LA FOTOGRAFÍA DE PAUL STRAND

Wall Street, 1915

La Fundación Mapfre organiza una exposición retrospectiva sobre el fotógrafo Paul Strand que reúne más de doscientas obras procedentes de importantes museos y colecciones, entre los que destaca la del Philadelphia Museum of Art. También de la propia fundación que custodia uno de los mejores conjuntos  europeos de obras del autor. La muestra se organiza de manera cronológica a través de seis décadas que abarcó la carrera del fotógrafo, entre 1910 y 1960. Uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX. El recorrido se articula en tres grandes secciones: Del pictorialismo a la modernidad; Del círculo de Stieglitz al retrato de la comunidad; y Semblanzas de la historia y la modernidad.

Mujer ciega, Nueva York, 1916

Paul Strand nació en Nueva York en 1890 y fue alumno de Lewis Hine en la Ethical Culture School. También fue decisivo en su carrera la amistad que entabló con Alfred Stieglitz, director de la galería 291, pionera en la introducción del arte moderno en EEUU. Estas dos formaciones serán esenciales para configurar su estilo propio. De tal manera que evolucionó del pictorialismo a una manera objetiva de captar la realidad e incluso a la abstracción. Esta evolución muestra el paso a la consideración de la fotografía como un arte específica.

Valla Blanca, 1916

Al autor le interesó siempre el primer plano de la naturaleza, rocas, plantas, y de las propias personas, gentes de su entorno, sus esposas y conocidos, o anónimas. Son retratos francos y directos, muchas veces conseguidos sin que el retratado se diese cuenta. Primero los obtuvo de las clases más desfavorecidas en Manhattan, luego de personas anónimas en los diferentes lugares de EEUU o del mundo donde estuvo, porque Paul Strand fue un fotógrafo viajero. A partir de 1950, el clima político anticomunista, le obligó a intalarse para no volver nunca en Francia, en Orgeval, un pueblo próximo a París, donde viviría hasta su muerte en 1976.

Young Boy, Charente, Francia, 1951

En Paul Strand se unen, por tanto, las inquietudes sociales y las estéticas, en lo referido a la consideración de la fotografía como un arte, no en el sentido del fotoperiodismo. Crea así el concepto de retrato de la comunidad, la captación en imágenes del paisaje, los objetos y las gentes de un lugar. De igual manera, fue un pionero en emplear como vehículo de conocimiento de su trabajo el fotolibro, empleado a partir de la década de 1940. Las imágenes junto a un texto de un escritor. En la exposición se destacan tres de estos proyectos, los dedicados a Nueva Inglaterra (1950), Luzzara (1953) y Ghana(1963).

La Familia (Los Lusetti), Luzzara, 1953

Además de la fotografía, Strand se inclinó por las posibilidades narrativas y la audiencia que atraía el cine. Su primer film, Manhatta (1921), describía un día en la ciudad de Nueva York. Está considerado como la primera película vanguardista norteamericana por el tratamiento de las imágenes en forma documental. En la propia exposición se puede ver completa, además de Redes(1936) y Native Land (1942).

DRAMA ROMÁNTICO EN INGLATERRA

El famoso director danés, Thomas Vinterberg es el director de LEJOS DEL MUNDANAL RUIDO (Far for the Madding Crowd), una adaptación de la novela del mismo título del escritor inglés, Thomas Hardy. Es una historia entorno a la joven Bathsheba Everdene, formada como institutriz pero que tiene que ganarse la vida como campesina. Sin embargo, de ser una mujer pobre, pero independiente, pasa a ser una rica propietaria al heredar una gran hacienda. No le faltan dotes de mando para organizar las faenas agrícolas y ganaderas. Elige a los trabajadores a su servicio entre los que se encuentra un joven ganadero que le había propuesto el matrimonio antes de arruinarse. Fue su primer amor y la persona a la que siempre pedirá consejo.

Otros dos hombres la pretenderán igualmente. El sargento Frank Troy, que estuvo a punto de casarse pero la novia se equivocó el día fijado de iglesia, y el acaudalado, William Boldwook, que le pedirá matrimonio, pero será seducida por el persuasivo militar, un error que cometerá la protagonista, y que será la base de los hechos fundamentales de la película, hasta el punto que una vez casado, se interesará más por gastar el dinero que por obtenerlo del cultivo de las tierras. También descubrirá que su primera novia está embarazada de él y malvive pidiendo limosna. Cuando va a juntarse con ella, ésta muere al nacer el hijo que esperaba.

Ante estas circunstancias, el sargento, desesperado, finge morir ahogado. Es el momento que aprovecha el rico William Bolwook para ofrecerle matrimonio a la vez que zanja sus deudas. Bathsheba acepta tales circunstancias, pero el día cuando va a anunciarse el enlace, se presenta el militar que quiere conseguir dinero. En ese momento es asesinado por William que acaba en la cárcel condenado. De esta manera, queda la protagonista sola de nuevo. Debe hacerse cargo de la hacienda y su mejor ayuda, Gabriel Oak le anuncia que se va a América, pero ella no está dispuesta a dejarle marchar. En mitad del camino, le encuentra y decide a partir de ese momento compartir su vida con él.

La película es un cuidado retrato de las relaciones sociales que se tienen en Inglaterra en el ámbito rural. El papel que desempeña la mujer vinculado al matrimonio, relacionado a su vez con su capacidad económica. Se muestra la importancia de la agricultura, de la riqueza del campo, en una época de incipiente industrialización. Un escenario muy propicio para la historia que se cuenta, que el director transforma en bellas imágenes, ayudadas con una adecuada puesta en escena. La selección del paisaje, de la luz y la ponderación de los encuadres adornan este retorno romántico al pasado.

JUVENTUD Y MADUREZ EN LA MUJER

La película, VIAJE A SILS MARIA (Clouds of Sils María), dirigida y escrita por el prestigioso director francés, Olivier Assayas, sobresale por el brillante argumento y la extraordinaria interpretación de los actores, especialmente de Juliette Binoche, que da vida a una famosa actriz de teatro, que ha entrado en la madurez y es capaz de elegir los papeles y eventos que quiere protagonizar. Su confidente y agente es Kristen Stewart como Valentine, que le acompaña a todas horas, en el trabajo, para afrontar los problemas personales. 

El más importante surge cuando en el camino a Sils María, un paisaje montañoso de los Alpes suizos, muere el escritor de la primera obra de teatro que le dio fama, justo antes de su homenaje contemplando, la serpiente de Maloja, llamado así al efecto del paso de las nubes que descienden hacia el valle, y quedan por debajo de la vista del espectador. También es el nombre de aquella obra de teatro en la que ella interpretaba a la joven Sigrid que ocasiona el suicidio de una mujer madura, Helena, con la que tenía una relación personal. En esa ocasión, le ofrecen volver a interpretar la obra, pero ahora no como joven, sino con el papel de mujer madura.

La película se desarrolla en dos actos y un epílogo, como si fuera una obra de teatro, protagonizada por la actriz María Enders y la joven asistente, Valentine, que le ayuda en los ensayos en la casa del escritor fallecido. Este periodo está lleno de las dudas que tiene la protagonista de representar un papel con el que no se siente identificada, aunque en el fondo, lo está representando mientras lo ensaya ,y en tanto que tiene una relación personal con Valentine, que está entregada a ella. Quedan frente a frente, la mujer joven y la madura en una relación dialéctica constante. Un posee el pasado y la otra el futuro. Cada una desearía tener aquello en lo que destaca la otra.

Finalmente, María tiene que aceptar el papel de Helena y trasladarse a Londres donde le representará durante una temporada. La joven actriz que interpreta a Sigrid es una estrella de Hollywood con muchos fans en la televisión y en las redes sociales, Jo-Ann Ellis (Chloë Grace Moretz), que va de un escándalo a otro, y le persiguen los paparazzi. Entonces tiene que aceptar una cierta derrota frente a ella, la del inevitable paso del tiempo, de la misma manera que una inmensa nube se desliza entre las altas cumbres hacia el valle.

ART DÉCO EN MADRID

Jean Dunand, Madame Agnés, 1927

La Fundación Juan March organiza la exposición, EL GUSTO MODERNO. ART DÉCO EN PARIS, 1910-1935, que reúne más de 350 piezas de pintura, escultura, mobiliario, moda, joyería, cine, perfumería, arquitectura, cerámica, fotografía, revistas, carteles publicitarios, etc., de este estilo nacido en el París de la primera década del siglo XX. Un estilo que se le ha definido como el último total de la historia y que nació como reacción conservadora al art nouveau. 

También fue alternativo a la vanguardia, significando una modernidad más pragmática y ornamental, y acabó convirtiéndose en el gran estilo del deseo y el gusto modernos, tan característicos de las sociedades occidentales y del capitalismo de las primeras décadas del siglo pasado. La muestra quiere mostrar el carácter innovador de esta manifestación formal, en el que no hay una separación entre las bellas artes y las artes decorativas o aplicadas. Se organiza en ocho secciones, cronológicas y temáticas, que ponen de manifiesto sus orígenes, influencias y extensión.

 

Los distintos objetos que el visitante puede ver pertenecen a ciento veintidós artistas, artistas decoradores, diseñadores, couturiers, interioristas, arquitectos y artesanos o ensembliers. La primera sección lleva como nombre, El primer Art Déco, donde se trata de rastrear su origen  en la primera década del siglo XX. La segunda, El Cubismo y su aportación, en la que se muestra la trayectoria artística como pintores de los decoradores que crearon el estilo. Unos pintores que se iniciaron en el impresionismo o fauvismo y luego adoptaron el vocabulario inventado por Picasso y Bracque.

Interiores modernos franceses es el título de la sección tercera situada cronológicamente en los años veinte cuando la pujanza de las artes decorativas corresponde con un periodo de desarrollo económico que permite la redecoración de los apartamentos con todo tipo de objetos de la mayor calidad. La sección 4º se ocupa de la Exposición Internacional de 1925 en París en la que se concretó el estilo. El gusto moderno, la sección 5º, se refiere al mundo de la moda, al cambio fundamental en la imagen de la nueva mujer.

La influencia de lo exótico, de la cultura africana manifestada a través de la Exposición Colonial de 1931 en París, la sección 6º, aborda otra perspectiva. Finalmente, la sección 7º, El Viaje moderno se ocupa del impacto en la decoración de los vehículos y los grandes trasatlánticos, como El Normandie, donde trabajaron los mejores diseñadores art déco, y la sección 8º, titulada Nuevas formas, que llega a mediados de los años treinta cuando éste se mezcla con nuevas manifestaciones artísticas identificadas con la modernidad.

MEMORIA DEL HOLOCAUSTO

Al final de la película, PHOENIX, dirigida y escrita por el alemán, Christian Petzold, la protagonista, Nelly canta junto a su ex marido, Johnny, que toca el piano, frente a un grupo de amigos que se han reunido para celebrar su vuelta del campo de concentración de Auchwitz. En un momento dado, la cámara se desplaza desde el  rostro de ella por el brazo que se apoya en el piano donde se descubre el número tatuado de prisionera. En ese momento, Johnny descubre que es la verdadera Nelly, la mujer que traicionó en 1944, y no una descononcida que ha estado preparando para hacerse pasar por ella y heredar su fortuna.

La historia de la película se basa en la novela francesa, Le retour des cendres, escrita por Hubert Monteilhet, que ambientada en la Alemania de los meses posteriores al fin de la Segunda Guerra Mundial, cuenta cómo una cantante judía regresa a Berlín con el rostro desfigurado para recuperarse ayudada por una amiga. Tienen proyectos de partir a Palestina y unirse al nuevo estado judío. Sin embargo, las cosas cambian cuando averigua que su marido, que al parecer le traicionó, denunciándola a los nazis, está intentando hacerse con sus bienes.  Así, logra entrar en contacto con él, sin mostrar que es ella, y  éste le informa que se parece a su mujer que fue detenida y le propone sus planes. 

A partir de ese momento, Nelly vuelve a reconstruir el pasado de la relación con Johnny, la vida previa a la captura, mientras éste le propociona todo lo que tiene que saber para suplantarla. Entretanto, su amiga, cuando conoce que ella ha decidido seguir con el marido, se suicida y deja las pruebas que demuestran que éste se había divorciado previamente a la denuncia. Sin embargo, continúa de todas las maneras con el plan, y es en la última escena de la película cuando el marido descubre que es su auténtica mujer. Lo qué sucedera después queda en la mente del espectador.

El argumento mezcla por tanto historia y las relaciones humanas durante la posguerra, la del Holocausto del pueblo judío que fue traicionado a todos los niveles, primero en Alemania y luego en el resto del continente por los nazis que les despojaron de todas sus riquezas. Constituye una alegoría de la actitud de una parte del pueblo alemán que siguió la ideología racista, que primero se separó de los judíos, marginándoles, para luego aprovecharse de sus bienes y matarles. Al término de la guerra, se produjo una suerte de cirugía estética para recuperar a los supervivientes, ocultar las huellas del horror y restablecer la convivencia. Sin embargo, reaparece la culpa, la responsabilidad del genocidio y la verdad por los testimonios de aquellos que lo padecieron.

LA PINTURA DE PAUL DELVAUX

El sueño, 1935

El Museo Thyssen de Madrid organiza la exposición, PAUL DELVAUX. Paseo por el amor y la muerte. Un título esclarecedor de lo que supone la pintura de este artista surrealista. Por un lado relacionada con una visión particular de la mujer, entendida como diosa del amor, y por otra, la representación de la estructura ósea del cuerpo, del esqueleto, que significaría la muerte, aunque para el artista se refiere a la vida en tanto que soporte. De la misma manera que otros artistas surrealistas, lleva a la pintura sus obsesiones personales, en este caso, llenas de una visión poética irreal, más allá del tiempo, entre el sueño y la realidad.

La edad de hierro, 1951

La exposición se divide en cinco secciones que corresponden a sus temas preferidos: las Venus dormidas, las dobles, los esqueletos, las arquitecturas y las estaciones. Cuando al aficionado a la pintura le hablan del artista belga, lo primero que se le ocurre es su asociación con la representación de la mujer principalmente desnuda, sola o en pareja con otras mujeres formando escenas junto con otras protagonistas en esta situación. Se ha querido ver una imagen idealizada e inaccesible que se relacionaría con la difícil relación del autor con el género femenino. 

Crucifixión, 1954

El artista, además tiene un especial interés por la arquitectura de la Antigüedad grecorromana, templos, viviendas, basílicas construyen profundas perspectivas donde habitan los personajes femeninos. En ella se recoge la influencia de Giorgio de Chirico, al que admiraba y sus viajes a Grecia e Italia. Por otra parte, el mundo moderno está presente con la representación de las estaciones del ferrocarril. Se construye así,  por tanto,  el universo pictórico de Paul Delvaux basado en la captación poética del inconsciente propio, que se hace arte por la búsqueda de la belleza formal. Una búsqueda anclada en la realidad, pero a la vez, alejada de ella.

VIOLENCIA EN EL CAÚCASO

Entre 1992 y 1993 el Caúcaso vivió la guerra de Abjasia, el enfrentamiento entre georgianos y la provincia separatista del mismo nombre. Un conflicto político, pero también religioso entre cristianos y musulmanes, representados por los chechenos, que se sumaron a la lucha. La película, MANDARINAS (Mandariinid), escrita y dirigida por el georgiano, Zaza Urushadze, retrata un conflicto irracional entre hermanos. Unos granjeros estonios que deciden permanecer recolectando mandarinas a pesar de la guerra civil, deciden cuidar a dos milicianos de diferente bando que han caído heridos frente a las casas donde viven.

El anciano Ivo, carpintero que fabrica cajas para recolectar y vender la fruta decide cuidar a los dos soldados heridos a pesar del odio mutuo. Según pasan los días logra recuperarles de las heridas. De la misma manera, suprimir la inquina entre ellos en favor de la humanidad y los buenos sentimientos. Se propone que dentro de la casa no haya violencia. Consigue que surga la amistad entre los tres. Una situación violenta a las puertas de la casa hace que prevalezca ésta sobre el enfrentamiento político que les distanciaba. Así, lo más importante queda en evidencia. La guerra sólo persigue la destrucción irracional entre los seres humanos.

El apoyo recíproco que se dan entre el anciano Ivo, Margus, y los jóvenes soldados, Ahmed y Niko, a pesar de las diferencias de religión o de nacionalidad, se produce en tanto que tienen una relación de respeto y aceptación, muy superior a las demás. Por tanto, se muestra lo erróneo de un conflicto, que lo único que produjo son las consecuencias trágicas de la violencia irracional, la muerte, la ausencia, la desolación y el olvido. La película exalta lo contrario, lo humano, que es más fuerte que la fe ciega.

LA PINTURA DE RAOUL DUFY

Plataforma marítima del Casino Marie-Christine, Sainte-Adresse, 1906

El Museo Thyssen de Madrid organiza una retrospectiva sobre el pintor francés Raoul Dufy (1877-1953), que reúne 93 obras entre óleos, dibujos, grabados, cerámicas, textiles y acuarelas. Pretende mostrar la originalidad de su estilo, tradicionalmente encuadrado dentro del Fauvismo, aunque fue solamente una parte dentro de la evolución y búsqueda constante de nuevas soluciones plásticas. La exposición también se centra en mostrar la parte más introspectiva y reflexiva de su obra, frente a la más conocida de carácter hedonista.

Retrato del artista, 1898

El visitante desde el inicio de la muestra hace un recorrido cronológico por la obra del pintor, organizadas en cuatro secciones: Del Impresionismo al Fauvismo; Periodo Constructivo; Decoraciones; y La luz de los colores. El artista se formó en la estela del Impresionismo en cuanto a motivo y técnica, que no tardó en dejar atrás en favor de una síntesis decorativa, alejada de la realidad. Se centra en un color brillante y arbitrario que capta imágenes de la playa Sainte-Adresse o las calles de El Havre en la fiesta del 14 de julio, creando un mundo de las cosas que no se ven.

El campo de trigo, 1929

Paul Cézanne murió en 1906 y las exposiciónes y homenajes que se le dedicaron influyeron de manera decisiva en Dufy, que ganó seguridad como pintor. El llamado Periodo Constructivo se extendió entre 1908 y 1915. La influencia del pintor de Aix se manifiesta en la geometrización de las formas, en un cromatismo restringido y en el empleo de la pincelada constructiva. Así la observamos en parte de la serie de pinturas realizadas en Martigues o los paisajes y árboles de L´Estaque, cerca de Marsella. Sin embargo, Dufy no continuó por esta línea y recuperó parte del cromatismo fauve, además de abrirse a otras tradiciones artísticas.

La gran bañista, 1914

Por estas fechas empezaría a experimentar con el grabado en madera, la xilografía que le propiciaría el encargo de ilustrar el Bestiario o Cortejo de Orfeo del poeta Guillaume Apollinaire (1910-1911). La experiencia en el grabado se prolongó con el diseño de tejidos. Desde 1924 se interesó también por la cerámica en colaboración con Josep Llorens Artigas. Una colaboración que llegaría hasta la Segunda Guerra Mundial. Decora jarrones y azulejos con formas de bañistas, animales y conchas.

Naturaleza muerta con violín. Homenaje a Bach, 1952

Dufy llega a la madurez artística en la década de los 20. Las anotaciones conservadas nos permiten entender las claves de su estilo. La primera de ellas se puede denominar el color-luz, una luminosidad abstracta que proporciona a los cuadros, basada en los propios colores y su relación entre sí. El propio color como generador de luz. La realidad resultante no es una reproducción literal de lo observado, sino una visión interiorizada de la misma. Los diversos motivos sólo adquieren independencia en función de su relación cromática con el tono dominante y las franjas de color sugieren espacialidad. También en sus obras de madurez predominan las vistas elevadas y la fusión de presente y pasado ideal.  

Sainte-Adresse, el cargero negro, 1951

Finalmente, su pintura se hace más intimista a partir de 1937 con el agravamiento de su enfermedad que le obligaba a estar dentro de su estudio. El color negro alcanza un mayor protagonismo en los cuadros tardíos, especialmente en dos obras, Sainte-Adresse, el cargero negro de 1951 y Corrida de toros, 1949. Un color explicado según su propia teoría como la máxima luminosidad. La luz abrasa el lienzo y ciega la visión del espectador. Por otro lado, un presentimiento de su muerte cercana.

HISTORIA EN LA FRANCIA OCUPADA

La película, SUITE FRANCESA (Suite française), dirigida por el británico, Saul Dibb, es una adaptación de la novela del mismo título de la escritora Irene Némirowsky. Una obra inconclusa formada por dos relatos cortos publicada con mucho éxito en 2004. La escritora era una novelista famosa en Francia con tan sólo 39 años. Vivía en París con sus dos hijas y su marido pero la invasión alemana le obligó a desplazarse a un pueblo de la Borgoña. Su ascendencia judía ucraniana le llevaría a la muerte en Auschwitz en 1942. El conjunto de la obra inconclusa tendría cinco partes relacionadas formando una historia épica de un país en guerra.

Irene Némirowsky

La muerte de la escritora mientras escribía a manos de aquellos sobre los que estaba escribiendo constituye un retrato de las relaciones de los franceses con los ocupantes alemanes en una población rural. El eje central de la película es una historia de amor entre una joven francesa, Lucille (Michelle Williams) cuyo marido está prisionero, y un oficial alemán, Bruno (Mathias Scoenaerts), que se aloja en la casa adinerada donde vive con su suegra. Al pueblecito a las afueras de París, Bussy, han llegado también un número elevado de refugiados huyendo de la capital y el alimento empieza a escasear.

Los jóvenes se encuentran en el frente o han sido prisioneros y predomina la población femenina. Bruno a diferencia de otros oficiales alemanes, es un refinado compositor, que por su afición musical logra atraer a Lucille, que toca el piano. La llegada de los ocupantes ha propiciado que los vecinos del pueblo se denuncien unos a otros. A causa de ello, Lucille averigua que su marido le había engañado, lo que estimula más su relación con Bruno, a pesar de la mala fama que le proporciona.

Las circunstancias de enfrentamiento que se viven en el pueblo con los ocupantes, terminan por decantar la inclinación de cada uno hacia su bando. Por un lado los abusos sobre la población y la represión de cualquier disidencia, por otro, la colaboración para la resistencia contra el ejército enemigo. El título de la película y de la obra literaria alude a la composición musical que está escribiendo el oficial alemán en casa de Lucille. Una composición que expresa el amor, los sentimientos surgidos entre un hombre y una mujer, hasta el punto que los protagonistas llegan a transgredir la lógica de la guerra, apostando por la libertad contra la violencia.

EN DEFENSA PROPIA

Etiopía ha experimentado la evolución entre una sociedad tradicional de carácter rural y otra urbana moderna, de regirse por la ley de la costumbre a configurar un estado de derecho con leyes escritas democráticas. Esto se ha visto especialmente en lo que se refiere a los derechos de la mujer. Si en el ámbito rural le otorgaba un papel inferior respecto al hombre, dependiente de la voluntad del padre y del futuro marido para casarse, una sociedad moderna con igualdad de derechos, respeta la libertad individual de la mujer en todo lo que concierne a formar una familia y tener hijos o no.

La película etiope, DIFRET, escrita y dirigida por Zeresenay Mehari, muestra tal evolución a partir del caso dramático de la niña de 14 años, Hirut Assefa, que fue raptada y violada en 1996 por el que pretendía ser su marido, siguiendo la tradición rural del telefa, el matrimonio por rapto, por el cual si un hombre se fijaba en una mujer para casarse y no consentía ésta o la familia, podía secuestrarla. Una ley de 1957 castigaba con tres años de cárcel este procedimiento, pero si se casaba, quedaba libre de cargos. Esta costumbre llevaba asociada la violación, y a raíz del caso Hirut, se incrementó las penas de cárcel, aunque en muchas situaciones no se presenta denuncia.

En el caso de Hirut Asefa, la protagonista logró huir después de ser raptada y violada. Cuando iba a ser otra vez retenida, mató de un tiro al agresor. En este momento empezó la lucha para lograr su absolución llevada a cabo por una asociación de mujeres que defendían sus derechos. Llevó su defensa la abogada, Meaza Ashenafi, otra de las protagonistas de la película, que llegó incluso a denunciar al ministro de justicia. El estado etiope hizo lo correcto. En vez de condenar a la joven por asesinato, la declaró inocente por actuar en legítima defensa. Se puso de parte de quien era verdaderamente la víctima. Una más del colectivo que es obligada a casarse a la fuerza antes de cumplir los 15 años.

La película muestra la necesidad de que las costumbres sociales se rigan por leyes democráticas que respeten la igualdad entre el hombre y la mujer. Los derechos y las libertades individuales. También presenta dos modelos de mujeres que están presentes en Etiopía, el representado por la mujer entregada al matrimonio, a veces forzado, sin estudios, y el de la abogada Meaza Ashenafi, una mujer independiente, preparada con estudios universitarios, que lucha contra la injusticia, y que decide con libertad.