LA BIOGRAFÍA DE HÉCTOR ABAD


 La violencia está muy presente en la sociedad de los países iberoamericanos. Muchos conflictos se resuelven con el asesinato de los oponentes, ya sea un dirigente sindical o un líder político que defienda a los más desfavorecidos. De la misma manera que han surgido guerrillas que combaten las profundas diferencias entre ricos y pobres, las oligarquías y las empresas que explotan el medio ambiente, han contratado grupos paramilitares para la defensa de sus intereses por más injustos que sean. Además, el combustible que ha incendiado más el conflicto y ha incrementado la violencia, ha sido el tráfico de drogas. La película colombiana, EL OLVIDO QUE SEREMOS, dirigida por el español, Fernando Trueba, con un guion de su hijo David, nos cuenta la biografía del médico Héctor Abad Gómez, defensor de la sanidad pública y de los derechos humanos, que fue asesinado por defenderlos.




La película se basa en la biografía del mismo título escrita por el hijo del protagonista, que llegó a ser escritor. El único varón de una familia de seis vástagos. La película, de esta manera, atiende especialmente a la relación entre el hijo y el padre, en una convivencia continua, pues el padre le llevaba a sus clases en la universidad donde enseñaba medicina. La biografía atiende a tres épocas, 1971, la parte más amplia de la historia, cuando el padre destaca como profesor y activista en la universidad en defensa de la sanidad pública colombiana; en 1983, cuando se jubila y su hijo estudia literatura en Italia, y en 1987, cuando es asesinado por unos sicarios, justamente cuando se iba a presentar como candidato a la alcaldía de Medellín por el partido liberal.




La película cambia, por tanto, de registro según avanza la biografía. La época feliz contada por su hijo, corresponde a la que se muestra en color a comienzos de los años 70. La familia vive de forma acomodada en un barrio próspero de Medellín. El sueldo del padre, y de la madre, de todas las maneras resulta justo para mantener a toda la familia. Al Héctor, médico y activista se le ve preocupado por la calidad de las aguas que transmiten enfermedades, y muy querido por los alumnos porque les enseña a pensar sobre todo. En esta época ya le acusaron de ser comunista y no seguir la religión católica. En blanco y negro son las dos siguientes etapas de su vida. La jubilación forzada que padece no le impide seguir luchando contra la injusticia y en favor de los más necesitados.




Finalmente, su mayor compromiso y la entrada en política, provocarán su asesinato en la calle cuando iba a asistir a una reunión del sindicato de maestros. Héctor Abad tenía el corazón en la izquierda y la razón en el centro, pero la defensa de aquellos que sufrían constantes abusos, no impidió que la violencia política se ejerciese contra él. Una vez que apareció en una lista de posibles objetivos de los paramilitares, se esperaba un suceso de tal magnitud. En el traje que llevaba cuando murió, su hijo encontró un escrito donde hablaba de la muerte, y del olvido al cual estamos condenados.

GENOCIDIO EN BOSNIA

 

 Después de la Segunda Guerra Mundial, y las atrocidades producidas en los campos de batalla, en los bombardeos de la población civil en las ciudades, y en los campos de exterminio, se pensaba que no se repetirían  episodios sistemáticos de exterminio contra las personas. Sin embargo, volvieron a suceder en varias ocasiones hasta nuestra época. Un caso de genocidio o crímenes contra la humanidad se vivieron en la Guerra de los Balcanes en la década de los noventa del siglo pasado. Lo cuenta la película, QUO VADIS, AIDA?, de la directora Jasmila Zbanic, en la que el ejército serbobosnio liderado por el general Mladic, mandó asesinar a más de 8 mil varones en la ciudad de Srebrenica, ante la pasividad de las fuerzas holandesas de los cascos azules de la ONU. Se convirtió en el mayor asesinato en masa cometido en suelo europeo desde la guerra mundial.




La ciudad de Srebrenica estaba protegida por las fuerzas militares de la ONU en plena guerra civil entre las distintas nacionalidades de la antigua Yugoeslavia. Los civiles musulmanes corrían grave peligro ante el avance de las tropas serbias lideradas por el general Mladic, tras la crueldad manifiesta en el asedio de Sarajevo. Ante la llegada de los serbiobosnios, la población musulmana fue en masa a refugiarse a la instalaciones del destacamento de Naciones Unidas. Allí reunidos vivieron en condiciones infrahumanas, sin apenas alimento, ni refugio. El destacamento holandés pidió repetida ayuda, que consistía en el bombardeo de las posiciones hostiles ante el avance sobre la población civil indefensa como habían prometido.




Lo único que hicieron fue logar salir indemnes de la crueldad manifiesta de la que fueron testigos. La separación entre hombres y mujeres, para luego fusilar, sin piedad a los primeros, entre los que se encontraban los niños. Acabaron en fosas comunes, que años después, tras el fin de la guerra, fueron abiertas para enterrar dignamente a los asesinados. Aida, la protagonista es una maestra que hace de traductora entre la fuerzas de la ONU y los bosnios. Ella es la única que logra salir con vida por este trabajo. Sin embargo, tiene que ver como le llevan a la muerte a su marido, también profesor, y sus dos hijos jóvenes.




Años después del trágico acontecimiento de julio de 1995, volverá a Srebrenica. Aida quiere reencontrarse con su pasado. Coincide con la apertura de la fosa donde se encuentran su marido y sus hijos enterrados. Logra reconocer los restos y sus pertenencias deterioradas. Vuelve a recuperar su casa ahora ocupada por serbobosnios, que se aprovecharon de los bienes musulmanes para usurparlos. Las última escena de la película es un festival infantil que ella ha organizado. Los niños y sus padres se divierten, alguno antiguo verdugo en la guerra. Parece que la convivencia se ha recuperado entre las distintas culturas. Reconforta pensar que el general Mladic fue condenado por el Tribunal Penal Internacional a cadena perpetua.

VÍCTIMAS DE LA CONTAMINACIÓN


 Todo el mundo clama en la actualidad que el crecimiento económico sea respetuoso con el medio ambiente. Preservar la atmósfera o las aguas de la contaminación química favorece a la vida humana. En las últimos cincuenta años ha habido numerosos episodios donde han perecido miles de personas por escapes radioactivos o de productos peligrosos. En este periodo han colapsado varios reactores nucleares e industrias químicas han causado fugas de materiales nocivos para la salud. Uno de estos escándalos sucedieron en la costa japonesa a comienzos de la década de los setenta. Lo cuenta la película, EL FOTÓGRAFO DE MINAMATA, del director Andrew Levitas, basada en hechos reales relacionados con la vida del fotoperiodista, W. E. Smith.




El protagonista, un profesional de prestigio desde la Segunda Guerra Mundial, se encuentra en el ocaso de su carrera cuando le proponen trasladarse a Japón, y mostrar al mundo la grave contaminación por mercurio que sufre la población de Minamata, provocada por una industria química que vierte sus residuos al mar. Luego, la población se alimenta con el pescado del mar y sufre un deterioro de los tejidos cerebrales que le provocan parálisis. Además, los niños nacen igualmente con parálisis y horrorosas malformaciones. El gobierno nipón no hace caso a las reivindicaciones de la población, y menos los dueños de la fábrica que minimizan la gravedad de la contaminación en aras del progreso.




Eugene Smith logra convencer al director de la revista Life que le encargue el reportaje, en ese momento un tema de actualidad que podría impulsar las ventas de la publicación. Una vez en Minamata, descubre la gravedad del problema. Una población que sufre un grave deterioro de la salud, que se enfrenta sin mucho éxito a una industria que no se quiere hacer responsable de las víctimas que provoca la contaminación por mercurio. El fotógrafo empezará a convivir con las gentes del lugar, y vinculará su vida con las reivindicaciones de las víctimas. Además, sufrirá las consecuencias de la lucha contra los poderosos, tras intentarle sobornar para que abandonase el reportaje. 




Mal herido logrará que se publique las duras imágenes captadas por su cámara. Una de ellas se convertirá en la más emblemática de la historia del fotoperiodismo, donde una madre en una bañera sostiene el cuerpo paralizado y con malformaciones de su hija. El impacto, de las misma provocara que la industria indemnice a las víctimas, pero, según afirma la propia película, la contaminación no se frenará hasta muchos años después. Triunfó, por tanto, el interés económico sobre la vida de las personas, el beneficio de unos pocos, sobre el bienestar de la mayoría, como ahora observamos en algunas pretensiones en estos tiempos de la pandemia.

LA FOTOGRAFÍA DE NICOLÁS MULLER


 La Sala El Águila de la Comunidad de Madrid, organiza la exposición, NICOLÁS MULLER. LA MIRADA COMPROMETIDA, basada en el fondo fotográfico depositado en el Archivo Regional, con la finalidad de mostrar un conjunto de obras que hasta el momento nunca habían sido expuestas o se habían publicado de manera parcial en revistas. Comprende un total de 125 fotografías realizadas en los distintos países europeos que forman parte de su trayectoria profesional: 26 en Hungría, 26 en Francia, 20 en Portugal, 24 en Marruecos, y 29 en España. El conjunto se completa con documentos, contactos, y publicaciones integrantes del fondo.



El origen judío de Nicolás Muller le hizo emigrar de su país natal en dirección a Francia como otros grandes fotógrafos húngaros de su generación como Robert Capa y Brassaï. Su carrera profesional la empezó en Hungría, realizando imágenes de carácter etnográfico. En país galo, a lo largo de su geografía, trabajaría captando a sus gentes para revistas ilustradas como Paris Match y Regards. En su particular huida del fascismo, llegará a Portugal, de la cual tenemos excelentes fotografías de Coimbra y Oporto. La dictadura de Salazar le desplazará al Marruecos, entonces, protectorado español, que le permitirá seguir con su carrera al abrir un estudio en Tánger, donde empieza a colaborar con importantes publicaciones españolas.



Tras los años felices en Marruecos, se instalará en Madrid en 1947, donde abre un estudio en el Paseo de la Castellana. En la posguerra, Nicolás Muller, conocerá a los más importantes escritores y artistas españoles del momento. Numerosas publicaciones tendrán ejemplos de su actividad fotográfica como Mundo Hispánico. Captará con su cámara, la geografía española, en la que sus gentes son los verdaderos protagonistas. Su estilo fotográfico se muestra en formato cuadrado, siempre en blanco y negro, con gran precisión en la captación de la luz y la composición, principalmente de elementos estáticos. Le gusta emplear el picado y contrapicado. En los primeros planos de las figuras, éstas se hacen presentes, muy cercanas al espectador.



Combina la pretensión documental y artística. La representación de los niños tiene reservado un espacio particular en su carrera. Representa tanto a personajes anónimos, campesinos, trabajadores de una fábrica, paseantes de una ciudad, como a famosos, pero contextualizados en una calle o un parque, como el retrato famoso de Pío Baroja en el Retiro madrileño.

LA SEÑORA DE LA DROGA


En esta época los géneros cinematográficos tienden a aparecer mezclados en las películas. Puede que la comedia se tiña de drama, y éste, como el cine policiaco o negro, de secuencias de humor. Las interpretaciones de los actores deben adaptarse a las nuevas circunstancias, en las que triunfan los que son más versátiles, que puedan transmitir todas las facetas de un personaje. Estas cualidades las posee la actriz francesa Isabelle Huppert, que en su larga trayectoria, ha encarnado papeles de todo tipo, desde la más oscura perversión, hasta la expresión de una vida rutinaria, lo que le ha favorecido para interpretar a una traductora de árabe al servicio de la policía, que decide pasarse al tráfico de drogas, en la película, MAMÁ MARÍA, del director, Jean-Paul Salomé.



Patience, la protagonista, está sumergida en un cúmulo de deudas, provenientes del apartamento donde vive con sus hijas. Además tiene que pagar la residencia de ancianos donde cuida a su madre. Su trabajo para la policía resulta estresante, casi realizado en el mismo momento de producirse los hechos, sin atender unos horarios fijos. Al estar mal pagado, ve la oportunidad de cambiar esta vida agobiante sin recursos suficientes, cuando descubre que el hijo de la cuidadora de su madre, está implicado en el tráfico de drogas, y está siendo vigilado con alijo de hachís que transporta desde España hacia París. De esta manera, es avisado por su madre, previamente contactada por la protagonista, que debe deshacerse de la droga, que esconde en el camino. 



Tras ser detenido, Patience decide ayudar a la cuidadora para sacar a su hijo de la cárcel, y vender la droga escondida para responder a sus deudas. Se convierte, entonces, en una auténtica reina de la droga. El inconveniente son que se vale de dos pequeños traficantes que no son muy listos, y le persigue un grupo de delincuentes peligrosos a quien iba destinado el cargamento. La policía no se explica la desaparición del alijo, y decide la captura del traficante que está poniendo en el mercado la droga. Se inicia, así, una peripecia cómica por las calles de París, entre los traficantes y la policía que trata de detenerlos, sabiendo el espectador que es la misma traductora, vestida de musulmana quien la vende, y que está al tanto de las escuchas de la policía.



La trama de la película se enriquece de comicidad cuando la protagonista adopte un perro detector de droga retirado por viejo de la policía, que le acompañará en todo momento; por ser la amante del comisario jefe en la lucha contra la droga, que al final descubre que es ella quien ha estado traficando; y la presidenta de su comunidad de vecinos donde vive, de origen chino, que le va a ayudar a esconder el alijo, y a dar salida a su dinero en efectivo hasta que logra huir lejos con parte del mismo para revivir sus recuerdos familiares. 

VENGANZA DE GÉNERO


La sociedad está tomando conciencia cada vez más de la violencia de género. Los medios de comunicación afloran numerosos casos de agresiones y asesinatos cometidos por hombres sobre sus parejas. También existe un conjunto de casos de abusos y agresiones de carácter sexual, asociados a lugares de fiesta y al consumo de alcohol. En los últimos tiempos han surgido grupos de hombres, denominados manadas, que se aprovechan de una mujer sola a la que someten a todo tipo de vejaciones. Las consecuencias para la víctima y su entorno perduran en el tiempo, desde el primer momento que se producen y pueden causar un daño irreparable. 




En este contexto, se encuadra la película, UNA JOVEN PROMETEDORA, escrita y dirigida por la británica, Emerald Fennell, que cuenta la extraña doble vida de Cassie, una joven que dejó sus estudios de medicina, para trabajar de camarera en un café, a la par que simula estar borracha en los bares para atraer a los hombres que quieren aprovecharse de ella para ponerles en evidencia. Este raro comportamiento se va a descubrir cuando un día entre en el café un antiguo compañero de la facultad, hoy convertido en joven médico, que busca pareja. Le sorprende que ella se apartase de los estudios cuando era una buena y prometedora estudiante, a lo que ella responde, que fue una libre elección, y que no le importa trabajar en un pequeño café y seguir viviendo con sus padres.




Cassie, por las buenas intenciones del antiguo compañero de facultad, acepta salir con él en varias ocasiones. Sin embargo, en una casualidad la descubre saliendo de un bar con un hombre aparentemente bebida, después de haberle negado una cita. La protagonista, en verdad, tuvo que dejar de estudiar porque su mejor amiga desde la niñez, se suicidó tras ser violada en una fiesta estudiantil en la universidad. Quien se aprovechó de ella cuando estaba borracha, es esta época, años después, es un joven médico prestigioso, que va a casarse. Cassie, entonces, decide vengarse de aquel grupo de estudiantes que estuvieron presentes mientras la agredieron y no hicieron nada, incluso a riesgo de poner en peligro su vida.



El resultado de la historia se sustenta en un brillante guion con toques de cierto humor, a pesar del dramatismo del tema, que muestra la doble desigualdad de la sociedad, la económica, que permite a unos jóvenes conseguir una profesión de prestigio por el nivel económico de sus padres, que incluso les han defendido a cualquier precio, y la de género, del hombre sobre la mujer, sin importar truncar un futuro prometedor.

PINTURA DEL AMOR Y EL DESEO

La pandemia de coronavirus no ha impedido al Museo del Prado y a sus colaboradores, junto a diversas instituciones europeas y norteamericanas, organizar la exposición, PASIONES MITOLÓGICAS, centrada en el encargo del rey Felipe II a Tiziano entre 1553 y 1562 de seis cuadros mitológicos, denominados poesías. Por primera vez se vuelven a reunir desde el siglo XVI, pues hoy se encuentran dispersas en museos y colecciones. Entorno a estas obras se organiza el recorrido de la muestra, pequeño, compuesto por unas 29, pero significativo, de las que 16 son del museo madrileño, y 13,  préstamos de gran calidad, que hacen el recorrido memorable para el espectador.



En el intenso recorrido se ponen en diálogo autores del siglo XVI y XVII con el tema de fondo del amor mitológico, a los que se une el deseo y la belleza, que dominan las vidas de los hombres y los dioses. Tiziano da inicio a la muestra con el cuadro del caballero que toca el piano y mira a una mujer desnuda, la diosa Venus, que acaricia un perro. Le acompañan otros dos cuadros de Venus, en este caso, tumbada con Cupido, uno de Hendrick van den Broeck sobre un dibujo de Miguel Ángel, y otro con parecida iconografía de Alexandro Allori. En este viaje a la representación de la fábula clásica, no podían faltar dos cuadros de Tiziano que se muestran parejos que fueron encargo de Alfonso d´Este. A partir de este punto, la huella del artista veneciano se puede rastrear en las obras de Rubens situadas a su lado.




Rubens, que copió a Tiziano, y se vio influenciado en su estilo, interpreta la mitología con personajes vestidos al modo del siglo XVII, o empleando el desnudo sensual en composiciones de gran dinamismo. La poesía cuyo tema es Dánae y la lluvia de oro, se presenta emparejada con otra obra de Tiziano del mismo tema, que trajo a España Velázquez en el primer viaje a Italia. Corresponde a una versión cronológicamente posterior y más simplificada. Entre las demás poesías destaca la Venus y Adonis del Prado, tal vez la más inspirada de todas ellas, que aparece comparada con otra del mismo tema de Veronés. También enfrentados en la misma sala, aparecen el tema de Perseo y Andrómeda de similares autores. Muy atractivo para el aficionado resulta la comparación entre el Rapto de Europa con la obra de  Velázquez que representa el mismo tema sobre un tapiz en la Fábula de Aracne, mejor que la copia de Rubens que habitualmente se exhibe en Madrid.




Autores como Poussin, Van Dyck, con dos ejemplos, Ribera y Rubens, una vez más, muestran la calidad de su estilo en la representación de la mitología al final del recorrido, que termina con el cuadro de Las tres gracias, enfrentado a una escultura de Venus, la diosa a la que sirven de cortejo, en este caso en forma de escultura de mármol de Carrara, copia romana de mediados del siglo II, según el original griego de Prexísteles. La diosa del amor despide al visitante como le recibió al inicio para un recorrido que tiene como trasfondo su efecto sobre unas pasiones que son tan divinas como humanas.

LA EXPERIENCIA DEL ALCOHOL


 Desde la opinión del filósofo Kierkergaard sobre lo que era la juventud, un sueño, y su contenido, el amor, hasta otro pensador, que decía que el ser humano nacía con un déficit cuantificable de alcohol, la película, OTRA RONDA, del director danés, Thomas Vinterberg, cuenta el plan de un grupo de profesores de instituto, que pretenden mejorar el trabajo y las relaciones personales teniendo una cantidad básica de alcohol en sangre, al descubrir que se sienten infelices a diario, pues sus clases son rutinarias y poco motivadoras para los alumnos, y se encuentran sin pareja o sus matrimonios están en crisis, por la depresión que sufren.




Después de una cena, y constatar las dificultades de cada uno, deciden ingerirlo a diario. Para ello compran un alcoholímetro y suficiente bebida, distribuida en su casa y en el instituto donde trabajan. El método tiene un éxito al principio. Las clases del profesor de historia, uno de los protagonistas, mejoran considerablemente, sobre todo cuando explica que grandes personajes del pasado eran, a su vez, grandes bebedores, como Winston Churchill o Roosevelt. También, las relaciones familiares mejoran. Vuelven hacer excursiones juntos, y la energía positiva fluye entre sus miembros. Igualmente, el profesor de música saca, de manera original, un rendimiento especial al coro. Lo mismo, quien se encarga de entrenar a los chicos más pequeños.




Todo se viene abajo cuando deciden subir la cantidad de alcohol a niveles máximos. Divertirse puede ser una experiencia intensa y salvaje, pero dar clase va a resultar imposible. De igual forma, no pueden presentarse a la familia e ir por la calle, y menos conducir, totalmente bebidos. Se dan cuenta que el alcohol puede ser peligroso para la salud al derivar en una dependencia continua y dañina. Los supuestos efectos positivos para la escuela no dan resultado al descubrirse los recipientes vacíos escondidos en las instalaciones. Además, las familias no aceptan el estado embriaguez que impide a algún protagonista  hasta encontrar su casa.




Los efectos, especialmente dañinos, por el alcoholismo, los sufre el profesor de Educación Física. Deciden todos, en este momento, dar marcha atrás. Afrontar los problemas sobrios y vivir la experiencia alcohólica tal como la acepta la sociedad. Los alumnos más mayores, al borde de la graduación, consumen alcohol casi a diario, como en el famoso juego de las carreras en grupo con una caja de cervezas. Luego, en la misma ceremonia de graduación, profesores y alumnos celebran el fin de curso entre baile y bebida. Un broche especial a una experiencia de estimulación intencionada  con el alcohol. cuyo consumo está integrado en las relaciones sociales como símbolo festivo. 

MUJERES EN LUCHA


 Las costumbres tradicionales del mundo rural se unen a aquellas derivadas del desarrollo urbano e industrial en Galicia. Cuando la agricultura y la ganadería apenas daban para subsistir numerosas trabajadoras tuvieron que emplearse en las industrias de la cerámica, el textil y el conservero. Compatibilizaron el cuidado de los hijos con el trabajo en las fábricas, a los que dedicaron todo su tiempo. La desigualdad de género fue aprovechada por los empresarios al proporcionar menos sueldo que a los varones. Cuando llegó la crisis de finales de los años setenta y ochenta, muchas fábricas fueron cerradas y vendidas para otros fines. A las trabajadoras se las dejó de pagar, y todavía pleitean para satisfacer lo que les adeudan.



El documental, NACIÓN, escrito y dirigido por la directora, Margarita Ledo, cuenta la lucha de las trabajadoras de la fábrica de loza, La Pontesa. Una lucha iniciada hace más de treinta años, y que ha culminado este año, en espera de la sentencia que les resarza de los salarios impagados cuando la empresa fue cerrada y sus instalaciones vendidas. Lo nuevos propietarios las adquirieron a un precio irrisorio, sin hacerse cargo de las deudas cifradas en dos millones y medio de euros. Todavía las instalaciones siguen en pie, abandonadas recordando una vida pasada que pervive en el recuerdo de las protagonistas. 



En el documental se mezcla el pasado y el presente mediante imágenes de archivo. Unas muy antiguas que recuerdan la actividad industrial a mediados del siglo XX, otras de las huelgas, encierros y manifestaciones cuando la fábrica dejó de operar. Las imágenes actuales muestran a las trabajadoras envejecidas que tuvieron que rehacer sus vidas, impactadas por la lucha por sus derechos no respetados al ponerse fin a la actividad de la fábrica. El juicio celebrado este año va a hacer justicia tras tantos años de espera. El documental, por tanto, trata este hecho como un conflicto laboral concreto, pero además, como una lucha realizada desde la situación de las mujeres, organizadas en una nación, que han sufrido especialmente la desigualdad de género.

TIERRA DE NÓMADAS


 La vida del ser humano está ligada a la realidad económica del trabajo. El entorno familiar se ha desarrollado, igualmente, a partir del mismo. Un cataclismo económico o la desaparición del apoyo familiar puede hacer cambiar la realidad en la que te desenvuelves. La recesión económica provocada por la crisis financiera internacional de 2008 provocó que numerosas personas perdiesen el trabajo, y de ahí la dificultad de obtener un ingreso para mantener la vivienda. El mercado de trabajo en vez de ofrecer empleos fijos, se transformó en empleos precarios coincidentes, la mayoría de las veces, con épocas del año de mayor consumo, de turismo o de la recolección de determinados productos agrícolas. El reto se plantea para las personas que se aproximan a la vejez. La dificultad de encontrar una ocupación es mayor. 




En EEUU hay un grupo de personas que viven en caravanas y trabajan temporalmente de forma precaria. La mayoría de ellas son personas en edad de jubilación. Perdieron además de su medio de vida, su familia directa que les pudiese amparar. Otros decidieron vivir de esta forma, tras la crisis económica. Es lo que le sucedió a la protagonista de la película, NOMADLAND, escrita y dirigida por Chloé Zhao, que recibió el León de Oro en el pasado Festival de Venecia, y este año, tras ganar varios Globos de Oro, es candidata indiscutible para los premios Oscar. Una película protagonizada por la actriz Frances McDormand, en el papel de una mujer madura que ha tenido que abandonar su antiguo hogar, ahora arruinado por la crisis económica en medio del desierto de Nevada. Todo lo que le queda son los recuerdos de su marido, un antiguo minero,  que murió de cáncer.




Fern, que así se llama la protagonista, vive en una furgoneta reconvertida en vivienda. Los únicos ingresos que tiene son los trabajos temporales que le salen en cada época del año. Durante la Navidad la contratan en Amazon, luego en verano en un camping, en otoño en la recolección de la remolacha, y así, sucesivamente para ir viviendo de un lado para otro, llevándose consigo misma los pocos objetos de su antiguo hogar y los recuerdos de su familia. En su periplo por el oeste americano, conoce a muchas personas como ella, ya mayores que van de un lado hacia otro por los amplios espacios naturales del país. Hace buenas amistades, y se ayudan mutuamente, sobre todo en la reunión anual en el desierto. A pesar de los ofrecimientos de que se establezca definitivamente, por parte de sus amigos, o su hermana, ella prefiere este estilo de vida.




El resultado es una película muy sólida sobre la dificultad de vivir en el presente acuciado por una realidad económica difícil, cuando la persona ha perdido la vida llevada desde la juventud, y se encuentra en la vejez, sola y sin trabajo, en medio de la nada. La directora trata el tema con sensibilidad. Hace uso de una luz crepuscular muchas veces, de los planos generales a los más cortos centrados en el personaje, o en algún dato del paisaje. Establece la comunicación entre el ser humano y la naturaleza salvaje. Supone por un lado, un recuentro consigo misma al sentirse libre, y por otro, descubrir el valor de la vida, que no está sólo dentro del ser humano, sino en medio de la naturaleza, igualmente viva.