 1944 en el sur de Francia. De su padre y de su hermano apenas se supo más, años después se descubrió que fueron deportados a Lituania donde desaparecieron. Simone junto a su madre y su hermana fueron trasladadas a Auschwitz, donde evitaron morir en las cámaras de gas al cambiar su edad. También sobrevivieron en las llamadas Marchas de la Muerte tras el avance ruso, para acabar siendo liberadas en Bergen-Belsen.

Simone Veil sobrevivió con 17 años al genocidio judío, pero ella se consideraba antes francesa y patriota, como sus padres. También de formación familiar, era agnóstica y defendía la laicidad. Tras la guerra, la sociedad francesa evitó tratar su responsabilidad en el Holocausto. La protagonista, sin embargo, no olvidó nunca, y aquella experiencia fue esencial en sus diferentes luchas por la justicia y los derechos humanos. Diferenciaba entre historia de la que ella era un ejemplo vivo, y la memoria, que atiende a la conciencia, para defender la relación entre las generaciones y evitar el olvido. Confiaba en la idea de Europa para superar todo el horror al convertir al continente en un territorio de democracia y libertad. En 2004, casi al final de su vida, volvió a Auschwitz junto a sus hijos y nietos. Saber de donde provenimos, mantener activa la memoria, nos hace luchar, conscientes, por un presente justo, y prepararnos, alertados, para un futuro mejor.

EL ORIGEN DE LA FOTOGRAFÍA DOCUMENTAL

 

El Centro de Arte Reina Sofía expone una interesante muestra, titulada GENEALOGÍAS DOCUMENTALES. FOTOGRAFÍA 1848-1917, sobre la protohistoria de este género, que culmina un ciclo iniciado en 2011. Parte de la consideración que el desarrollo de las imágenes fotográficas está asociado a la cultura propia del mundo occidental, burguesa, industrial y colonial. Un mundo en plena expansión a finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX. Constituiría un instrumento en manos del poder, subordinada o criada de las demás artes. La exposición madrileña establece una nueva perspectiva o cartografía de la historia del género del punto de vista que supone la representación de una alteridad mostrada en la captación de las clases populares, proletarios, marginados e indígenas. Es decir una doble perspectiva, la oficial y la oficiosa, la de los grandes propósitos y la representación de los seres humanos como víctimas.

La exposición se organiza en un recorrido temático que se inicia con los daguerrotipos de la Revolución de 1848, clave en el Movimiento Obrero.  Le sigue el apartado La imagen del pueblo, la de aquellos que fueron captados en las campañas para representar los monumentos nacionales y reforzar el Estado nación. En España fue pionero Charles Clifford que hizo un seguimiento de los viajes de la reina Isabel II por el país. El tercer apartado, La otra mitad, corresponde a las reformas realizadas en las grandes ciudades como París, Viena, Nueva York, Barcelona o Madrid, cuando se abren grandes avenidas, se destruyen las antiguas delimitaciones fiscales y aparece el nuevo proletariado urbano. Otro apartado, El obrero industrial, publicita la producción fabril o la construcción de las nuevas infraestructuras. Observamos, de esta manera, el interior de las fábricas Krupp, la exposición universal de Londres de 1851, nuevas obras públicas como las canalizaciones de agua potable a la capital de España, y las duras condiciones de las minas, además de sus protagonistas, a veces trabajadores condenados.

Las tres últimas secciones añaden aspectos originales en la historia del medio. En El cuerpo y el archivo, se muestra como instrumento de la ciencias naturales y sociales en el momento álgido del positivismo. Resulta fundamental en los estudios de antropología, aquellos que estudiaron las costumbres de poblaciones indígenas de las islas del Pacífico o las tribus norteamericanas; de medicina,  para documentar distintas patologías, o cuerpos gravemente heridos por la Guerra de Secesión; de criminología, al retratar las características físicas de los delincuentes; y en general de las razas humanas. El apartado, Revolución, nos documenta los acontecimientos de la Comuna de París de 1871, que constituye el primer experimento de gobierno popular. Luego la más famosa, la soviética de 1917, a través sobre todo de una colección de postales. Finalmente, la sala denominada Fotografía social dedicada principalmente al trabajo infantil, según las imágenes captadas por Lewis Hine para el National Child Labor Comitee, con una pretensión de mejorar sus duras condiciones laborales. Uno de sus alumnos, Paul Strand, servirá de unión con otra forma de entender la fotografía documental.

TRAS EL FIN DE LA AMISTAD

La amistad puede ser profunda entre dos chicos de su misma edad. Está asociada a los juegos que se desarrollan durante la infancia. Ha surgido porque viven muy cerca y la confianza entre ellos los ha convertido en verdaderos hermanos. Duermen juntos, tienen por igual aprecio respecto a sus padres. Pero según se van haciendo mayores, el fin de una etapa escolar, la primaria, y el comienzo de otra, la secundaria, puede determinar cambios, no sólo en su personalidad, sino en la amistad que tenían hasta ahora, porque les influye el grupo en el cual se incorporan. Tienen que estar abiertos a nuevas personas de su edad, chicos o chicas que quieren conocerlos. Entonces, pueden surgir problemas, si uno de ellos no quiere romper la amistad especial que tenían desde la infancia. Esto les sucede a los protagonistas de la película, CLOSE, escrita y dirigida por Lukas Dhont, Gran Premio del Jurado en el pasado Festival de Cannes.

El fin del verano lo es de los juegos que Léo y Rémi tienen en el campo para pasar el tiempo. El comienzo del curso y de etapa le va a determinar sus vidas. Van en bicicleta juntos a la escuela y son compañeros de clase. Desde el principio, otros chicos se extrañan de su amistad hasta el punto que les preguntan si hay algo más entre ellos. Los más atrevidos, gastan bromas e insultan a Léo, que no dará, en principio, mucha importancia. Sin embargo, según pasa el tiempo, decidirá poco a poco alejarse de Rémi, y hacer nuevas amistades. Trabajará otra vez con sus padres en la recolección de flores, actividad que había abandonado y comenzará a practicar el patinaje sobre hielo con otros chicos de la escuela. Rémi quiere seguir con su amistad según había sido hasta ahora. No ve explicación a la actitud de su amigo. Las cosas no van bien entre ellos hasta que un día pelean en el patio del colegio.

Léo se ha adaptado muy bien al nuevo curso escolar. Se lleva bien con sus compañeros, y tiene un nuevo amigo. Un día tiene una excursión con el grupo a la playa. Oye que Rémi no contesta cuando pasan lista. A la vuelta les informan que han convocado a los padres. Parece ser que ha sucedido un hecho grave. Léo se entera que su antiguo amigo se ha suicidado. No ha dejado ningún documento que lo justifique. El dolor se apodera de los padres de Rémi, que le preguntan a Léo si habían hablado entre ellos o había ocurrido algo que le afectara. Según pasa el curso escolar, éste echa de menos a su amigo. Se siente culpable de su muerte. Un día visita a la madre de Rémi al trabajo, y en el trayecto de vuelta le confiesa que la razón del suicidio fue que le rechazó como amigo.

Tal vez fuese esa la razón. En ningún momento, el sufrimiento interior de Rémi quedó a la vista del espectador. Era un chico introvertido y reservado. Lo que queda claro fue que el nuevo curso les cambiaría al confrontarles con otros chicos y chicas de su edad. Habían dejado de ser niños y entraban en la adolescencia. Se dejaba atrás una etapa de la vida y comenzaba otra. No resistió la amistad profunda que tenían llena de fantasía. El director cuenta todo con sensibilidad. Atiende a los sentimientos de los personajes en primer plano. Valora mucho el tratamiento exquisito de la luz y el color de la imagen. Una especial forma estética adecuada a la expresión de las emociones propias de un tema de gran incidencia en la actualidad.

 

RETRATO DE LA MATERNIDAD ADOLESCENTE

 

Hoy día la maternidad se ha retrasado hasta pasados los treinta años. Las mujeres estudian tantos años o más que los hombres, y se han incorporado al mercado de trabajo, lo que dificulta la posibilidad de compatibilizar ser madre con el desarrollo profesional. Igualmente, las sucesivas crisis económicas han favorecido que se retrase el momento para traer un hijo al mundo. Sin embargo, hay excepciones de mujeres que llegan a serlo siendo menores de edad. La película, LA MATERNAL, escrita y dirigida por Pilar Palomero, hace un retrato de las dificultades con las que se enfrenta una mujer adolescente que llega a ser madre. Unas dificultades de carácter material y emocional, que hacen muy complejo enfrentarse a la nueva situación. Si la madre, como Carla, la protagonista, tiene 14 años, los problemas se incrementan.

Carla es una joven rebelde y un tanto gamberra, que apenas estudia. Vive con su madre en un bar de carretera en las afueras de un pueblo. La mayor parte del tiempo está lejos de casa, sin apenas control de ningún tipo junto a su amigo Efraín. No es la primera vez que se han ocupado de ella los servicios sociales ante su situación vulnerable. Sin embargo, ahora descubren, que su mal estado se debe a que se ha quedado embarazada. La madre no puede afrontar la situación, más preocupada por su novio, que por su hija. De esta manera, Carla ingresa en una casa de acogida, La maternal, donde vivirá durante el embarazo, y con su bebé. Allí, en primer lugar, toma conciencia de la realidad con la que se enfrenta al escuchar a otras jóvenes que están en su misma circunstancia. Luego, después de tener a su hijo, aprender a cuidarle, a ser responsable del día a día de su pequeño.

Las compañeras de la residencia con sus respectivos bebés son un ejemplo continuo. En muchos casos han sufrido maltrato y vejaciones de sus jóvenes parejas. En otros, abusos, que les han abocado a ser adultas antes de tiempo. Están saliendo hacia delante todas ellas juntas. Hay momentos que dejan a sus hijos con los educadores para divertirse. Carla es cada vez más consciente de las dificultades de ser madre tan joven y trata de hacerlo lo mejor posible, pero muchas veces siente que su hijo no le hace caso, que no logra calmarle, y que deje de llorar. De todas las maneras, necesita ser una joven de su edad, volver a jugar con su amigo, bailar sin descanso con la música de Estopa. No pudo abortar al descubrirse su embarazo tarde, como les sucedió a sus compañeras. Una vez nacido, prefiere criarlo en la residencia. Su madre ha vendido el bar alejado del pueblo, y ha comprado una vivienda en el pueblo. Al final de la película, Carla parece recuperar la esperanza cuando vuelve a su entorno por unos días. Siente esa libertad que se experimentaba sin responsabilidades de un adulto. Percibe la felicidad truncada por la maternidad.

EL FOTÓGRAFO DE LA MOVIDA MADRILEÑA

 

Madrid vivió una efervescencia cultural a finales de los años 70 y durante toda la década de los ochenta entorno a la música pop que protagonizaba la noche de la capital. A ello se unió la literatura, la pintura, el cine y la fotografía, de la misma manera, cómo la sociedad estaba viviendo el cambio de costumbres hacia un país más libre y abierto. La influencia del Arte Pop, de las acciones performativas, la estética de la postmodernidad, están en la base de gran parte de sus planteamientos. La Sala de Exposiciones del Archivo Regional exhibe la exposición, PABLO PÉREZ MÍNGUEZ. MODERNIDAD Y MOVIDA DE UN FOTÓGRAFO TRANSGRESOR, que muestra la obra del artista madrileño, testigo de los cambios de los ochenta, a la manera de Andy Warhol, en Nueva York. En él se unen los aspectos sustanciales de la estética de ese momento, que unía arte visual, pintura, cine y fotografía, con la alegría de vivir.

La exposición reúne un conjunto heterogéneo de materiales: revistas, catálogos, libros, carteles, flyers,  pinturas, muchos objetos personales, y sobre todo las fotografías de Pérez Mínguez, organizadas en distintas secciones que proporcionan al visitante diferentes perspectivas entorno a su obra. Ayuda la decoración a propósito y las luces en el que se muestran. El recorrido comienza con una cronología de su vida y su obra. Le siguen secciones como la dedicada a sus amigos, muchos de los que fueron protagonistas de la noche madrileña. Pedro Almodóvar tiene un apartado especial. Fue retratado numerosas veces por él y colaboró en el rodaje de sus películas. Los colores de ellas las encontramos en las fotografías de Pérez Mínguez, así como otros conceptos que definen una estética particular. La música fue protagonista de la movida, los conciertos y los músicos. P.P.M. hizo las fotos de los grupos y las portadas de los discos.

P.P.M. participó en revistas de contenidos gay, mucho antes de que se festejase el día del Orgullo. El fotógrafo captó con su cámara numerosos desnudos masculinos delicados y sugerentes. Inmortalizaban la juventud fugaz que se vivía intensamente. Igualmente valora el autorretrato y el retrato, como hemos apuntado de personajes cercanos que compartían su amistad y sus inquietudes artísticas. Por otra parte, se propuso renovar la fotografía española, elevarla a una consideración de arte a través de su trabajo en la revista Nueva Lente y en El Photocentro. Otra perspectiva es la llamada estética mística/ecléctica en la que se inspira en los grandes maestros de la pintura barroca, de los que hace una lectura particular. Realiza un proceso de mitificación, de convertir en leyenda personajes de los ochenta. 

Su fotografía en general selecciona instantes mágicos, aparentemente invisibles a los demás, donde se combina, el saber ver, y el saber vivir nuestras vidas, donde importa la luz, el humor. la amistad y sobre todo el amor. Los espacios finales del recorrido nos conducen hábilmente a un piso superior. En las escaleras se reproducen las páginas de su diario. Finalmente, dos apartados, uno que recuerda su proyecto, Foto-Poros, que inició en 1980, el retrato de la cara de la gente, amigos y conocidos con los que se encontraba por Madrid; y el apartado, Casa-Estudio, homenaje a su vivienda particular, con funciones de estudio, plató de rodaje y galería de arte. Casa de puertas abiertas donde posaron personalidades de la cultura y otras anónimas. Como punto final, en ese lugar, el público puede hacerse fotos, unas con un sillón rosa, y otras en un fondo con la figura de cartón de P.P.M., para la que puedes escoger elementos que te proporcionan en un baúl, como carteles conceptuales, que utilizaba el fotógrafo, máscaras, coronas y sombreros. Te haces, así, partícipe de aquél tiempo, y obtienes un recuerdo inolvidable de la mano de uno de sus artistas más importantes.

RECUERDOS DE LA INFANCIA

 

Al final de la infancia se van delimitando aspectos esenciales de la personalidad relacionados con la educación, el aprendizaje y las relaciones familiares. Pueden aparecer tus cualidades naturales, aquellas en las que desarrollas mejor tu talento. También se observa cómo es el aprendizaje en la escuela, si tienes buenos rendimientos, o en cambio eres lento y desconcentrado. En ello interviene el entorno familiar. No es lo mismo una familia de clase media, que otra desestructurada sin ingresos. Igualmente, la situación política y social del momento. Grandes acontecimientos o periodos con características definidas pueden comenzar a producirse en ese momento. Todas estas perspectivas se tratan en la película, ARMAGEDDON TIME, escrita y dirigida por James Gray, encarnadas en el personaje de Paul, un chico del barrio de Queens en Nueva York, que nos lleva a 1980, con un sentido autobiográfico.

Paul, el protagonista, es un niño inquieto, que quiere ser pintor. No le interesan mucho los estudios. A comienzos de los años ochenta, acaba de iniciar el último curso de la primaria en un colegio público, porque sus padres no pueden pagar uno privado, donde si va su hermano mayor. No respeta mucho a sus padres, aunque si a su abuelo materno. El primer día de clase ya es castigado por el maestro junto a su nuevo amigo, un chico negro, problemático y repetidor, que vive con su abuela. A la semana siguiente se fugan en la excursión a un museo, donde Paul queda fascinado por la pintura de Kandinsky. Junto a su amigo, se siente más libre, pues van a los salones recreativos y se divierten juntos. Se meterán en problemas cuando los pillen juntos fumando droga. Entonces su madre le reprenderá y su padre le dará una enorme paliza. Ambos decidirán cambiarle al colegio privado.

Paul, más que con sus padres, se lleva muy bien con su abuelo, que será quien pague el colegio privado. Le apoya con su afición a la pintura y le hace regalos. También le cuenta que su familia emigró desde Europa a EEUU, discriminados por su condición de judíos, proveniente del racismo de la sociedad más conservadora, que está a punto de hacerse con el poder, encarnado en la figura de Ronald Reagan. De todas las maneras debe labrarse un buen futuro en un colegio, que aunque segrega a los más pobres, tiene mejores medios y profesores, para ascender en la sociedad. Sin embargo, el protagonista, seguirá viendo a su amigo negro, que ahora le persiguen los servicios sociales, y que tiene pensado irse a Florida para vivir con su hermanastro, y estar cerca de lo que más le gusta que son los viajes al espacio. Paul, que se siente incómodo en su nuevo colegio, idea un plan para fugarse juntos, robar un ordenador y venderlo para obtener dinero. Pero el plan no sale bien y son detenidos. Gracias a que el oficial de policía reconoce a su padre como alguien que le reparó la caldera sin cobrarle, puede salir libre sin cargos, pero a su compañero no le volverá a ver.

Su padre decide, esta vez, no castigarle, ni golpearle, hará lo que su abuelo, hablarle con empatía. Le dice que la sociedad es injusta, y más en aquellos momentos de comienzos de los ochenta ante la llegada de un presidente conservador, hay que salir hacia delante, y sobrevivir, aprovechar que se ha tenido suerte. El nuevo colegio, discrimina a los más débiles y aquellos de razas diferentes, pero le va a permitir un buen futuro. Te prepara para pertenecer a una élite de poder, sobre todo si te fijas en los patrocinadores de la escuela, la familia Trump. Son pocos en clase y seleccionados, por lo menos por el coste de la matrícula. Lo demás, puede ser soslayado por el interés personal. Pero no debería ser así, porque el sistema político tendría que fomentar un educación democrática inclusiva y no discriminatoria de calidad, pues ello afecta a todo el país, a la convivencia del presente y del futuro. También luchar contra las dificultades económicas y la exclusión social. Si Trump, y lo que representa, triunfa en la actualidad con muchos seguidores, fue que en el pasado se sembró la semilla del autoritarismo.

LA MUJER EN EL ANTIGUO EGIPTO

 

El otoño madrileño se ha volcado con el antiguo Egipto. Junto a la exposición del Caixaforum, nos encontramos con otra muestra dedicada a la civilización del Nilo. En este caso financiada por una empresa de servicios, el Grupo Eulen, y situada en el Palacio de las Alhajas, que fue sede de muchas muestras de la Fundación Caja de Madrid. Se titula HIJAS DEL NILO. MUJER Y SOCIEDAD EN EL ANTIGUO EGIPTO, y hace un recorrido sobre el papel de la mujer en esa civilización, organizada en cinco secciones, un primer ámbito general; otro dedicado a aquellas que fueron gobernantes, Mujeres reales; el tercero, como participantes de la religión, Diosas y templos; un cuarto, para mostrar su influencia en los rituales funerarios, De la muerte a la eternidad, y finalmente, el dedicado a su importancia en el siglo XX, denominado Egiptomanía.

La sociedad del antiguo Egipto era bastante igualitaria, a diferencia de otras en este periodo de la historia. Las mujeres no se encontraban subordinadas al hombre para ejercer oficios desde los más humildes hasta los más prestigiosos. Las leyes las hacías iguales en la familia y en la propiedad privada. Prueba de ello son los múltiples restos de esculturas y pinturas que demuestran tal poder de la mujer, que fue exaltado en un Himno a Isis, recogido en el Papiro de Oxirrinco. La exposición recoge principalmente piezas pequeñas que muestran los convencionalismos estilísticos, de la perspectiva frontal, el hieratismo, y de los colores para representar los cuerpos de las figuras. La mujer tenía acceso a oficios en apariencia reservados a los hombres como ser escriba o médico. Si bien la mayoría de la población era campesina, caracterizada por un trabajo duro, el papel que desempeñaban en la familia era relevante, al tener derecho a la propiedad, tras el divorcio o la herencia respecto al marido.

En la exposición podemos observar el cuidado del cuerpo, por la búsqueda de la belleza y la salud, mediante los cosméticos, las joyas y el vestuario de lino, cómodo en una región de altas y contrastadas temperaturas. La mujer debió ser protagonista en el ámbito musical asociado a funciones religiosas y de ocio. Se valoraba la maternidad y la fertilidad dentro de la familia. Los hijos eran imprescindibles para asegurar la mano de obra en la agricultura, de ahí su protección por numerosos amuletos. Igualmente, el erotismo y la sexualidad demostrada en las representaciones del cuerpo desnudo y de actos orgiásticos. Por otro lado, la mujer tenía un papel relevante en la política al ser Gran Esposa Real, y madre obligatoria de faraones. Sin embargo, en la historia de Egipto, hubo mujeres que pudieran considerarse como reinas como Nefertiti, Nefertari, Hatshepsut y Cleopatra VII, que aparece en las monedas junto al romano Marco Antonio.

Las mujeres tienen un papel relevante en la religión egipcia. Por una parte, como diosas, que atendían, no solo a la maternidad, como Isis y Horus, que se ha relacionado posteriormente con la Virgen María y el Niño Jesús en el Cristianismo, sino también con la guerra y la muerte. Por otra, con las ceremonias dentro de los templos, asociadas a la música en los rituales. El recorrido de la exposición tiene un punto álgido con el video que reproduce la tumba de Nefertari, en la sección dedicada a las tumbas. Su tumba fue una de las más hermosas encontradas, propia de la esposa del gran Ramsés II. Finalmente, en el ámbito de la Egiptomanía, descubrimos la figura de Eduardo Toda, cónsul español en El Cairo, y pionero de la arqueología, que excavó la tumba de Sennedjem, un constructor de la tumba de Amenofis I, que también se reproduce con primor en la exposición, creando un conjunto muy atractivo al visitante.

VIOLENCIA EN LA MONTAÑA

 

Las pequeñas aldeas entre bosques y montañas son las primeras que han ido despoblándose en la llamada España vaciada. La falta de expectativas económicas y la pervivencia de las actividades agrícolas tradicionales, han contribuido a ello. Por el contrario, la conservación del medio natural contrasta con la degradación medioambiental de muchos lugares por la contaminación de todo tipo. Todavía conservan especies animales que vagan salvajes por sus montes como los caballos, que el hombre cuida rapándoles sus crines y marcándoles, mediante la fuerza bruta de sus brazos. Este es el contexto de la película, AS BESTAS, escrita y dirigida por Rodrigo Sorogoyen, en el que una pareja francesa se instala en una aldea gallega para dedicarse a la rehabilitación de casas abandonadas y vivir de la agricultura ecológica.

El problema surge cuando una empresa de energías renovables había ofrecido comprar sus tierras para instalar molinos de viento. La mayoría de lugareños votaron a favor, pero un grupo de ellos, entre los que se encontraban los franceses, votaron en contra, lo que provocó que la empresa descartara la aldea y sus montes. Antoine y Olga habían invertido todos sus ahorros en el lugar y no estaban dispuestos a renunciar, mientras los hermanos Anta, sus vecinos, querían el dinero para poder vivir mejor en la capital. A causa de esto, esta familia les empezará a acosar cada vez más gravemente llegando a contaminar su pozo y arruinar la cosecha de tomates. Además, son continuos los enfrentamientos en la cantina del pueblo entre los hermanos y Antoine, que llevará a éste a denunciarles ante la Guardia Civil, que opinan que deben hablar entre ellos y renunciar a cualquier enfrentamiento.

Un día, sin embargo, cuando Antoine paseaba por el bosque con su perro, le atacan los dos hermanos y le matan, para enterrar luego su cuerpo. La mujer, entonces, queda sola en la casa intentando salir adelante. Recibe ayuda de su único amigo en el pueblo. También, su hija, que vivía en Francia, llega para obligarla a regresar, pero ella está empeñada, a pesar del tiempo desde su desaparición, en encontrar sus restos. Además, le gusta el lugar, y desea tener un rebaño de ovejas para producir queso. Un día, paseando por el bosque encuentra la cámara que su marido utilizaba para gravar a sus acosadores. A partir de ella se descubrirá el cuerpo del marido. Habrá triunfado, la justicia frente a la violencia. La civilización positiva que pretende el desarrollo sin destruir el medioambiente frente a la barbarie que pretende el beneficio a corto plazo sin atender a las consecuencias.

PRESOS EN LUCHA

 El estado de las prisiones durante la Transición fue lamentable. Sufrieron especialmente el cambio entre las leyes provenientes de la dictadura, y las nuevas, fruto de la aplicación de la Constitución de 1978. Los reclusos padecieron malas condiciones, torturas, falta de higiene, largas condenas, desproporcionadas respecto a los delitos, tiempos excesivos de la prisión preventiva, y ausencia de abogados defensores. En general, la no existencia de derechos que favorecía la impunidad y corrupción de las autoridades y los malos tratos. Fue la época en la que coincidieron los presos comunes con aquellos perseguidos por sus ideas políticas o peligrosidad social, según los tribunales franquistas. Ante esta situación los presos se organizaron en la COPEL, la Coordinadora de Presos en Lucha, que trató de mejorar la vida en las cárceles. Esto nos lo cuenta la película, MODELO 77, escrita y dirigida por Alberto Rodríguez, basada en hechos reales.

El peso de la película recae en dos protagonistas, Manuel, acusado de un desfalco en su empresa, que llega a la cárcel tras una denuncia en parte falsa, y Pino, un preso que lleva casi toda su vida recluido. El primero será desde el principio consciente de las malas condiciones y malos tratos que se viven en el interior de la prisión, exigiendo sus derechos. La respuesta serán palizas y golpes por parte de los funcionarios. Pronto entrarán en contacto con él, por su valentía, un grupo de presos políticos y otros comunes organizados para defenderse de la violencia que hay en el interior, y exigir una amnistía. De esta manera, se convertirá en líder, en la Modelo de Barcelona de la COPEL, la Coordinadora de Presos en Lucha, que se ha extendido por toda España. A ellos se unirá después, su compañero de celda, Pino, un preso muy experimentado, que dudaba que se pudieran producir cambios.

Luchan en el interior de la prisión para evitar los asesinatos y mejorar la existencia diaria. La comida es mala y falta asistencia médica. Para ello distribuyen panfletos con sus reivindicaciones dentro y fuera de la cárcel, donde un grupo de abogados les defiende y apoya frente a las autoridades. La mayoría se encuentra en prisión preventiva a la espera de juicio. Confían en una amnistía porque la nueva sociedad democrática no puede permitir que haya presos sin juicio y en aplicación de normas de la dictadura. La decepción llega cuando la amnistía sólo afecta a los presos políticos. La respuesta de ellos será amotinarse y destruir la cárcel hasta que atiendan a sus reivindicaciones. Las autoridades para frenar los motines les engañarán, para luego aislar a los líderes en una sola prisión, después de ser torturados. 

Tras un tiempo, con el primer gobierno democrático, los nuevos cargos de prisiones tratan de mejorar su situación. Los líderes pueden volver a sus prisiones de origen, pero los cambios legales todavía tardarán, allá por 1978, y los protagonistas se inquietan cuando la COPEL, ha dejado de ser efectiva. Entonces, deciden fugarse de la cárcel, como muchas otras que se produjeron en aquél año de esperanzas en la historia de España. Una fuga que para Manuel y Pino, supondrá reencontrarse con su máxima aspiración de ser libres.

EL INICIO DEL RENACIMIENTO EN NÁPOLES

 

El Museo del Prado en colaboración con otras instituciones españolas e italianas organiza la exposición, OTRO RENACIMIENTO. ARTISTAS ESPAÑOLES EN NÁPOLES A COMIENZOS DEL CINQUECENTO, un muestra que pretende dar luz sobre un periodo hasta ahora no muy conocido de la llegada de la maniera moderna al sur de Italia, junto a sus implicaciones en el arte español. Reúne 75 obras entre pinturas, esculturas, y libros iluminados de comienzos del siglo XVI hasta 1530 aproximadamente, en un periodo en el que Nápoles fue definitivamente incorporado a la Monarquía Hispánica durante el reinado de los Reyes Católicos, tras los continuos enfrentamientos con Francia. 

Una serie de artistas italianos y españoles van a llevar las novedades aportadas por los grandes maestros del Cinquecento, Rafael, Leonardo da Vinci y Miguel Ángel. Nápoles fue siempre una ciudad cosmopolita, que vivió durante el siglo XV, un periodo brillante culturalmente, sin embargo, el dominio español no supuso una ruptura, sino un continuo enriquecimiento y desarrollo. La ciudad será a partir de ese momento un punto de entrada de la tradición española, y ésta, a su vez, el ámbito de partida del lenguaje renacentista hacia la península ibérica. La exposición se divide en cinco secciones, siendo las primeras dos dedicadas a la tradición humanística de Nápoles, para luego pasar al dominio de los Reyes Católicos, especialmente cuando el propio rey Fernando entró en la ciudad en 1506. Por esta época se abandona el lenguaje gótico de la mano de dos artistas fundamentales, el Maestro del Retablo de Bolea y el pintor Pedro Fernández, procedente de Lombardía. 

Las secciones tercera y cuarta se centran en el desarrollo de la maniera moderna, propia del Cinquecento, primero con la llegada a la ciudad de la Virgen del pez de Rafael, obra perteneciente a las colecciones del Prado, y segundo, con el trabajo de los llamados, las águilas del Renacimiento español, esto es, de Diego de Siloe, Bartolomé Ordoñez, Alonso Berruguete y Pedro Machuca que son conocedores de la llamada poética de los afectos de Leonardo, la gracia de Rafael y el poder expresivo de Miguel Ángel. La aportación de todos ellos fue esencial para el posterior desarrollo de la escultura y la arquitectura plenamente renacentista española, sin olvidar, igualmente, las aportaciones en pintura, de la que se muestran ejemplos sobresalientes en la exposición. Por otra parte, una interpretación libre del estilo clásico de Rafael se observa en Pedro Machuca, también en la aportación de artistas como Polidoro da Caravaggio y de Girolamo Santacroce. Este periodo se vería interrumpido por la guerra entre el emperador y el papado, manifestada en el Saco de Roma de 1527, que obligaría a retornar a la península a los artista españoles que habían estado activos antes de esa fecha, y que producirán obras fundamentales del arte español en distintas regiones peninsulares.