EL SUEÑO DE HOLLYWOOD

El mundo de la producción audiovisual ha cambiado en los últimos 50 años. Los EEUU, California y Hollywood viven situaciones sociales y políticas muy difierentes. La película, ÉRASE UNA VEZ EN...HOLLYWOOD, escrita y dirigida por Quentin Tarantino, recrea el mundo del cine y la televisión en 1969, cuando los movimientos juveniles se oponen al mundo dividido entre las dos grandes superpotencias con una cultura propia manifestada en la música y en una revolución de las costumbres, protagonizada por los hippies. Esta recreación la protagonizan un actor de televisión, Rick Dalton, y su doble, Cliff Booth, venidos a menos, tras años de éxito a finales de los años cincuenta y comienzos de los sesenta.

Rick, interpretado por Leonardo Dicaprio, empieza el rodaje de una serie del oeste, mientras Cliff, a quien da vida, Brad Pitt, apenas encuentra trabajo, convirtiéndose en ayudante del primero. La lucha por la fama y lo papeles relevantes en las películas es dura en la meca del cine. Rick vive en las colinas de Hollywood con los recuerdos de las series protagonizadas en el pasado, mientras trata de salir adelante aceptando papeles secundarios. También viajando a Italia para interpretar spaghetti western. Tiene como vecinos a la pareja del momento, el director Roman Polansky y la actriz Sharon Tate, que inician su carrera con éxito, a cuyo trágico final se alude en la película de Tarantino, al contar el ataque de un grupo de hippies a la casa de Rick, en agosto de 1969.

En la película aparecen personajes célebres de la California del momento. En la fiesta de la mansión de Playboy, destacan el actor Steve Mcqueen, los cantantes del grupo The Mamas and the Papas, además del director Roman Polansky y Sharon Tate. En varias escenas divertidas, interviene el famoso Bruce Lee. La historia recrea la ciudad de Los Ángeles con una rica puesta en escena, en los cuales se incluye una buena banda sonora, de las principales canciones del momento, las del grupo vocalista antes citado con dos temas, junto a los Rolling Stones o Simon and Garfunkel, además de las sintonías de radio o imágenes de televisión de la época, que nos hacen viajar en el tiempo 50 años atrás.

TERROR EN UTOYA

El 22 de julio de 2011, un hombre armado de extrema derecha atacó un campamento de verano donde se reunían los jóvenes del partido socialdemócrata noruego, después de haber colocado un coche bomba en los edificios gubernamentales de Oslo. El resultado fueron unos setenta y siete muertos y más de noventa heridos de consideración. La película UTOYA, dirigida por Erik Poppe, que lleva el nombre de la isla donde acampaban los jóvenes, narra en tiempo real, el periodo de unos 72 minutos que el asesino estuvo disparando, mientras llegaba la policía para ayudar a las víctimas. Un periodo considerado demasiado largo, causado por una serie de errores cometidos por la misma.

La película se basa en las descripciones precisas de lo sucedido en la isla. Los jóvenes pasaban un día normal con sus diferentes actividades, inquietos por las noticias de los medios de comunicación que informaban del coche bomba. De repente, hacia las cinco de la tarde, se empezaron a oir los disparos, al parecer de un hombre vestido de policía. En ese momento, todo el mundo empieza a correr desesperado hacia las zonas arboladas y en dirección al mar. La cámara se centra en Kaja y sus amigos, que se esconden en un primer momento en el bosque. Llaman a la policía que les aconseja ocultarse. También a sus familias. La joven protagonista decide buscar a su hermana Emilie, que se había quedado en la tienda.

Kaja encuentra la tienda vacía y el móvil de la hermana abandonado. Entonces, decide huir de nuevo entre los árboles. Allí prosigue el terror. Acompaña en los últimos minutos de vida a una joven herida en la espalda. Luego llega a la orilla del mar donde están escondidos en las recovecos de las rocas numerosos jóvenes. En un momento dado, el asesino llega a arriba de los acantilados y abre fuego contra ellos. Katia no aguanta mucho tiempo oculta. Le preocupa la suerte de su hermana. Entonces huye por el borde del mar. De esta manera descubre un grupo de cadáveres, entre ellos el de un niño. En ese instante, mientras siente un terror intenso, cae abatida de un disparo.

En una época cuando el terrorismo islamista golpeaba en distintos países europeos, sucedieron los atentados de Oslo. Era la primera vez que Noruega, un país con un estado de bienestar seguro, vivía un atentado de esta magnitud. Sin embargo, la autoría de los atentados provenía de un hombre de extrema derecha, que se vengaba, de manera sanguinaria contra la política gubernamental de aceptar a los inmigrantes. Esa aversión a los extranjeros se ha extendido hoy por el mundo, En nuestro continente ha puesto en riego al mismo proyecto europeo, cuyos síntomas más evidentes son el Brexit y el crecimiento de los partidos de extremistas.

MIRADAS AFINES EN LA PINTURA BARROCA

Los oficiales del gremio de pañeros, Rembrandt, 1662, Rijksmuseoum

El Museo del Prado organiza la exposición VELÁZQUEZ, REMBRANDT, VERMEER. MIRADAS AFINES, un conjunto de  setenta y dos obras principales de los grandes pintores españoles y holandeses del siglo XVII, para llamar la atención del prejuicio de la historiografía que ha visto más diferencias entre el arte español y el holandés, cuando existe una sorprendente similitud en el trabajo de muchos de los pintores barrocos. Dicha perspectiva consideraba a las dos naciones contrapuestas debido a la Guerra de los Ochenta Años (1568-1648), que condujo a la independencia de los Países Bajos, entre los cuales se encuentra Holanda, del resto de la Monarquía Española en este periodo. 

El geógrafo, Vermeer, 1669, Städel Museum

La historiografía ponía de manifiesto que las diferencias entre una nación católica y otra protestante, se veían con claridad en el arte. Sin embargo, la exposición madrileña, que reúne un conjunto excepcional de obras maestras, por un acuerdo extraordinario de colaboración entre el Rijksmuseum de Amsterdam y el Museo Nacional del Prado, demuestra que el uso del arte como argumento para afirmar la singularidad de las naciones ha sido utilizado de forma exagerada. Los artistas no pretendían expresar una esencia de las mismas, sino unos ideales estéticos compartidos por muchos artistas europeos, plasmados a través de unos recursos técnicos también comunes.

Demócrito, Ter Brugghen, 1628, Rijksmuseum/Demócrito, Ribera, 1630, Museo del Prado

La exposición se organiza en una introducción y seis secciones donde se realiza la comparativa de obras entre los autores holandeses y españoles. En la misma introducción se establece ya el hilo conductor de la muestra. A pesar de las diferencias entre las sociedades de las naciones enfrentadas, el arte tiene rasgos comunes, no vinculados al enfrentamiento bélico. En el primer apartado titulado, Imagen, moda y pintura en España y los Países Bajos se evidencia la similitud en la tipología del retrato, difundido a partir de modelos flamencos e italianos de finales del siglo XV y XVI, y la vestimenta de color negro. El Greco, Murillo, Frans Hals y Rembrandt, emplean tipologías similares.

Cuatro figuras en un escalón, Murillo, 1655-60, Kimbell Art Museum

La sección tercera, titulada, Ficciones realistas, muestra la semejanza en el tratamiento realista o naturalista de los temas de la pintura. Ter Brugghen y Ribera contribuyeron al conocimiento del realismo en Holanda y España a principios del siglo XVII. Fue desarrollado, por un lado, por Rembrandt y Vermeer, y por otro, por Velázquez y Zurbarán. En el apartado cuarto, referido a la Pintura de naturalezas muertas, la afinidad es evidente al ser un género paneuropeo. Las obras de Pieter Claesz, Juan Van der Hamen, Pieter Steenwiljck y Francisco de Zurbarán, muestran la habilidad de sus autores para reproducir fielmente los objetos para destacar el estatus, la cultura o los valores morales del propietario.

Fragmento de Vista de casas en Delft, Vermeer, 1658/ Fragmento de Vista del jardín de Villa Medici, Velázquez, 1630

La siguiente sección, Pintar a golpes de pincel groseros, se centra en aspectos técnicos comunes, en la pincelada suelta y empastada de origen veneciano, llevada a cabo por Tiziano y Tintoretto en el siglo XVI. De esta manera se comparan, Velázquez y Frans Hals, Ribera y Rembrant, y finalmente, Vista del jardin de Villa Medici en Roma, del primero, con Vista de casas en Delft, de Vermeer. El último apartado, Contactos entre artistas y mecenas, demuestra, especialmente con obras de Murillo como Cuatro figuras en un escalón o El joven gallero, que éste autor debió conocer cuadros holandeses mediante contactos con comerciantes de ese origen residentes en Sevilla, que le influyeron en el ilusionismo pictórico y el tono satírico.

EL LEGADO DE LOS BEATLES

Los Beatles constituyen un hito en la historia de la música y la cultura popular. Abrieron un camino por el que seguirían otros músicos a comienzos de los sesenta hasta la actualidad. Durante su carrera en aquellos años, no dejaron de aportar nuevas ideas musicales. El resultado es un original conjunto de canciones que han acompañado nuestra vida desde la niñez. La película, YESTERDAY, dirigida por el prestigioso director británico, Danny Boyle, cuenta que el legado imprescindible de Los Beatles, desaparece por un apagón global de unos segundos. Nadie recuerda sus canciones, ni su existencia, No se puede encontrar información en Google, y los discos antiguos, igualmente, han desaparecido de repente.

Jack Malik, un músico que pretende ser conocido, se da cuenta que es la única persona en el mundo capaz de recordar a Los Beatles. Toca en los bares y en algún festival sin mucho éxito, a la vez que se gana la vida como reponedor de supermercado. Tras comprobar en Internet y en sus propiaos discos, la desaparición del mítico grupo, tratará de recordar las más famosas canciones para interpretarlas en sus actuaciones. De esta forma, irá cantando, primero a sus amigos, luego en el bar de siempre, Yesterday o Let it be, Realizará una grabación con apoyo de su amiga de la infancia y manager. Finalmente la fama le llega cuando el popular cantante, Ed Sheeran, que se interpreta a sí mismo en el film, le integra como telonero en sus conciertos. Observa que es capaz de componer extraordinarias canciones, sin descubrir que simplemente las recuerda.

Una importante discográfica piensa lanzarle al estrellato con un concierto multitudinario, que el protagonista decide que sea en su pueblo de la costa inglesa, en la azotea de un hotel. Según avanzan estos planes, se da cuenta que se va apartando de su antigua vida, de Ellie, su amiga de la infancia, a quien ama. No se siente a gusto con la fama, especialmente cuando comprueba que existen dos personas más en el mundo que recuerdan a Los Beatles. Decide, entonces, desvelar el secreto en un mulitudinario concierto de Ed Sheeran en el estadio de Wembley. También, que lo único que desea es tener una familia junto a Ellie. Así, seguirá interpretando las canciones de Los Beatles, que el permite que se descarguen gratis en la red, pero delante de los niños.

El cómico guion de la película escrito por Richard Curtis, se basa en la idea fantástica, original del productor, Jack Barth, de la desaparición de elementos fundamentales de nuestra cultura popular, entre los que destaca, el legado musical de los Beatles, aunque, el mismo aparecen otros como, la Coca-Cola, o las novelas de Harry Potter. Sería, desde este punto de vista, una reescritura del pasado, donde, las consecuencias de aquellos elementos hasta cierto punto revolucionarios, persisten, sin haber existido, las causas, aquellos fenómenos esenciales o primordiales, de las cuales derivaron. La sociedad de consumo de masas habría llegado a ser, de esta forma, sin los elementos fundamentales que la estructuraron.

MADRID, CIUDAD EDUCADORA

El Museo de Historia de Madrid organiza la exposición, MADRID, CIUDAD EDUCADORA, 1898/1938. MEMORIA DE LA ESCUELA PÚBLICA, un recorrido temporal por las transformaciones de la educación pública hasta el final de la Guerra Civil en la capital de España. El recorrido se inicia a finales del siglo XIX cuando se pierden las últimas colonias tras la guerra contra EEUU. El país toma conciencia del bajo nivel económico y cultural de la mayoría de la población, en contradicción con la pujanza de unas élites bien instruidas. Una de las causas se encontraba en la deficiente enseñanza que se proporcionaba a los niños en la llamada escuelas unitarias, la mayoría situadas en el ámbito rural, donde mezclados por edades recibían durante un periodo corto de tiempo una educación elemental

El llamado Regeneracionismo impulsó desde principios del siglo XX el proceso de reforma pedagógica más intenso que se ha vivido en nuestro país. Una de las pocas ocasiones en las que hubo consenso en ciertos principios básicos, como que la educación era una de las vías para salvar a España, un auténtico motor del cambio social. De esta manera, por iniciativa del Estado, el Ayuntamiento de Madrid, y algunos particulares se pusieron en práctica planes de construcción de escuelas, que culminaron con mayor intensidad durante la Segunda República. Tuvieron mucha influencia las ideas de la Institución Libre de Enseñanza, de tal forma, que Madrid fue capital de la renovación pedagógica española, donde la mayoría de las escuelas públicas desarrollaron proyectos educativos innovadores.

La escuela madrileña pasó de ser unitaria, muchas veces situada en pisos, sin apenas espacios, a ser llamada graduada, que ponía en práctica el ideal de la educación integral. En principio suponía la escuela un edificio específico con una transformación precisa del espacio. Además de las aulas de clase, aparecieron otros lugares de trabajo como las bibliotecas, los talleres, los museos escolares o los gimnasios. Un nuevo centro de poder fue el despacho del director. Los maestros y las maestras salieron de su aula y se encontraron en las salas de profesores. De la misma manera, surgieron los comedores, los patios para el tiempo de recreo y los juegos infantiles, porque la nueva escuela implicó una nueva organización del currículo.

La escuela graduada, además, supuso una clasificación de los alumnos en grados o grupos de acuerdo con su edad cronológica. La duración en la escuela, que se fue ampliando, incluso hasta los 15 años en circunstancias excepcionales, y los horarios diarios que marcaban las múltiples actividades, se extendían los siete días de la semana durante doce horas. Se pretendía superar las únicas actividades del aula tradicional: leer, memorizar y escribir, que establecía a los niños y niñas con bancos fijos en el suelo, por otras de carácter colaborativo con mesas y sillas movibles para trabajar en equipo. Las nuevas escuelas reflejaban una preocupación por la higiene, la salud y la educación social, al dotar a la escuela de gabinetes médicos, baños, duchas, piscinas y patios donde se realizarían juegos y ejercicios físicos.

La Guerra Civil frenó el desarrollo de la escuela pública, aquellos ideales que potenciaron la educación popular. Muchos edificios fueron destruidos por los bombardeos. Hubo, igualmente, numerosas víctimas infantiles. Otros niños y sus maestros tuvieron que ser evacuados. La exposición recoge documentos y testimonios de cinco profesionales que creyeron en la idea de que accediendo a las direcciones escolares podrían cambiar la educación, que fueron cinco vidas que adoptaron posiciones distintas ante la sublevación militar, lo que supuso en algún caso perderla o marcharse al exilio.

LA FOTOGRAFÍA DE BERENICE ABBOTT

Autorretrato, distorsión, 1930, Howard Greenberg Gallery

La Fundación Mapfre organiza la exposición BERENICE ABBOTT. RETRATOS DE LA MODERNIDAD, que reúne unas 200 fotografías de la artista, de los años 20 y 30, cuando participó en los círculos culturales de vanguardia de París y Nueva York. Fue en la ciudad francesa donde trabajó con Man Ray, que le pondría en contacto con Eugéne Atget, de quien recibiría una extraordinaria influencia para entender la actividad fotográfica. Igualmente, llegó adquirir su archivo, ayudando a difundir su obra, de ahí que esta muestra madrileña incluya once de sus imágenes.

Eugéne Atget, 1927, International Center of Photography

Berenice Abbott es la retratista de los escritores e intelectuales que protagonizan la modernidad en la primera mitad del siglo XX. De nuevas mujeres y hombres, que superan los roles tradicionales de los masculino y lo femenino,  que antes que todo son seres humanos libres e independientes, un grupo al cual pertenece la propia fotógrafa. En ellos se encuentran los personajes de las novelas de D.H. Lawrence, James Joyce o Djuna Barnes. Por otra parte, la autora es la retratista de los cambios que se producen en la ciudad de Nueva York, desde los edificios avejentados a los nuevos rascacielos construidos o en construcción.

West Street, 1932, Getty Images

Podemos hablar, al referirnos a Berenice Abbott como una fotógrafa documental, siguiendo la estela de Eugéne Atget, que se interesó por la ciudad de París. En el caso de la norteamericana, centrada en la Ciudad de los Rascacielos, cuyas fotografías, realizadas en los años treinta, se publicarían en el libro Changing New York, por el que alcanzaría la fama. Capta numerosos procesos de transformación arquitectónica como la construcción del Lincoln Center, espacios hoy totalmente cambiados como West Street, y el centro de Manhattan. Ella pretende mantenerse al margen de las pretensiones artísticas cuando retrata los nuevos rascacielos desde el cielo hasta la tierra, o desde esta hacia el cielo, en ángulos imposibles, de día o de noche. 

Vista aérea de Nueva York de noche, 1936, Intenational Center of Photography

Sin embargo, a pesar de la vocación documental de Berenice Abbott, cuando analizamos las fotografías resultantes, testimonio de un momento de cambios constantes, no podemos dejar de admirar, en las capturas de las calles con fuertes contrastes entre los edificios y las obras de ingeniería, ya sea puentes o las estructuras metálicas del metro, en los rincones de calles olvidadas, la subjetividad de la mirada de la fotógrafa. De esta manera, habría que hablar más que de la concepción de fotografía documental en  la autora, de documentalismo artístico, como subraya la comisaria de la exposición.

HISTORIA DE UN LIBRO

Resulta difícil que una editorial publique un libro de un autor desconocido. Persigue el beneficio económico y no asume riesgos de manera habitual. Sabemos que los escritores noveles mandan los manuscritos a distintas editoriales hasta que son aceptados o no por alguna de ellas. Estas empresas apuestan normalmente por escritos que consideran de interés para el gran público o por autores consagrados. Por otra parte, cada vez existen menos lectores de libros. En estas circunstancias se inscribe la película, LA BIBLIOTECA DE LOS LIBROS RECHAZADOS, del director francés, Rémi Bezançon, basada en la novela de David Foenkinos, que cuenta la intriga sobre un libro de autor desconocido, que había sido rechazado, en la lejana Bretaña.

En el pueblo de Crozon alguien abrió una librería con la peculiaridad que tenía una sala para aquellos manuscritos devueltos por la editoriales. Un día, Daphné, joven editora, descubre un texto que le deja asombrada por la calidad que tiene. Descubre que está firmado por un vecino del pueblo, llamado Henri Pick, que regentaba una pizzería. El libro se publica rápido y alcanza pronto grandes ventas. El autor había muerto hacía unos años y los beneficios de las mismas pasarían a una ONG. La viuda reconoce que nunca le había visto escribir, ni leer nada. Todo un misterio, que un famoso crítico literario pretende desvelar, después de haber sido despedido del programa literario que presentaba por dudar de la autoría del texto.

El crítico, Michel Rouche intenta indagar en la familia y en el entorno del pueblo. Le ayudará la hija del supuesto autor, Joséphine, maestra, buena lectora, que también tiene sus dudas sobre que fuese su padre quien escribiese el libro, una historia con calidad y un buen conocimiento de la literatura rusa. La investigación choca con la oposición de la editorial que ha encontrado un buen negocio, con el atractivo de ventas que le ha proporcionado, el peculiar manuscrito. También la indagación sobre el antiguo propietario de la librería, plantea muchas dudas. Estuvo relacionado con una mujer eslava de la que se separó, y escribió una novela que fue rechazada, que estaba localizada en Rusía, pero que fue destruida.

Al final, el rastro de la antigua máquina de escribir desvela la intriga. El manuscrito lo había colocado  Fred Kosha, el novio de la joven editora en la sala de los rechazados de la librería para que Daphé lo leyese de forma fortuita como sucedió luego realmente. La publicación del texto le consagraba como un escritor de éxito. Sin embargo, por las implicaciones de todos no sucederá así. Por otra parte, confirma que muchos manuscritos de escritores noveles son devueltos a sus autores sin valorarlos adecuadamente. Otros son publicados y ni siquiera se leen. La preminencia del marketing y del beneficio económico se encuentra para las editoriales por encima de los aspectos literarios.

ENTRE RICOS Y POBRES

Las sociedades actuales son cada vez más desiguales a la vez que crece la mundialización de la economía. Europa apostó por las políticas de austeridad para hacer frente a la pasada crisis financiera internacional. Muchos estados occidentales se encuentran con un elevado nivel de endeudamiento, que les impide hacer políticas sociales redistributivas. Se apuesta, en cambio, por un liberalismo a ultranza para hacer funcionar la economía. Sin embargo, crece cada vez más la brecha entre los ricos y los pobres, entre el norte y el sur de las ciudades, entre el centro y la periferia donde no llega el dinero, los servicios públicos imprescindibles. Además, los numerosos inmigrantes que buscan un futuro mejor se mezclan en ella con los más desfavorecidos del país, creando otra diferencia a su vez, la cultural.

En este contexto se inscribe la película, COMO PEZ FUERA DEL AGUA del director italiano, Ricardo Milani, que aborda, en tono de comedia, la brecha económica y cultural en la sociedad romana actual, separada entre un cuidado centro urbano y una descuidada periferia. En uno vive Giovanni, que trabaja en un think tank, un grupo de investigación, para atraer dinero de la Unión Europea, con su hija, y, en otro, Mónica, que malvive con sus hermanas, y un hijo, mientras el marido cumple una larga prisión. Dos mundos diferenciados por el nivel cultural y económico se van a ver unidos por la relación que emprenden los dos hijos adolescentes. Los padres van a vivir al principio un auténtico choque de costumbres y gustos, manteniendo la esperanza que la relación dure poco tiempo.

Giovanni vive en un apartamento en el centro de Roma, perteneciente a un antiguo palacio. Le gusta las distintas manifestaciones artísticas. Visita las exposiciones y ve cine de autor. Mónica, en cambio, lo hace en un barrio marginal, en un edificio donde se juntan vecinos inmigrantes, donde la línea que separa lo legal del delito es muy débil. El primero, ha educado a su hija Agnese en los valores de respeto y solidaridad, que le ha permitido enamorarse de Alessio, a pesar de las diferencias sociales. Los dos padres llegarán a ponerse de acuerdo para vigilar a sus hijos, mostrando los mundos diferentes en los que viven, que provocará numerosas situaciones cómicas. Al final, los hijos volverán a su órbita. Serán los padres quienes mantengan el contacto. Además, Mónica seguirá el consejo de Giovanni, y emprenderá un negocio de comida rápida, que le proporcionará mayor independencia económica.

TESTIGO DE LA GUERRA

La red de Internet ha permitido que la información se transmita a mayor velocidad desde los lugares más remotos y peligrosos del mundo. Sin embargo, también hace más fácil su manipulación al extenderse por las redes sociales, donde un individuo o un gobierno dictatorial, tienen la capacidad de intervenir. Los hechos reales se pueden distorsionar y convertirse en la propaganda de un grupo terrorista o de mandatarios despiadados. En esta época de la llamada, posverdad, se necesita más que nunca la figura del periodista, un intermediario solvente entre los hechos, por más crueles que sean, y los lectores. La película, LA CORRESPONSAL, dirigida por Matthew Heineman, cuenta la arriesgada vida profesional de Marie Calvin, periodista de guerra del periódico británico, The Sunday Times.

Marie Calvin, madre frustrada, tenía la imperiosa necesidad de ser una periodista al límite, de jugarse la vida en cada una de sus misiones para contar la verdad de un conflicto bélico. Llegaba mucho más lejos que otros para ser testigo de los horrores de una guerra civil. No le importaba cruzar la línea del frente para hacer una entrevista a un líder rebelde o comprobar las consecuencias letales de la guerra en la población inocente. Siempre creyó que los medios de comunicación, incluso los más serios, se dejaban información imprescindible sin contar, impidiendo que los lectores comprendiesen la realidad lo más cerca de la verdad. Ese afán le fue minando la salud física y mental. Ser testigo de los horrores de una guerra, aun no siendo partícipe directo en ella, acaba afectando, si estas muy cerda de escenas de tortura o de la muerte de población civil.

La película recuerda momentos importantes de la vida de Marie Calvin, desde comienzos del siglo XXI. En primer lugar cuando perdió el ojo izquierdo, que la obligó a llevar un parche desde ese momento, en el conflicto de Sri Lanka. Luego en las guerras de Irak y Afganistan. En el primero de ellos, llegó a adelantarse al avance de las tropas norteamericanas sobre Bagdad, para contar la represión de Sandam Husein, participando en la apertura de una fosa común de los represaliados del régimen. La llamada Primavera árabe hizo que numerosos países del norte de África y Oriente Medio iniciasen conflictos sangrientos. Así, la protagonista, llegó a entrevistar a Muamar el Gadafi, y después contar, el final del dictador delante de su cadáver, mientras el público se hacía selfis con el móvil.

El último de los conflictos donde estuvo fue la guerra de Siria, que afectaría directa e indirectamente a muchos países. Podría recibir el nombre famoso de madre de todas las batallas, porque ha supuesto miles de muertos y millones de refugiados. Numerosas ciudades sirias han sido completamente destruidas. Todavía no ha terminado del todo. La guerra civil continua entre el gobierno del Bashar el Asad, apoyado por Rusia e Irán, y la oposición al régimen. Por otra parte, los terroristas del estado islámico que tuvieron bajo su control gran parte del territorio. Marie Calvin, opinaba que era el peor en el que había estado por la violencia indiscriminada contra la población civil. Un conflicto que pondría fin a su vida, a su afán de dar a conocer al mundo las realidades más cruentas a las que puede llegar el ser humano.

EL HONOR DEL JIANGHU

China en pocos años se ha convertido en una de las superpotencias mundiales junto a EEUU y Rusia. Su economía ocupa el segundo puesto mundial y los productos que fabrica se distribuyen en todos los mercados. Ha sabido conjugar el esfuerzo de los trabajadores y la investigación tecnológica. En la actualidad en la más ferviente defensora, junto a Europa de la Globalización económica, ahora amenazada por las políticas de Trump. Este fenómeno ha supuesto un cambio vertiginoso en la sociedad china, que ahora combina la experiencia de una economía capitalista y el gobierno del partido comunista, además de la apertura al exterior. La película, LA CENIZA ES EL BLANCO MÁS PURO, escrita y dirigida por Jia Zhang-Ke, muestra esos cambios que sufre la población china desde la perspectiva de las antiguas sociedades secretas, el jianghu, hoy convertido en el hampa.

Bin es un cabecilla de un grupo de gánsteres en un pueblo de China, que sigue el antiguo código de honor del jianghu, basado en la lealtad y la rectitud, Se llaman entre ellos hermanos y viven de negocios ilegales, además de prestarse ayuda mutua al margen de la sociedad. Qiao, la protagonista, es la pareja de Bin del que está enamorada. Tiene como objetivo formar una familia. También se ocupa de su padre un antiguo minero ahora sin trabajo por el cierre de los pozos de carbón. Todo va bien hasta que una de las bandas rivales les ataque mientras Bin y ella iban en el coche juntos. Qiao logra salvar la vida de Bin que sale malherido de una violenta paliza, pero el uso de una pistola le llevará a la cárcel cinco años.

Tras salir de la prisión, Bin no quiere saber nada de ella. Tiene otra mujer, la hermana de un antiguo socio. Ha abandonado los antiguos negocios. Entonces, Qiao, tras deambular perdida y sin dinero por el país, vuelve a su lugar de origen donde logra ponerse al frente de la banda de la que formaba parte. Un día, regresa Bin, medio paralizado por un derrame cerebral. Ella acepta cuidarlo por el antiguo código del honor de prestarse ayuda, aunque ya no le ama. Consigue que le atienda uno de los mejores médicos. Una vez recuperado, Bin, se vuelve a apartar de ella por segunda vez. Un hecho que demuestra la personalidad inconsistente del antiguo jefe, que no era lo suficientemente sólido para mantener una relación amorosa, ni para ostentar la categoría de líder, ser ejemplo de lealtad y rectitud, virtudes que Qiao reúne a lo largo del relato y ante cualquier circunstancia.