LAS FURIAS EN EL MUSEO DEL PRADO

Ticio, Ribera, 1632, Museo del Prado

El Museo del Prado organiza la exposición, LAS FURIAS. Alegoría política y desafío artístico, que reune 28 obras en distintos soportes firmadas por algunos de los grandes artistas de los siglos XVI y XVII. Se distribuye en cinco secciones: Miguel Ángel, autor de un dibujo de Ticio, como precedente iconográfico; El encargo de María de Hungría; Haarlem y Amberes entre el siglo XVI y XVII; Las Furias en Nápoles; La extensión del tema en Italia. El nombre de la muestra alude a los cuatro personajes que habitan el Hades, o el infierno greco-latino, castigados por desafiar a los dioses. Los suplicios son continuos y de duración infinita. 

Sísifo, Tiziano,  1548, Museo del Prado

A Ticio le devora el hígado un buitre por intentar violar a una amante de Zeus; Tántalo tiene que procurarse en vano alimento por servir a su hijo de festín a los dioses; Sísifo debe portar una enorme piedra por haber delatado las infidelidades de Zeus; e Ixión fue castigado a dar vueltas sin fin en una rueda por querer seducir a Hera. Se incluye en la exposición la representación de Prometeo e Ícaro personajes próximos a éstos en su desafío al Olimpo. Constituyeron un tema muy representado durante los siglos XVI y XVII.  Su concreción parte del encargo realizado por María de Hungría a Tiziano para decorar la gran sala del palacio de Binche, próximo a Bruselas, en 1548.

Fragmento de Ticio, Tiziano, 1560-1565, Museo del Prado

Después de la famosa batalla de Mülberg, estas alegorías mitológicas simbolizaban a los príncipes alemanes recién derrotados por el emperador Carlos V, que los pudo contemplar, junto con el futuro Felipe II en aquel lugar. Tales cuadros ya estaban en España hacia 1558. Hoy sólo se conserva uno, y una copia del autor, encargada por un cortesano y que pasó a las colecciones reales. Tras Ticiano, el éxito del tema hizo que fuera abordado por artistas de la talla de Rubens, y sobre todo, por Ribera, que creó, a mi entender, las mejores versiones, porque el estilo barroco puede sacar lo mejor del mismo.

Ixión, 1632, Ribera, Museo del Prado

Por un lado, permite ilustrar la dificultad máxima en el arte, la representación del movimiento del cuerpo humano, a base de figuras desnudas en complicados escorzos. Por otra, la expresión del dolor extremo, el que no termina nunca. Así, en esta época sirvieron para mostrar la estética del horror y la violencia de la que el artista valenciano era uno de los grandes maestros. Los modelos anatómicos provienen de la escultura helenística: el Torso Belvedere, el Galo herido, y sobre todo El Laocoonte, que fue descubierto en 1506, y sirvió como doble ejemplo, formal, exemplum artis, y de expresión, exemplum doloris. Miguel Ángel ayudó a interpretar y difundir dichas obras para que fueran aprovechadas por otros autores.

Prometeo, 1640, Salvator Rosa, Galería Nacional, Roma

De esta manera lo hicieron autores como el propio Ticiano, o ya a finales del siglo XVII, Luca Giordano, con un ejemplo en la exposición, inspirado en una pintura del gran maestro del Renacimiento. El tema se agotó tras 1700, siendo reemplazado por otros que permitían planteamientos similares. Atrás quedan imágenes de extremada violencia como el Prometeo de Salvator Rosa, cuyas vísceras un águila pone al descubierto.

LOS HOMBRES DE LOS MONUMENTOS

Si has estudiado Historia de Arte o te gusta el coleccionismo artístico, verás con agrado y emoción la nueva película de Georges Clooney, THE MONUMENTS MEN, que además de dirigir, actúa acompañado de un reparto de estrellas de Hollywood. Para el aficionado al Arte y a la Historia será una apasionada intriga visionar el encargo que reciben del presidente Roosevelt, un grupo de entendidos en la materia, para marchar a Europa y rescatar los más de 5 millones de obras artísticas robadas por el régimen nazi. Un hecho real que culminó con éxito el encargo de recuperar obras maestras de todas las artes, apropiadas de museos y colecciones privadas, sobre todo judías, que habían sido escondidas en minas de sal y en fortalezas apartadas de Alemania, según el frente bélico se acercaba a Berlín. Allí igualmente se econtraban otros tesoros, fundamentalmente oro acumulado por el saqueo de los territorios conquistados y de los prisioneros de los campos de exterminio.

Hitler pretendía crear un museo con dichas obras, cuya maqueta encontraron los rusos al entrar en la cancillería de Berlín. También destruir gran parte de ellas, por el mismo hecho de robarlas, moverlas de su lugar de origen, y utilizarlas como bienes culturales reenes en venganza por la pérdida de la guerra. La película se basa en el libro The Monuments Men, de Robert Edsel y Bret Witter, también gionistas de la misma con el director. El resultado podía ser mejor para una historia esencial para comprender la Segunda Guerra Mundial y la responsabilidad del nazismo. El tono de comedia que recuerda las películas clásicas ambientadas en este conflicto, tal vez no sea el más apropiado, sobre todo si se quiere transmitir la idea que la conservación de las obras de arte, merece jugarse la vida, como lo hacen dos miembros del grupo.

El argumento se centra en la recuperación de obras maestras, como La Madonna de Brujas de Miguel Ángel; el Altar de Gante, de Jan van Eyck; y otras pinturas de afamados artistas impresionistas, de Picasso o de Rembrant, que fueron encontradas en lugares remotos como la mina de sal de Altausse. A las que hay que unir pinturas de la colección Rothschild y otros acaudalados judíos. Todavía hoy el tema no se ha cerrado, pues los descendientes de las familias están intentando reconocer la propiedad de dichas piezas, algunas expuestas en las paredes de prestigiosos museos de Europa, a pesar de tener un origen oscuro.

Muchas de ellas se perdieron por efecto de los combates y el odio, otras se volvieron anónimas, fuera de los catálogos oficiales de los artistas. La relevancia del tema ha hecho que la promoción de la película haya llegado hasta la feria de arte contemporáneo, ARCOmadrid, espacio propicio para el coleccionismo, que le dedicaba un stand. Finalmente, el argumento se podría relacionar con el tesoro acumulado por el anciano Cornelius Gurlitt, que ha sido recientemente descubierto por las autoridades alemanas. Un tesoro de pinturas de grandes artistas del siglo XX, que fueron heredadas de su padre, un conocido marchante de arte que trabajó para los nazis.

#eduPLEmooc

 

 El día 3 de marzo termina el curso Entornos Personales de Aprendizaje (PLE) para el desarrollo profesional docente, simbolizado por el hashtag de Twitter, #eduPLEmooc, al que he asistido realizando las tareas y actividades distribuidas durante 7 unidades. Tiene la particularidad de su forma de realización online y que es masivo, que comprende un número elevado de participantes por el que recibe el nombre de mooc. A la vez, resulta más abierto que un curso normal, en el sentido que ha habido algunos que se han incorporado a la mitad del curso, y otros que ni siquiera se han matriculado, pero al realizarse en las redes sociales, han compartido conocimientos y experiencia.

Para el profesional docente, el colectivo al que iba dirigido, no le suponía ningún título acreditativo de su realización, por el que se reconocían una serie de horas de formación para incorporar a su experiencia, sino una serie de emblemas, tres en concreto,  que simbolizan alcanzar unos objetivos propuestos. El resultado me ha parecido óptimo, por el aprendizaje teórico de las nuevas ideas pedagógicas asociadas al mundo tecnológico y de las herramientas básicas y servicios imprescindibles para su desarrollo. Algunas ya, la mayoría de los docentes, las habían adquirido o practicado. Solamente faltaba la justificación o definición precisa de la mismas. 

Primer emblema

El participante ha tenido que abrirse cuentas en los distintos servicios y redes sociales de Internet, si todavía no las tenía. Así, en los momentos finales del curso, se puede encontrar con la posibilidad de obtener y ser activo en los siguientes hastag de twitter, #eduPLEmooc, #MOOCAFE, #MAMOOCAFE, #eduPLEreto; y en los siguientes grupos de Facebook, también, #eduPLEmooc, El PLE y el trabajo por proyectos en secundaria, y otros de diversos temas propuestos para el trabajo comunitario en esta red y en Google +.

El desafío se refiere a que nuestra sociedad está viviendo una revolución tecnológica, en la que se habla ya de nativos digitales en el que las máquinas se encuentran interconectadas a la web. Unas máquinas que llevamos con nosotros las 24 horas del día. En consecuencia, la docencia debe cambiar para estar asociada al mundo presente y futuro que viviremos, para que sea más efectiva con el sistema productivo que está surgiendo, un entramado material que produce bienes económicos de los cuales necesitamos para sobrevivir.

Tercer emblema

Sin embargo, el mundo digital sobrepasa la dimensión humana. Cada día se crean cantidades ingentes de información. La capacidad tecnológica puede multiplicar tu exposición y relaciones sociales hasta niveles nunca vistos. Para ello es necesario crear un entorno personal de aprendizaje, un PLE, y el docente, propiciar que los alumnos lo elaboren con herramientas como Twitter, Facebook, Diigo, Feedly, Google,Scoop it., Storify.., para filtrar y seleccionar la información que les sea útil. Para no caer en la confusión, en una cierta alienación producida por tantas posibilidades que pueden llegar a surgir.

De esta manera se construye un nuevo rol de profesor, versado en el mundo de la web 2.0, en proceso de evolución, que potencia el desarrollo de competencias básicas, una de ellas esa la de content curation, o filtrado crítico de la información, y otra fundamental, la del aprendizaje o trabajo cooperativo. Los alumnos tendrían que transformar la responsabilidad ante él, en el sentido de comprometerse a construir su propia identidad, no como sujeto pasivo, sino activo, conectando el mundo real y el virtual, reproduciendo las mismas competencias del profesor antes dichas basadas en la mayor conectividad digital.

ARCO 2014

Galería ADN

Entre el día 19 y el 23 se ha celebrado una nueva edición de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ARCOmadrid, que reune unas 217 galerías provenientes de 23 países y obras de unos 3.000 artistas. Este conjunto se distribuye en diferentes secciones: el Programa General, la selección mayoritaria; Solo Projects; Opening y Focus Finlandia, el país invitado este año. Una feria que tiene que hacer frente a la intensa competencia internacional en diversos continentes y fechas, por un lado, y por otro, a la debilidad del mercado artístico español. Sin embargo, se observa un cierto reequilibrio después de la crisis de las pasadas ediciones.

Obra de Michelangelo Pistoletto

En la cita madrileña se observa un interés por atraer a galerías europeas, en las que toman parte la mejor oferta española y dar cita a un numeroso grupo de iberoamericanas. También en potenciar la obra de un artista individual, que un conjunto disperso de ellos. Así, el visitante se puede encontrar con galerías que exponen uno o dos artistas en todo el espacio. Es la nueva propuesta SOLO/DUO que trata de potenciar el descubrimiento o la investigación de un autor. De esta manera, la gallería Chantal Crousel se centra en José María Sicilia; Del Infinito Arte, en Julio Le Parc; el stand de Stefan Röpke, en Max Neumann y el fotógrafo Robert Mapplethorpe, y así sucesivamente hasta casi un centenar de espacios.

Hay un cierto equilibrio entre los géneros artísticos, pintura, escultura, fotografía, dibujo, obra gráfica y vídeo. Este año destaca, sin embargo, la escultura, de pequeño y mediano tamaño, realista o abstracta, que tanto atrae al espectador. La oferta fotográfica vivió tiempos mejores y el interés del vídeo es reducido. La cronología de las obras abarca desde comienzos del siglo XX hasta nuestros días. Entre los autores clásicos el visitante puede encontrarse con varias obras de Picasso, Miró, Juan Gris y de Julio González. Entrar en contacto con los estilos abstractos, geométricos o expresionistas, cubistas, surrealistas, realistas, pop, y postmodernos de diferentes épocas y países. Las alusiones irónicas a la realidad económica y social no faltan, especialmente al elevado desempleo.

Obra de Rilko Sakkinen

Constituyen un conjunto distribuido en los pabellones, 7 y 9 del recinto ferial de IFEMA, donde se combina la calidad expositiva y de autores, con la modestia de las iniciativas emergentes o los proyectos más jóvenes. Finlandia no ha sido el mejor país que ha pasado por Madrid. A causa de la crisis económica, las instituciones públicas desaparecieron de la feria, hecho que todavía continúa casi en su totalidad. Se mantiene la presencia de las revistas de arte y los periódicos que en esta edición han renovado su oferta, especialmente el diario EL PAÍS, cuyo stand está dedicado al proyecto profesional y artístico del cocinero Ferrán Adriá, cuyas obras combinan pinturas, esquemas sencillos y mapas mentales, teniendo las primeras una inspiración de Miquel Barceló.

Autorretrato, R. Maplethorpe

La feria no sólo son este conjunto de obras, sino un conjunto de eventos relacionados con el arte contemporáneo protagonizado por el más de un centenar de directores de instituciones culturares y coleccionistas invitados; los Foros y Encuentros; las Actividades paralelas en After Arco y una serie de exposiciones distribuidos por la capital. Igualmente hay una conexión con las redes sociales, Facebook y Twitter, y el desarrollo de aplicaciones específicas para el móvil.

INTRIGA DEL SUBCONSCIENTE

La película, PRESENTIMIENTOS, dirigida y escrita por Santiago Tabernero, basada en una novela de Clara Sánchez, cuenta el suceso que padece un joven matrimonio con un niño que van a pasar unos días de vacaciones en la costa alicantina para recomponer la relación entre ellos. Julia, la mujer, interpretada por la actriz, Marta Etura, sufre un grave accidente nada más llegar cuando tiene que salir a comprar los pañales olvidados. Al marido, Félix (Eduardo Noriega), le avisan que su esposa se encuentra en coma en el hospital. A partir de este momento el espectador visualiza el delirio inconsciente de la mujer que cuenta cómo se pierde a la salida de la farmacia; cómo le roban la cartera y el móvil; y la angustiosa búsqueda de la familia. 

Por otro, la realidad que éste vive cuando tiene que acompañar a la esposa mal herida y llamar a la suegra con la que no se lleva nada bien. En ese tiempo rememora el periodo cuando conoció de manera fortuita a Julia, el matrimonio después que ella quedase embarazada, y el deterioro progresivo del mismo al tener ella que dejar el trabajo y ocuparse de cuidar al hijo. Mientras le atiende en el hospital, descubre por el móvil, que tenía un amante, Marcus, personaje que aparece en el relato inconsciente como el propietario de un club de alterne, llamado La Felicidad, a donde va ella en busca de ayuda, tras perderse, sin documentación, ni dinero. 

Al final, Julia se recupera del coma, y reconstruye de manera positiva, los sentimientos referidos al marido y a su hijo, que había perdido. El argumento se presenta en forma de intriga como una metáfora, al relacionar la experiencia subconsciente y la real, de la crisis afectiva que vive la pareja dentro del matrimonio por la rutina y las limitaciones que supone el cuidado del hogar. Una crisis que lleva a la mujer a intentar recuperar la felicidad siendo infiel a un marido absorvido por el trabajo. El grave accidente le hace ser consciente del valor que tiene la convivencia con su pareja y la maternidad. Éste, simbolizado en el anillo de compromiso, que se pierde y se encuentra a lo largo de la película, permite olvidar la infidelidad de uno y de otro, emprender una vez más, en el dedo de la mujer, el viaje de vuelta a la normalidad.

LA ORGÍA DEL CAPITALISMO

La crisis financiera que se produjo en el mundo occidental en 2008 tuvo su origen en EEUU. De allí se extendió a otros países europeos y afectó especialmente a los bancos de inversión, aquellos que trabajaban en el mercado de valores. Fue una crisis del capitalismo financiero que se había convertido en un auténtico casino especulativo con la finalidad de conseguir enormes beneficios a corto plazo. Esta crisis fue igualmente fuerte si estaba relacionada con la burbuja inmobiliaria que ha causado una profunda recesión económica que todavía no se ha remontado.

Este fenómeno no es nuevo si recordamos el famoso crack del 29. También la crisis de finales de los años ochenta donde está ambientada la película, EL LOBO DE WALL STREET, dirigida por el realizador, Martin Scorsese, aunque no trata ésta directamente, sino que cuenta la actividad del corredor en bolsa, Jordan Belfort, que se hizo rico en poco tiempo engañando y estafando a los clientes. El magnífico guión de Terence Winter se basa en las memorias de este personaje. Un relato que cuenta cómo aprendió rápido el oficio de broker en una prestigiosa firma de Wall Street donde la máxima principal era apropiarse del dinero de los clientes. Al hundirse esta firma por la crisis de la época, se estableció por su propia cuenta, enseñando a un grupo de vendedores de marihuana, las habilidades que había que tener para ejercer el oficio.

Jordan Belfort, interpretado de manera brillante por el actor, Leonardo Dicaprio, se dió, junto a sus más estrechos colaboradores, al mayor desenfreno posible. A la compra de viviendas de lujo, a la práctica continua del sexo y al consumo de todo tipo de drogas. La obtención de dinero era para él semejante al disfrute del placer carnal. Este paralelismo o similitud recorre toda la película. Cuanto más dinero, más posibilidad o más motivación para practicar el sexo con más mujeres diferentes sin límite. Pero la actividad irregular en el mercado financiero llegó a oídos de la autoridades civiles. El organismo regulatorio de la bolsa, la SEC, le ofreció un acuerdo para frenarla, pero no aceptó. Al continuar con la actividad especulativa contraria a las normas y sacar dinero del país, es detenido por el FBI.

Al final fue encarcelado durante tres años, librándose de una condena mayor, a cambio de delatar a todos los socios colaboradores, pero tendrá que seguir pagando las cuantiosas multas impuestas por alterar el mercado bursátil y resarcir a los inversores. Todos estos hechos los narra el director con un intenso ritmo lleno de acertadas y sorprendentes escenas. Para ello emplea de forma precisa los recursos interpretativos y la fotogenia de los actores, que dan todo de sí en mostrar un mundo hedonista, donde el dinero es la única causa del placer y la felicidad, al abrir la posibilidad de un consumo infinito. Una actividad a la que somete el sistema económico a los ciudadanos, pero que no debe ser la única. Por tanto, la profunda crisis actual causada por estos excesos enseña que los mercados deben ser regulados, sobre todo los financieros, y la riqueza redistribuida por el estado para aquellas personas víctimas de la opulencia de unos pocos.

LA AUTOBIOGRAFÍA DE NELSON MANDELA

Hace unas semanas, diciembre de 2013, murió Nelson Mandela, pero ya se puede ver se autobiografía, Long Walk to Freedom, que fue publicada en 1995, adaptada al cine. Una superproducción dirigida por el realizador británico Justin Chadwick y siendo el guionista, William Nicholson. MANDELA: DEL MITO AL HOMBRE cuenta su vida desde su infancia en una pequeña aldea hasta ser nombrado presidente de Sudáfrica. Es una gran producción de más de dos horas y media en la que se aprecia la preparación de los actores para interpretar a los personajes principales. En primer lugar, de Idris Elba en el papel de Madiba, un hombre alto, que practicaba el boxeo, y de Naomie Harris, en el de Winnie. Hay un especial cuidado en recrear episodios de su vida documentados por fotografías como queda demostrado al final de la película.

Nos cuenta su autobiografía cómo alcanzó a ser un joven abogado en los años cuarenta que defendía a la población negra de los abusos de los blancos. Pronto su fama llegó a oídos de los representantes del CNA, del Congreso Nacional Africano, que le invitaron a unirse al partido que defendía la igualdad de derechos frente a la población blanca. Allí se convirtió rápido en el máximo dirigente, que protagonizó el cambio de estrategia, de lucha pacífica, por la violenta del atentado con bombas, por el incremento represivo y segregacionista del régimen. La cúpula del partido fue detenida en 1963 y condenada a cadena perpetua. En el alegato ante el tribunal, Nelson Mandela, reivindicó un régimen democrático, sin imposición de la raza blanca, ni negra.

Sufrió duras condiciones carcelarias durante 18 años en la prisión de Robben Island, para ser trasladado luego en 1981 a Pretoria. Aquí pudo tomar contacto, después de 20 años con su segunda mujer, Winnie, que había sido varias veces encarcelada porque había continuado la lucha iniciada por su marido. Ante la presión interna, y sobre todo el bloqueo económico que la comunidad internacional decretó contra el régimen del apartheid sudafricano, representantes del gobierno iniciaron conversaciones secretas con Mandela para su liberación, para el cambio político del país.

Al final consiguió ser liberado en 1990, sin aceptar las condiciones del régimen político, que tenía un verdadero temor ante la mayoritaria población negra. Él les había prometido la no violencia y la instauración de un régimen democrático. De esta manera sucedió cuando venció en las elecciones que impuso estas ideas de respeto racial entre poblaciones de diferente color de piel, pero iguales derechos, sin ejercer ninguna venganza, ni represalia por los crímenes y abusos cometidos durante tantos años. 

La película se ocupa mucho de su vida personal, del fracaso con la primera mujer por sus infidelidades, de la muerte de su hijo, de las discrepancias y posterior separación de Winnie. Así mismo, al final andando ya anciano por los campos que le vieron nacer pone de manifiesto en lo que se convirtió Nelson Mandela. En el líder de la población nativa de África, frente al interés imperialista de los antiguos colonizadores blancos. Un ejemplo carismático a seguir por la renuncia de la violencia y el respeto a la justicia.

LA COLECCIÓN MASAVEU

El Ayuntamiento de Madrid organiza la exposición, COLECCIÓN MASAVEU, que reune unas 63 obras de pintura y escultura entre el siglo XII y el XIX,  pertenecientes a núcleo primitivo de la colección, que en la actualidad la componen 1500 piezas. Pertenecen a una familia asentada en el Principado de Asturias para los negocios industriales y financieros, que desde antiguo, tres generaciones, se han dedicado a la labor de adquirir obras de arte con apreciado gusto. En muy rara ocasión han sido expuestas algunas de ellas por lo que esta muestra resulta una gran oportunidad.

 Virgen con el Niño, Murillo, 1660-65

Entorno a la idea de Imagen y materia se han organizado tres secciones: De madera y oro, Entre el gótico y el Renacimiento y El Triunfo del lienzo. Todas las obras, en la que se combinan la pintura y la escultura de bulto redondo y en relieve, tienen un carácter religioso, pero cambian según la época histórica, la sociedad y el estilo en las que fueron concebidas. Así, la trayectoria se inicia con un pequeño relieve de marfil del Descendimiento, datado en el siglo XII, y finaliza con una pintura del siglo XIX, de Vicente López. En general el conjunto de obras se caracterizan por un extraordinario gusto, por la calidad de las piezas y por la conservación. Pertenecen a regiones y autores españoles en su gran mayoría, salvo aquellas dedicadas a los autores flamencos, que fueron desde antiguo atractivas para los mecenas hispanos.

Santa Catalina de Alejandría, Zurbarán

 De la época medieval, especialmente del estilo gótico, destacan autores importantes como Fernando Gallego, Joan Reixach y Joos Van Cleve. Del estilo renacentista, sobresalen, Luis de Morales o El Greco, con una pequeña copia de El Expolio de Cristo, y El Bosco. En el siglo XVII, nos encontramos, igualmente relevantes maestros de la pintura española como José de Ribera, Francisco de Zurbarán, Alonso Cano, y Bartolomé Esteban Murillo, algunos representados con tres obras. Cierran el conjunto, Antonio Escalante, Juan de Arellano y José Antolínez. En ellos predomina la representación de santos y del tema de la Inmaculada.

SOBRE EL HOLOCAUSTO JUDÍO

Los historiadores se han ocupado desde que terminó la Segunda Guerra Mundial de arrojar luz sobre las circunstancias en las cuales se produjo el llamado holocausto judío. Fue un hecho de extraordinaria gravedad, un antes y un después en el desarrollo de la Historia Contemporánea, un repensar sobre los límites a los que puede llegar el hombre en el ejercicio de la violencia. El director y antiguo combatiente contra los nazis, Claude Lanzmann lo abordó de manera magistral en la película, Shoah. Ahora rescata un material que había grabado para ella pero que no llegó a incluir porque no se adecuaba al tono de tragedia incensante que la caracterizaba, que constituía un conjunto de entrevistas realizadas en Roma a Benjamin Murmelstein, considerado por aquella época el único presidente de un Consejo Judío que quedaba vivo.

Este personaje ejerció el cargo en el gueto o campo de concentración de Terezin ( Theresesienstadt ) en Checoslovaquia a final de la guerra. Un campo donde fue encerrada gran parte de la élite judía de habla alemana. El régimen nazi lo convirtió hasta cierto punto en un campo modelo en su trato con los prisioneros, pero donde se hicieron las más crueles torturas y asesinatos. Por allí pasaron grupos de detenidos para ser llevados a los centros de exterminio en Polonia. A la serie de entrevistas, el director incluye, una investigación documental actual del campo en la que lee textos referidos al mismo, escritos algunos por el propio Benjamin Murmelstein, y las imágenes de la ciudad y los lugares más significativos, donde sucedieron tan espantosos sucesos. Por otra parte comprueba algunos datos históricos aportados por él.

El papel de los Consejos Judíos ha suscitado controversia. Hasta qué punto colaboraron con los verdugos en el genocidio. La famosa filósofa, Hannah Arendt opinó en este sentido negativo. Está demostrado que actuaron bajo amenaza de muerte, y que salvo rarísimas excepciones, no tuvieron otra opción. Lanzmann apuesta por esta interpretación incluso en el caso de Benjamin Murmelstein, un personaje de extraordinaria inteligencia que logró sobrevivir cuando sus predecesores en el cargo habían sido asesinados. En el documental, que recibe el título de EL ÚLTIMO DE LOS INJUSTOS, nombre que el mismo se da, muestra una capacidad de convencimiento que al director le parece sincera.

Tras su visionado, el documental nos muestra su valor histórico para ofrecernos un testimonio clarividente sobre tres aspectos: La organización del Holocausto; el papel de los Consejos Judíos, y sobre el propio protagonista, cuya trayectoria antes de la guerra, en ella y después resulta muy interesante. En primer lugar nos informa que él fue juzgado por el gobierno checo tras la guerra, pero que fue absuelto de cualquier culpa. De todas maneras en 1975 vivía en Roma lejos de Israel. Se deduce que si en esta entrevista tenía 70 años, vivió aquellos acontecimientos, que él llevaría a un libro, siendo relativamente joven. También se deduce que fue un personaje relevante desde antes de la guerra cuando ejerció un cargo religioso en la comunidad judía de Viena. Allí pasaría a representarla frente a Eichmann, el organizador práctico del genocidio.

Así mismo, éste jerarca nazi le empleó para organizar primero la emigración de los judíos más pudientes a otros países de Europa, a los cuales, por aquella época se les despojaba de sus bienes si querían  escapar, por lo que trató a un nivel próximo con el que años después sería juzgado en Israel. Benjamin Murmelstein opina que no fue un simple funcionario alemán, sino un auténtico demonio al frente de la maquinaria de exterminio. Estuvo a su nivel, frente a frente, varias veces sentado en una silla. Pudo escapar en el año 1938 cuando viajó a Londres, pero regresó a Viena, como hicieron otros representantes de la comunidad judía. El régimen nazi actuó como está demostrado con una estrategia progresiva hacia los judíos, de la que se mantenía oculta gran parte, en la que se pasó de las palabra a los hechos en su intención de asesinarlos en masa.

Esto lo llevarían a cabo empleando a los propios judíos que llegaron a organizar hasta las listas de los  trenes que los conducían hacia la muerte. Les permitieron estar bajo una autoridad judía en los campos de prisioneros que debía colaborar, mientras la guerra transcurría y ellos los iban empleando como fuerza de trabajo, para terminar luego con su vida. Benjamin Murmelstein llega afirmar que hacían todo lo que podían para que el gueto de Terezin estuviera lo mejor posible para que así sirviera a los intereses de los nazis frente por ejemplo a la Cruz Roja que el año 1944 lo visitó, y así conservar su vida.

Esta estrategia sistemática hacia los judíos fue encubierta por el régimen hitleriano. En el campo de Terezin se sabía que los llevaban hacia el Este, pero desconocían de la existencia de Auschwitz y de las cámaras de gas. Finalmente, él emplea la metáfora de la marioneta para mostrar cuál era la relación con los nazis, una marioneta que movía sus propios hilos. El extraordinario documental termina con una última entrevista en la que el entrevistador y entrevistado pasean por las ruínas de los Foros Imperiales de Roma y cruzan bajo el arco de triunfo del emperador Tito, cuya decoración escultórica alude a la derrota militar de los judíos y el inicio de la diáspora.

CIENCIA Y RELIGIÓN EN LA EDAD MEDIA

Tras la caída del Imperio Romano el legado cultural de la antigüedad clásica prácticamente desapareció en Occidente. La tradición filosófíca y los avances científicos y técnicos fueron conservados en Oriente. La civilización islámica que se extendió desde Asía hasta la Península Ibérica, hizo uso hasta cierto punto de los mismos. La película alemana, EL MÉDICO ( The Physician ) dirigida por Philipp Stölzl, y basada en la famosa novela de Noah Gordon, cuenta la historia de un niño que ve cómo queda huérfano en un aldea perdida de Inglaterra en el siglo XI al morir su madre de apendicitis, una enfermedad que por aquella época no tenía cura, y se propone encontrar la forma de solucionarlo. 

Primero entrará al servicio como criado de un barbero, una especie de curandero, que lo mismo resolvía una herida, que sacaba una muela en esa época. Luego al enterarse por los judíos que residen en las ciudades británicas y que practican con mayor conocimiento la medicina, que dichos saberes se podían aprender en Oriente, especialmente en la ciudad de Isfahán, en Persia, y eran enseñados por el gran sabio, Ibn Sina, decide marchar hacia allí. El viaje le va a resultar largo y accidentado, no solo hasta llegar a la costa egipcia, sino de ahí, hasta la remota ciudad persa. Durante el trayecto, Robert Cole, que así se llama, se hará pasar por judío, la única manera de viajar en un territorio controlado por los musulmanes. Tras unirse a una caravana de comerciantes donde llevan mercancías y viaja la que será su futura mujer, llega después de casi perecer por una tormenta de arena.

En la ciudad de Isfahán logrará entrar como alumno en la madraza de Ibn Sina donde se asombrará de los conocimientos científicos de medicina, astronomía, química, biología y filosofía que allí se imparten. Conseguirá aprender y experimentar todo lo que pueda en el tiempo que dura el gobierno del tirano Sah, atacado por los Selyúcidas y por el fundamentalismo islámico, que odiaba las prácticas médicas y filosóficas de los judíos. En este periodo descubre junto a su maestro que las causas de la transmisión de la peste bubónica se encuentra en la picadura de las pulgas. También llegará a saber la causa de la muerte de su madre, la inflamación del apéndice, que el aprenderá a extirpar, estudiando el interior de un cadáver, una práctica prohibida por la religión, y que le llevará a curar al propio rey persa y a ser condenado a muerte.

Al final vuelve a Inglaterra y transmitirá aquellos conocimientos aprendidos en un hospital que funda en la ciudad de Londres. Esta peripecia constituye una larga película de aventuras, bien ambientada, que se hace entretenida al espectador. El transfondo histórico nos informa de aquellos tiempos de la Alta Edad Media en la que el ser humano se hayaba sometido a los dictados de la religión que ocupaba todos los aspectos de la vida. Por un lado la cristiana, por otro la musulmana. Al margen, todavía, el pensamiento racional y científico, fruto de la comprobación empírica, que es tenido como diabólico, hasta que logre su desarrollo a partir del Renacimiento.