EL ARTE DEL LEJANO OESTE

Un oasis en las Badlands, E.S.Curtis, 1905

El Museo Thyssen de Madrid organiza la exposición, LA ILUSIÓN DEL LEJANO OESTE, sobre los artistas que en el siglo XIX reflejaron en sus obras el Oeste estadounidense para representar los paisajes y las formas de vida de sus pobladores. Reflejaron el mito de un territorio salvaje, paradisiaco y peligroso. Un territorio que va a crear una ilusión con doble vertiente, espejismo pero también como entusiasmo, es decir, generaba la posibilidad de aventura, de tener una vida diferente y prosperar. Constituía un nuevo Edén con la desventaja  que estaba poblado por las culturas indias desde antiguo, unas culturas primitivas de cazadores, que tenían una relación equilibrada con la naturaleza.

El rastro perdido, Charles Wimar, 1856

La cultura de los Sioux, Cheyennes, Apaches, Mohicanos..etc., fue reflejada por los artistas casi siempre con admiración y respeto. La exposición reune un conjunto variado de objetos. Desde mapas, pinturas, grabados, fotografías y esculturas, hasta piezas de carácter antropológico conservadas de esos pueblos, algunos desaparecidos. Igualmente, el comisario de la misma, Miguel Ángel Blanco, rinde homenaje a las tierras y a los pueblos del Oeste con trece libros-caja que forman parte de su Biblioteca del Bosque, un proyecto escultórico realizado con materiales de este territorio. El conjunto se organiza en seis apartados: Explorar el Nuevo Mundo; Pueblos y paisajes inéditos; Indios en las grandes llanuras; Efigies y ceremonias; Indios y vaqueros, y La biblioteca del bosque.

Shon-ka-ki-he-ga, Jefe Caballo, gran jefe pawnee, G. Catlin, 1832

El recorrido arranca con mapas que cartografiaban el proceso de conquista y colonización. Son de origen español conservados en los archivos de nuestro país. El río Misisipi fue una largísima frontera física y psicológica. Las primeras expediciones artísticas al Oeste tuvieron motivaciones antropológicas. Los pintores y fotógrafos descubrieron una naturaleza espectacular y la representaron influidos por el Romanticismo.  Así lo hicieron Thomas Cole, Albert Bierstadt y Thomas Cole del valle de Yosemite y Yellowstone. También les fascinaron las tribus de las Grandes Llanuras. El pintor George Catlin visitó 48 tribus y realizó 310 retratos y 200 escenas para su Galería India.

Joseph, E.S.Curtis, 1903

Los cowboys y los soldados fueron figuras destacadas por los artistas que dejaron testimonio de la progresiva destrucción de la cultura indígena. Sobresale el papel de los fotógrafos que contribuyeron a crear el tópico sobre la imagen del indio. Edward S. Curtis fue el más famoso por su monumental proyecto, The North American Indian, de carácter artístico y etnográfico. Representó rituales olvidados y retratos, la mayoría de estudio. Finalmente, este mundo de colonización y conquista va a dejar una huella en la cultura popular que va a llegar hasta la actualidad con manifestaciones en la literatura, la historieta, los juegos, el cine y la televisión.

LA TASACIÓN DE LA VIDA

El título de la película, EL CAPITAL HUMANO, dirigida por el realizador italiano, Paolo Virzì, alude a la indemnización que tiene que pagar una compañía de seguros cuando el conductor ha provocado la muerte de una persona, en este caso, de un ciclista que en una carretera nevada la víspera de Navidad es arrollado por un automóvil. Así comienza la película, cuyo desarrollo muestra en tres capítulos los personajes que directa o indirectamente se relacionan con el hecho. Un capítulo final que recibe el mismo título de la película aclara quién es el culpable y las consecuencias.

Los protagonistas pertenecen a dos familias: una multimillonaria que vive privilegiada en una gran mansión, cuyos ingresos provienen de la especulación en los mercados financieros. El padre lleva los negocios, mientras la mujer, Carla (Valeria Bruni), se encarga de gastarlo en antigüedades o en la promoción cultural. El hijo mayor estudia en un colegio privado en el que ha conocido a Serena, la hija adoptada de la otra familia protagonista, los Ossolas, de clase media. La madre, Roberta (Valeria Golino) es psiquiatra, y el marido, Dino, (Fabrizio Bentioglio) es agente inmobiliario.

Las historias entremezcladas de las familias giran en los negocios de Dino que pide un préstamo para invertir en el fondo de inversiones de alto riesgo de la familia rica, aprovechando que los hijos son buenos amigos. Por otra parte se centra en las relaciones de Carla con la promoción del teatro y en una vida de lujo independiente del marido. La noche del accidente las dos familias habían estado juntas en la ceremonia de entrega de premios del colegio donde estudian los hijos, y queda claro, que la relación que tenían había terminado. Llama la atención del espectador el montaje de la película, dividido en capítulos narrados desde diferentes perspectivas, según los personajes, hasta cierto punto repetitivos, que confluyen en el mismo hecho dramático.

A los personajes principales les mueve el dinero que sustenta sus vidas de clase alta o media. Las  relaciones sociales están motivadas por el estatus alcanzado por éste. A la vez, se encuentran los sentimientos de fidelidad o infidelidad entre los matrimonios, o de amor, entre Serena y el joven con trastornos mentales que va a provocar el accidente, por el que va a ser condenado. Éste es el único que puede cambiar o revolucionar esas vidas determinadas por las reglas del sistema económico, que tasa su pérdida, en un precio irrisorio si lo ponderamos de forma adecuada, a lo que supone, si vemos las cualidades de los protagonistas.

DRAMA EN LA LUCHA LIBRE

La película FOXCATCHER, dirigida por Bennet Miller ganó el premio al Mejor Director en el pasado Festival de Cannes y hoy es cadidata a cinco premios Oscar. Un palmares merecido para una historia basada en hechos reales que el director recrea en la ficción con la pretensión de atenerse a la verdad. Para ello emplea un estilo alusivo, no explícito y realista muy del gusto del festival francés. Una gran manera de emplear el lenguaje cinematográfico caracterizada por la sobriedad y la contención desarrollado con un ritmo pausado. El objetivo es retratar a los personajes principales en sus circunstancias propias en las que juega un papel esencial el aspecto psicológico.

El papel protagonista lo ejerce el luchador, Mark Shultz, Channing Tatum, ganador junto a su hermano, David, Mark Ruffalo, de una medalla de oro en los Juegos Olímpicos de 1984. Este ejerce de entrenador de su hermano, que se encuentra sólo y hundido sin recursos. Las cosas cambian cuando el millonario John E. DuPont, Steve Carell, aficionado a la lucha libre, le invite a instalarse en su finca, llamada Foxcatcher, para que junto a otros luchadores formen un equipo ganador de los mundiales y de los próximos Juegos Olímpicos de Seul. Mark tenía una personalidad débil, muy dependiente emocionalmente de su hermano. 

Sin embargo, la situación de Mark en el equipo se deteriora tras las primeras victorias. John DuPont es un hombre que tiene la lucha libre como un capricho más en su vida y se vale de la misma para satisfacer sus delirios de grandeza. Es aficionado a todo tipo de armas y se hace llamar águila dorada para mostrar su patriotismo. De esta manera, Mark cae en la desidia y en el consumo de drogas que le proporciona. DuPont, entonces, llama a su hermano, que se traslada con la familia a la finca. Sin embargo, Mark no aguanta la situación, el ser sustituido por Dave en la organización y en las pretensiones del millonario, así que decide dejar la lujosa residencia, sin abandonar la preparación.

El equipo de Foxcatcher, que representa a los EEUU fracasa en los Juegos Olímpicos. Todo parece seguir igual después, hasta que se desencadena la tragedia. John DuPont al sentirse frustrado en ser un manager y patrocinador victorioso de la lucha libre, asesina a Dave de repente, que nunca se había dejado manipular por sus delirios. Tenía una personalidad más fuerte que Mark y lo que buscaba ante todo era la seguridad económica de su familia. Una vez terminada la película se informa a los espectadores lo que les deparó el futuro a los protagonistas. DuPont murió en la cárcel y Mark se convirtió primero en un luchador profesional, y luego en un entrenador.

EL ENIGMA DE ALAN TURING

A finales del siglo XX y comienzos del siglo XXI se está produciendo una revolución tecnológica. El ser humano se vale de las máquinas, de los ordenadores para mejorar todos los aspectos de la vida, desde el sistema  productivo hasta el aprendizaje, pasando por las comunicaciones. La mayoría de la población lleva hoy uno consigo día y noche. Éstas se perfeccionan año tras año y se vislumbra la convivencia con robots en el futuro. Estos cambios que avanzan a una gran velocidad que el ser humano está asimilando con dificultad, no se han producido de la noche a la mañana, si no que fueron iniciados de forma primitiva a mediados del pasado siglo. 

Una de las mentes privilegiadas que puso las bases para su posterior desarrollo fue el matemático y profesor, Alan Turing, cuyas extraordinarias circunstancias que rodearon su vida son motivo de la película, THE IMITATION GAME (Descifrando Enigma), dirigida por el director noruego, Morten Tyldum, con un buen guión de Andrew Hodges y Graham Moore, basándose en un libro biográfico del personaje. El título hace referencia a un artículo del mismo que detallaba el método para determinar si algo parte de una máquina o de una persona real. Se puede añadir que el juego es un elemento fundamental en el planteamiento teórico de las máquinas y en la manera de ralacionarse con ellas los seres humanos.

La vida dramática de Alan Turing, un personaje que provocaba el rechazo de la gente por su soberbia y falta de empatía, tiene en su apuesta por las máquinas y el ser pionero de la informática actual el primer aspecto a destacar. El que resulta central en la película se refiere a que logró descifrar Enigma, la máquina alemana que encriptaba los mensajes durante la Segunda Guerra Mundial. Lo logró liderando un equipo heterogéneo de académicos, lingüistas, campeones de ajedrez y oficiales de inteligencia. También covenciendo al propio primer ministro Winston Churchill de que había que invertir una cuantiosa cifra de dinero en construir un artefacto electrónico que hiciera frente al sofisticado procedimiento del enemigo. La mente humana era incapaz de ello.

Así lo hicieron descubriendo que los mensajes repetían siempre el comienzo aludiendo al tiempo atmosférico y saludando al führer. La dificultad estaba en que los alemanes cambiaban la clave diariamente. También tuvieron que mantener en secreto tal hallazgo para que aquellos no variasen el aparato durante la guerra, lo que supuso limitar la información a determinadas acciones de guerra que de todas las maneras acortaron el conflicto y evitaron millones de muertos. El secreto se mantuvo después de la contienda marcando la vida de los protagonistas. Eran unos héroes de guerra pero también exmiembros de los servicios de inteligencia. Tal información no se desveló hasta muchos años después.

La vida y la personalidad de Alan Turing determina el desarrollo del relato fílmico. La homosexualidad estaba prohibida y castigada en el Reino Unido por aquellos años. Esto le influyó desde joven en las relaciones sociales, provocándole la soledad y el rechazo. Desde que estaba estudiando en la universidad; durante la guerra cuando él no veía un inconveniente trabajar con mujeres, por aquella época considerado hasta cierto punto indecoroso; y después, cuando en el año 52 le detienen y condenan por indecencia grave, tras averiguar la policía que mantenía relaciones con hombres. Fue condenado a la castración química durante un año, tras lo cual se suicidó a los 41 años.

El argumento, por tanto, destaca por la riqueza de perspectivas: el conflicto bélico; las relaciones humanas; la importancia de las máquinas inteligentes adelantándose al futuro, y la propia vida del malogrado científico. Esto hace que la película se estructure en base a dos flash backs, uno inserto en otro. Primero un tiempo en los años 50 cuando le detiene la policía y le interroga. Segundo el pasado, recuerdo de los sucesos de la guerra. Tercero, otro pasado, recuerdo de su juventud, que explica y marca el origen de su carácter y orientación sexual.

Un personaje incomprendido y maltratado por una sociedad todavía no suficientemente libre, que frustró las posibilidades de realizar mayores aportaciones al bienestar humano. Recientemente el gobierno británico rehabilitó su prestigio y la reina de Inglaterra le condecoró a título póstumo. El que se convirtió en héroe de guerra contra la tiranía del nazismo, luego pereció por una opresión semejante de una sociedad inglesa que proclamaba la libertad.

EL IMPOSTOR Y LA MUJER ARTISTA

A lo largo de la Historia del Arte ha habido un número muy pequeño de mujeres artistas en relación con los hombres. El papel desempeñado por la mujer en la cultura y sociedad occidental hasta el mundo contemporáneo explica tal asimetría. Tendría que llegar el siglo XX para empezar a poner fin a la desigualdad de género. Cada vez hubo más mujeres que tenían una mayor formación académica y hacían valer los derechos políticos y sociales que les correspondían. Este hecho se relaciona con la prosperidad económica a finales de los años 50 y la libertad conseguida con la revolución sexual de los 60.

Este es el contexto de la película, BIG EYES, dirigida y producida por Tim Burton, que cuenta la historia real de la artista Margaret Keane. Una mujer que escapó de su marido con su hija para ser independiente y ganarse la vida, para caer en manos de un impostor que se hace pasar por un pintor que había residido en Francia, sin tener ninguna aptitud para ello. Después de casarse de nuevo, pronto se dará cuenta que las pinturas enigmáticas de niños solitarios con grandes ojos tienen mucho más éxito que las obras de su marido. Éste tiene dotes para las relaciones sociales y el negocio artístico frente al carácter más introvertido de Margaret, hasta el punto que se apropia de la autoría de los cuadros.

De esta manera se construyó una gran mentira que alcanzó grandes proporciones, basándose en el éxito de las pinturas de niños y a los revolucionarios procedimientos de comercialización del arte que se inventó Walter Keane. Unos métodos que se centraban por una parte en la venta de las obras en su propia galería para los clientes más adinerados, y por otra, en la difusión de los que hoy se denomina, merchandising, de las propias imágenes de los cuadros, en carteles y en múltiples reproducciones en supermercados. Las consecuencias fueron la popularidad y el enriquecimiento de los Keane.

Sin embargo, tal situación llegó a un límite cuando Walter tuvo que salir en defensa de las pinturas que fueron duramente criticadas por el especialista en arte del New York Times. No podía explicarlas correctamente porque las motivaciones últimas del estilo las llevaba Margaret dentro de ella. Atendían a la expresión de las emociones y a las cualidades de la mirada como espejo de una espiritualidad, de alma humana. También, ésta ya no aguantaba el comportamiento interesado y violento del primero, del que se separa huyendo a Hawai, pero que a cambio del divorcio tiene que ceder los derechos de sus obras.

En las islas del Pacífico, Margaret difunde por la radio que ella es la autora de los cuadros y lleva a juicio a su exmarido. En éste, el juez para despejar dudas y observando las cualidades de embaucador de Walter, les oblida a pintar un cuadro en una hora. El resultado es la victoria de una mujer que por debilidad frente al hombre, tuvo que ceder la libertad y el talento personal. Al final de la película se incluyen fotografías reales de los protagonistas. Walter no volvió a pintar aunque siguió afirmando que era el autor de las pinturas hasta su muerte en el año 2000. Margaret, ya anciana, aparece junto a la actriz que le interpreta, Amy Adams, como ejemplo de mujer artista que luchó por la igualdad.

UNA VICTIMA DE LA GUERRA MUNDIAL

La película INVENCIBLE (Unbroken) dirigida por Angelina Jolie narra la vida heroica de Louis Zamperini, basándose en el libro homónimo de Laura Hillenbrand. Una historia de superación y supervivencia. Nacido en una familia humilde de inmigrantes italianos, logró participar con sólo 19 años en los Juegos Olímpicos de 1936 junto al legendario, Jesse Owens. El comienzo de la Segunda Guerra Mundial truncó su carrera al convertirse en tripulante de un bombardero. Un destino arriesgado que le llevaría a tener un accidente el mes de abril de 1943 cuando su avión cayó al Pacífico.

Louie y el capitán Phillips lograron aguantar en una balsa a la deriva durante 47 días, un récord absoluto en los anales de supervivencia en el mar, apesar de las heridas, el ataque de los tiburones, la falta de alimento y agua y los ametrallamientos, hasta que fueron rescatados por los japoneses. En este momento comienza un nuevo calvario de malos tratos y trabajos forzados al ser internado en diferentes campos de prisioneros en Japón. Además de la difícil situación diaria, tuvo que soportar el sadismo del jefe de aquellos, el criminal de guerra, Mutsuhiro Watanabe, llamado El Pájaro, por el que recibió continuos golpes y palizas.

Los japoneses conocedores de su fama como atleta le ofrecieron realizar programas de radio en Tokio como propaganda contra su propio país. Él rechazó tales propuestas lo que le llevó al borde de la muerte por el trabajo forzado y los malos tratos. La victoria de los norteamericanos le permitió regresar, sin embargo, su vida era un auténtico infierno por el Estrés Postraumático. La paz espiritual llegaría tras casarse y llevar una vida religiosa intensa. A partir de este momento se dedicaría a defender el perdón frente a las ansias de venganza.

La película termina en este punto a partir del cual emplea fotografías e imágenes de vídeo reales. El volvería a Japón para reconciliarse con algunos de sus verdugos, porque el famoso criminal de guerra, se negó a verle, aunque fue perdonado por EEUU. Lograría portar la antorcha de los Juegos Olímpicos de invierno de aquél país con ochenta años. Louis Zamperini murió en 2014 con 97 años. Una larga vida de ejemplo para mostrar que la perseverancia y la fuerza por la superación lograron vencer el fanatismo y la violencia de la guerra.

LA BIOGRAFÍA DE TURNER

El afamado director Mike Leigh ha realizado y escrito el guión de la película Mr. TURNER sobre los últimos 25 años de la vida del genial pintor británico. El actor que le da vida, Timoty Spall, recibió el Premio al Mejor Actor en el Festival de Cine de Cannes. El relato cinematográfico arranca cuando el artista se encuentra en plena madurez y fama. Viaja incansable por toda Europa y el Reino Unido. Vive en Londres en una casa estudio con su ama de llaves y el padre anciano que lleva la organización y las ventas. Desde los 27 años es académico con todos los honores e imparte clase como profesor. Desde la niñez mostró un talento precoz al vender su obra en la barbería que regentaba el padre en Convent Garden. Tiene dos hijas que no atiende de Sarah Danby con la que vivió una temporada.

John M. William Turner es uno de los principales pintores en la Historia del Arte. Una mente privilegiada y un artista prodigioso. Fue muy hábil en su oficio, por una parte revolucionario, diferente a otros artistas ingleses y europeos de la época, en la aplicación del pigmento y del color, centrado en transmitir los efectos cambiantes de la Naturaleza, mostrada en forma de paisaje, sobre el ser humano. La luz que transforma la percepción de los elementos resulta fundamental. Por otra, un artista incansable, prolífico, que constantemente está dibujando al natural bocetos fuera del taller, como pintando al óleo.

El director trata de mostrar la relación dialéctica entre el artista como hombre y la obra que va a pasar a la posteridad, entre su fragilidad y su poder. Fue un pintor de éxito aceptado en los salones de la aristocracia, pero también rechazado por el público y la realeza que no comprendía sus planteamientos pictóricos más avanzados. De esta manera se presenta un personaje anárquico, errático, y egoista que se aprovecha del ama de llaves de quien recibe un profundo respeto, y a la vez generoso con Sophia Booth, dueña de una casa de huéspedes junto al mar con la que convivirá  después en Chelsea hasta su muerte.

Su fama no cesó nunca, aunque conoció los cambios radicales que la sociedad y el gusto estaban experimentando derivado de los avances tecnológicos. Así intuyó el poder que iba a tener la fotografía y su influencia sobre el arte cuando se hace retratar con la técnica del daguerrotipo. Al final de sus días conoce el desarrollo de otros estilos de pintura como el de los Prerrafaelitas, muy diferentes al paisajismo romántico que el practicaba. 

Prefirió donar al estado británico su propia colección, que hoy forman parte de los fondos de la Tate, que venderlos a pesar de la elevada suma que le ofrecieron. La última escena recoge la última frase que pronuncia Turner en el lecho de muerte: El sol es Dios. Unas palabras que resumen una vida entregada al arte, que quedará como ejemplo a la posteridad. De igual manera, sus seres queridos sacrificados por esta dedicación a la pintura, muestran a su manera lo que supuso el artista para ellos.

LA CRISIS DEL LADRILLO

Los problemas económicos y sociales que se viven actualmente en España provienen en primer lugar de la crisis financiera internacional y segundo del pinchazo de la burbuja inmobiliaria, convertida en una crisis de deuda y de los bancos. La película trata la llamada crisis del ladrillo en nuestro país que llevó a la urbanización de suelo rural y a la construcción desproporcionada de viviendas en todo el territorio. Tenía un fin especulativo, ganar dinero rápido, en un corto periodo de tiempo. Se basaba en el crédito fácil a las empresas promotoras y a las familias sin ninguna garantía de devolución.

La película, LOS FENÓMENOS (Os fenómenos), escrita y dirigida por Alfonso Zarauza, trata el problema de la construcción desde el punto de vista de una cuadrilla de obreros, especialmente del personaje de Neneta, una mujer madre de un niño pequeño que es abandonada por su pareja y tiene que regresar a su pueblo natal en Galicia y emplearse como peón. Tiene que superar enormes obstáculos. Todos los compañeros son hombres en un trabajo en los que prima la rapidez porque es a destajo. Cuanto más se hace, más se cobra. También al principio lo hace sin contrato, junto a inmigrantes en la misma situación.

El capataz y el constructor son auténticos explotadores que no les importa la situación humana de los trabajadores. El sistema funciona mientras llega dinero adelantado del banco. Sin embargo, cuando se anuncia la caída de las entidades financieras norteamericanas, las españolas restringen el crédito. La obra donde trabaja Neneta se para y comienzan los problemas de los personajes. Uno se da a la bebida porque no puede pagar la hipoteca ni alimentar a la familia.

 A la protagonista le sucederá lo mismo, que el piso que había comprado con ilusión frente a la costa, tiene que venderlo porque no puede pagar la hipoteca. Ella había abandonado la vida en una furgoneta y sin ataduras, por otra aparentemente más segura y tranquila. Sin embargo, se convierte en una prisionera por culpa de la crisis económica, en la que los trabajadores en primer lugar, y los ciudadanos en general,  son las principales víctimas.

LA SOCIEDAD DE INTERNET

Las tecnologías de la información y la comunicación basadas en Internet están cambiando nuestras vidas. Cada vez dependemos más de nuestros ordenadores conectados a la red. Hoy son imprescindibles, y cada vez más, los teléfonos inteligentes, las tabletas, y los ordenadores. Es un mundo interconectado por los datos personales que circulan online. Desde donde hemos partido está claro, pero no los límites, a donde llegaremos en el futuro. De forma paralela han surgido nuevos problemas sociales relacionados con la utilización de las nuevas tecnologías. Éstas afectan de forma decidida a la enseñanza, a la relación entre los adolescentes, a la de estos con sus padres, y de los adultos en general.

Esto es lo que plantea la película, HOMBRES, MUJERES Y NIÑOS (Men, Women and Children), escrita y dirigida por Jason Reitman, basándose en la novela homónima de Chad Kultgen. Un grupo de familias que llevan a sus hijos al mismo instituto viven una serie de problemas o cambios relacionados con el empleo de los móviles y ordenadores. Una madre soltera ha creado una página web donde cuelga la fotos privadas de la hija que quiere ser artista. En una familia, los dos progenitores son infieles al usar las páginas de contactos. El padre y el hijo ven pornografía en la red para estimular y conocer su sexualidad.

Un joven deja el equipo de fútbol porque prefiere pasar el tiempo jungando a un atractivo videojuego. Una chica obsesionada con su cuerpo se ha vuelto anoréxica y termina teniendo un aborto de un compañero de clase. Todos ellos emplean el móvil y conversan por mensajería instantánea, incluso estando cerca. Por otra parte, hay una madre que ha instalado un sistema que controla y censura los mensajes que llegan a la hija desde distintas redes. Ve las posiblidades de Internet como un peligro. Todas estas historias llegan en conjunto a una serie de conclusiones.

En primer lugar que Internet y la tecnología están cambiando nuestro comportamiento social. Para bien o para mal, no depende de ella, sino de la utilización que hagan los seres humanos en los distintos periodos de su vida. En segundo lugar incrementa la libertad individual y las posibilidades de desarrollo social. No es por tanto un peligro. Limitar el uso responsable a los jóvenes puede ser perjudicial, una amputación de múltiples aspectos intelectuales y afectivos. En tercer lugar, si se ha producido una cierta brecha generacional por el uso intensivo de móviles y ordenadores entre los jóvenes. Sin embargo, los padres llegan a hacer lo mismo, implementan su libertad cuando se incorporan a los beneficios que proporcionan.

La película utiliza en ciertos momentos las imágenes de la nave artificial, Voyager, que partió de la Tierra en los años setenta y en 2013, salió de nuestro sistema solar, tomando una foto de la misma convertida en un punto luminoso perdido en la inmensidad del Universo. Una metáfora que alude a los enormes cambios que se han producido en ese tiempo, pero insignificantes mirados desde otra escala, por lo que merece según el guionista tener una convivencia adecuada entre los seres humanos, y cualquiera podría añadir, no creerse el fin del progreso social, sino una etapa en un largo viaje.

LA BANALIDAD DEL MAL

La directora y escritora alemana, Margarette Von Trotta aborda en la película, HANNAH ARENDT, una parte de la biografía de la filósofa a comienzos de los años sesenta cuando cubrió el juicio del criminal de guerra nazi, Adolf Eichmann para la revista, New Yorker y la publicación posterior del libro sobre las reflexiones creadas a partir del mismo. Ella era alemana de origen judío que a comienzos de los años treinta logró escapar de la persecución nazi tras estar detenida en un campo de internamiento y exiliarse en EEUU. Había sido discípula y amante del gran filósofo alemán Martin Heidegger, cuyo recuerdo siempre permaneció con ella a pesar de que se uniría al partido nacionalsocialista, como aparece en la película en diferentes flash back.

LLeva una vida acomodada en New York como profesora de la universidad junto a su marido, Heinrich Blücher, su amigo de la juventud, el judío alemán Hans Jonas y familia, y un grupo de amistades americanas, como la escritora, Mary McCarthy. Todo cambiará cuando su trayectoria se cruce con la del organizador de la muerte de millones de judíos. Hannah Arendt trata el Holocausto desde una perspectiva nueva, filosófica e histórica, de intentar comprender o racionalizar unos hechos muy dramáticos sin cualquier componente emocional, por lo que veía a Eichmann como un tipo corriente, un don nadie, un burócrata sumiso, eso sí, capaz de hacer el mayor de los males. Así crearía la teoría de la banalidad del mal por el que una persona o un grupo de ellas por la ausencia de pensamiento autónomo y la obediencia ciega y fanática les llevó a organizar el transporte criminal a las cámaras de gas. También, del análisis de los testimonios del juicio, que ella veía como un proceso de la misma categoría que el de Nuremberg más que el simple enjuiciamiento de un sólo individuo, se rebelaba la colaboración de algunos jefes de los consejos judíos con los nazis, lo que provocó que el genocidio tuviera una dimensión mayor.

Hannah Arendt, Fred Stein

La película muestra cómo este enfoque, mal interpretado, provocó una enorme polémica y presiones de todo tipo en su contra, hasta el punto que muchos de sus antiguos amigos le abandonaron y los compañeros de la universidad, salvo los más íntimos y la mayoría de los alumnos. Le acusaron de insensibilidad, de reducir la responsabilidad de un criminal nazi que a punto estuvo de acabar con su vida, de acusar de complicidad a los mismos judíos de su propio genocidio, cuando ella había participado en el movimiento sionista. Al final, Hannah Arendt se defendió públicamente afirmando que su perspectiva era una reflexión filosófica en lo que concierne a la teoría de la banalidad del mal, que se origina de un interés previo en comprender unos hechos para abstraer los conceptos, e histórica según los numerosos documentos y testimonios vistos en el juicio, en lo referente a la colaboración de los consejos judíos, que de todas formas no cabía tal vez otra actuación o podía haber sido otra.

Al espectador le queda después de ver la película un retrato personal de la filósofa Hannah Arendt, muy bien interpretado por la actriz, Barbara Sukowa, de su altura e independencia intelectual que le hace aparecer como insensible y arrogante, pero admirada por muchos estudiantes y amigos, y de su pensamiento en lo referido al concepto del mal, que se apunta en la historia. Sobre todo fue valiente al tratar un tema histórico, por aquellos años, de gran dramatismo cuando vivían algunos responsables y los testigos implicados, en la que se incluye ella misma, sin dejarse llevar por las emociones para intentar de alguna manera de explicarlo o comprenderlo, no en el sentido de relativizarlo o de exculpación, y así, evitar que se repita en el futuro.

CONTRALUCES SOBRE EL AMOR

Terrence Malick, escribe y dirige la película, TO THE WONDER, entendida como una reflexión acerca del amor entre el hombre y la mujer, que posee un componente material y espiritual, pero de inferior rango al amor divino, el enunciado por la Biblia, entendido como una entrega sin recompensa a los demás, como un sacrificio hacia otras personas que sufren. Para ello cuenta una sencilla historia de amor y desamor entre un norteamericano, Neil, y una mujer francesa, Marina, madre soltera de una niña. La película arranca en Francia, en la plenitud del romance entre ambos, en París, en el Monte St. Michel, en la costa normanda. Luego se traslada a una ciudad en el oeste americano, cercana a inmensas praderas que se pierden en el infinito. Él se dedica a controlar la contaminación de la industria en los suelos y ríos. Tras un periodo de convivencia, la madre y la hija deben volver a Europa tras caducarse el visado. Entretando aparece una nueva mujer, Jane, que busca pareja y es madre frustrada. Posee un rancho de ganado. Sin embargo, la relación acaba porque vuelve Marina, ya sin su hija, para quedarse. Contrae matrimonio con Neil, pero del amor se pasa al odio, al enfrentamiento entre ellos y la infidelidad. La película termina cuando ella vuelve al viejo continente.

Los protagonistas de la película son los personajes femeninos, Marina, interpretada por la actriz, Olga Kurylenko, y Jane, la actriz, Rachel McAdams, a pesar que el personaje conductor es Neil, interpretado por Ben Affleck, o el Padre Quintana, el actor, Javier Bardem. Son protagonistas destacadas porque en ellas reside la evolución del argumento y el objetivo continuado de la cámara, la miradas, la gestualidad del rostro, los movimientos del cuerpo, más que en el personaje masculino. La razón se encuentra en la manera que tiene el director de construir la película, a base de imágenes que llegan impresionistas a la mirada del espectador y que cambian continuamente, superando a la acción propia de los personajes o a los diálogos. Unas imágenes en las que se busca la belleza continuada de los atardeceres o del amanecer en la ciudad o en la naturaleza, en los reflejos sobre el agua, en los contraluces a través de las ventanas, de las copas de los árboles, de los rostros de los personajes o sus cuerpos, entre el pelo o la hierba crecida de las praderas. Entre los caballos salvajes o los bisontes que pacen tranquilos y contemplan a los dos amantes.

Luces y sombras en los interiores, la mayoría vacíos de las casas que habitan los protagonistas. Contraluces al atardecer en los paisajes históricos de París y Versalles, en el puente de las Artes o a la ribera del Sena. El director refleja el cambio de las estaciones del año, su distinta climatología, el sol, la lluvia, la nieve, el nacimiento de la vegetación, la caída de las hojas, la subida de la marea, la destrucción del paisaje, la urbanización sin control, las industrias o las energías contaminantes, porque da una importancia esencial a la Naturaleza, de la que se aprovecha, vive o forma parte el ser humano. La destrucción de la misma se puede comparar con el fracaso del matrimonio o del amor entre una pareja, su respeto, con la fertilidad, la procreación, la continuidad. Si el campo se renueva en primavera, así nuevos grupos de niños juegan constante en las calles de los suburbios.

Las dotes como filósofo del director, Terrence Malick, quedan demostradas con las ideas que transmiten estas imágenes sobre la Naturaleza y el Amor humano, pero también con aquellas que muestran el sufrimiento causado por el destino: la enfermedad, la pobreza o la privación de la libertad. Todas ellas encuentran consuelo o ejemplo frente a la desesperación, en el Amor Divino, en el sacrificio hacia los demás enunciado por la religión cristiana. El director transmite, de ahí su prestigio, estas ideas a través de una sinfonía de las más bellas imágenes, a las que dan atractivo y forma, el color, la luz, la apreciación de las texturas de los objetos, y el ritmo. El conjunto se completa con un fondo de música clásica y la voz en off principal. Queda, por tanto, en el espectador un completo mosaico de imágenes sobre la vida afectiva de dos seres humanos, cuyo simple devenir, se explica de manera portentosa por el transcurso natural y espiritual de la existencia.

CULTURA GITANA

Maternidad, 2011, Isabel Muñoz

El Centro Cultural Conde Duque de Madrid organiza la exposición VIDAS GITANAS.LUNGO DROM en la que se cuenta la historia del pueblo gitano español y su influencia en la cultura española en general. El subtítulo de la misma escrito en lengua romaní significa largo camino, el que tuvo que hacer el pueblo gitano, en una migración histórica, desde el noroeste de la India, hace mil años hasta su llegada a España después de expandirse por Europa. La primera referencia documental conocida en nuestro país es un salvoconducto expedido en 1425 por el rey Alfonso V de Aragón de un grupo de personas que se hacen pasar por peregrinos. A partir de este momento, sus costumbres nómadas, diferentes a las establecidas respecto al resto de los nativos, les hará padecer una serie de leyes represivas desde la primera pragmática antigitana de los Reyes Católicos, hasta la Ley de Vagos y Maleantes y el Reglamento de la Guardia Civil durante el franquismo. En 1978 fueron derogadas aquellas disposiciones específicas en contra.

El término gitano proviene de la denominación egipciano, originario, como se creía en épocas pasadas, de aquella región del norte de África. Estuvieron a punto de ser expulsados del territorio, como se hizo con los judíos y musulmanes. El rey Fernando VI en 1749 autorizó la Gran Redada o Prisión General de Gitanos con objeto de privarlos de libertad. Así padecieron un periplo histórico en el que han sufrido la opresión, los más crueles castigos y los prejuicios sobre su carácter y costumbres. Desde el nomadismo pasaron progresivamente a su asentamiento, dedicándose sólo a determinados oficios relacionados con la compraventa, el baile y la música y la herrería. A principios del siglo XX, destaca la actividad como tratantes de ganado. La progresiva industrialización y urbanización de España les hace situarse en los arrabales  de las ciudades, en los lugares más pobres y marginados de las mismas.

Sin embargo poseyeron una relevante pujanza cultural y la exposición recoge su influencia en el patrimonio común de la propia nación, reflejadas en la música clásica y en la literatura. Contribuyeron a crear un mito romántico, sobre nuestro territorio, y una música y un baile singular como es el flamenco. Numerosos documentos de todo tipo, especialmente, la fotografía, dan cuenta de las aportaciones y los rasgos, de la vida del pueblo gitano hasta la actualidad. Un capítulo especial es la relación entre lo gitano y el cine durante los años cincuenta, sesenta y setenta del siglo XX, para crear otro mito, en este caso publicitario, del franquismo, de España es diferente. Los gitanos al contrario de otros pueblos, no tuvieron una religión propia. Destacan por las devociones tradicionales al catolicismo, del que ya hay un santo, y a la vertiente evangelista sobre todo en la actualidad. El pueblo gitano ha llegado a organizarse a nivel internacional para defender las costumbres, creando una bandera. En España existe el Instituto de Cultura Gitana, pero no se habla la lengua romaní como en otras partes de Europa. Los gitanos se van incorporando poco a poco a la educación en todos los niveles y adaptándose a los profundos cambios sociales a comienzos del siglo XXI sin olvidar sus señas de identidad.

UNA HISTORIA REAL

BETTY ANNE WATERS (Conviction), realizada por el director y actor, Tony Goldwyn muestra un caso real de fallo judicial en una condena a cadena perpetua por asesinato en primer grado, que en otro estado que no fuera Massachussets, hubiera sido pena de muerte. Una condena, la de Kenneth Waters, fundamentada en testimonios falsos y pruebas circunstanciales, detras de los cuales estaba una mujer policía con afán de notoriedad y a la que no le caía bien el protagonista. Todo esto se descubrirá al final, y que será la causa de una millonaria indemnización por la estancia en la carcel de veinte años de manera injusta. También en 1980 no existían pruebas de ADN para demostrar la inocencia del acusado, que en este caso se basaba en la coincidencia con en el tipo de sangre del asesino.

A pesar de esta fuerte condena y estas pruebas en su contra, Betty Anne Waters, magníficamente interpretada por la actriz, Hillary Swank, a la que le van estos papeles tan dramáticos, luchará para librar de la cárcel a su hermano, una persona sin una conducta ejemplar, agresiva, que había cometido pequeños delitos desde joven, los dos educados en un entorno familiar difícil. La fuerte convicción en la inocencia de éste, le llevará a sacrificar parte de su vida, de su matrimonio, compaginando trabajo y los estudios de derecho. Una vez convertida en abogada, ella y una amiga, lograrán encontrar las pruebas del juicio, perdidas tras más de dieciseis años transcurridos, y contactar con el Proyecto de Inocencia, organización que cuestiona pruebas mediante el análisis de ADN.

De esta manera, y después de descubrir la verdad tras los testimonios falsos de los testigos en el antiguo juicio, Betty Anne Waters consigue la anhelada libertad de su hermano con todo en contra. Una extraordinaria y emotiva historia donde brilla la interpretación de todos los actores, principales y secundarios, de igual forma que la narración visual organizada en sucesivos flash back que nos retrotraen al la niñez y al momento de producirse los hechos, hasta llegar a la época más actual. Queda en el espectador una lectura moral referida a la justicia. Cualquier decisión transcendental para la libertad o la vida de un ser humano, debe ser muy ponderada, en igualdad de condiciones entre el estado y el acusado, por muy mala fama que tenga, por la debilidad de su defensa legal, que en este caso fue una de las razones de la condena.

Las Vegas, en el bar, c. 1949

La exposición sobre la fotógrafa norteamericana Lisette Model, en la Fundación Mapfre, reune un conjunto de sus más importantes imágenes entre los años 3o y 5o. Son fotografías que reflejan un isntante de la condición humana en los dramáticos años (exilio, guerra, violencia) del siglo XX, los que precedieron y vivieron la Segunda Guerra Mundial.

La decadente alta burguesía en Niza, la ciudad y las gentes de Nueva York, hombres y mujeres solitarios en los bares de Las Vegas o Reno, son los protagonistas de sus instantáneas con un realismo exacerbado que podríamos considerar expresionista. Sin ninguna concesión a la belleza física o a la juventud, muestran un mundo que protagonizó, provocó y fue victima a su vez, de las circunstancias que transformaron la sociedad en el siglo pasado.