LA CRISIS DEL CAPITALISMO

INSIDE JOB, dirigida, producida y escrita por Charles Ferguson, premio oscar al mejor documental en 2011, analiza y explica con precisión la crisis de la industria financiera norteamericana y europea, en consecuencia, entre el año 2007 y la actualidad. Proporciona al espectador una información clara desde los antecedentes en los años de Ronald Reagan hasta el gobierno de George Bush, entrevistando a una serie de protagonistas con responsabilidad o con información de los mismos. Sobre otros tantos con evidencias de responsabilidad y culpabilidad se afirma que se negaron a intervenir en el documental.

Queda demostrado que el sistema financiero norteamericano se apartó de la sociedad con el objetivo de obtener los máximos beneficios a corto plazo para sus directivos, para una élite, en la cual no sólo se encuentra la gente llamada de Wallstreet, sino funcionarios, políticos y profesores, expertos de las más renombradas universidades, que apoyaron y defendieron una auténtica estafa a cambio de repartirse esos enormes beneficios producto de la ingenieria financiera.

Confluyeron una serie de hechos: tanto los presidentes republicanos como demócratas desregularon el mercado financiero, controlado desde la Gran Depresión de 1929; las mentes más brillantes se dirigieron al mundo de las finanzas para sacar el mayor rendimiento a su talento; los políticos y los ejecutivos de los grandes bancos de norteamerica pertenecen a la misma comunidad de intereses, hasta tal punto, que unos se enriquecieron con el apoyo de los otros y viceversa; y finalmente, se crearon productos bancarios como los derivados basados en  hipotecas subprime o basura, creando una burbuja especulativa, un endeudamiento de los principales bancos sin límite.

En todo ello hubo otro importante engaño, las firmas de calificación que hoy siguen con su misma política de propiciar la especulación, favorecieron las inversiones en empresas y entidades al borde de la quiebra. Se permitió el endeudamiento de personas que no podían pagar la hipoteca, elevando el precio de los inmuebles. El resultado está a la vista, recesión económica, elevación del desempleo, sobre todo en aquellos países cuyo crecimiento se basó en la especulación inmobiliaria, y verdadera quiebra de varios estados, primero Islandia, luego Grecia, Irlanda,  y graves amenazas para España, Portugal o Italia.

El documental incide en los aspectos morales de la élite financiera, política e intelectual nortemericana, que se enriqueció sin ninguna responsabilidad, a costa de humildes trabajadores que se endeudaron por comprar una casa o vivir mejor, o de personas mayores cuyos fondos de pensiones fueron a pique. Los niveles de perversión y degradación ponen en envidencia el uso generalizado de cocaína, prostitución y comportamientos extravagantes de los ejecutivos. Hoy los responsables del desempleo y la pobreza en el mundo siguen asesorando o mandando en Estados Unidos y en Europa, defendiendo una ideología económica que favorece el enriquecimiento de una minoría de la población.

UNA TRAGEDIA MODERNA

Las consecuencias de la guerra son atroces para el ser humano y marcan  a padres e hijos con un hilo de ira y de odio que no se puede cortar sino se expone la verdad. INCENDIES, película canadiense, dirigida por Denis Villeneuve y basada en una obra de teatro de Wajdi Mouawad, incide en el pasado de una mujer libanesa exiliada en Canadá, que deja el peculiar mandato a sus hijos de buscar a su padre y a su hermano y entregarle a cada uno una carta con su última voluntad.

La tarea es difícil por el tiempo transcurrido desde la guerra civil libanesa de los años setenta cuando se enfrentaron las comunidad cristiana y musulmana, y supuso la destrucción de una de las naciones más prósperas de Oriente Medio.
La película tiene un acertado montaje. Por una parte cuenta la búsqueda emprendida por la hija en Líbano a donde se translada, por otra la narración en flash back de la vida de la madre, narraciones paralelas e interrelacionadas, una desde el presente para descubrir la verdad del pasado, otra, desde el pasado hacia el presente. 

Objetos, recuerdos, relacionan las dos historias: la cruz de la madre que lleva la hija en la búsqueda. La verdad sorprende al espectador in crescendo hasta el final cuando puede atar todos los aspectos del pasado, que son la mayoría de las veces más aludidos que explicados, otro de los aciertos de la película. Supone una catarsis después de ser testigo de toda una serie de atrocidades que padeció y fue testigo la protagonista en su vida. Ella era cristiana y tuvo que matar al jefe de la milicias de esta religión, después de ser testigo del asesinato de un autobus de musulmanes.

También le obligaron a dar en adopción un hijo de origen musulmán y fue apresada, torturada y violada por los nacionalistas cristianos. Fruto de esta violación nacieron dos gemelos que son los dos protagonistas que tratan de cumplir el mandato testamentario de la madre, el primer aspecto de la verdad desgarradora, el segundo, se refiere al padre y al hermano que buscan, porque si en matemáticas, en las que la hija es experta, uno mas uno es igual a dos, en la película, es igual a uno, al mismo...

El montaje, el discurrir del argumento, configuran de esta manera, una auténtica tragedia moderna en la que lo personajes parece que cumplen un destino que ellos no han decidido, del que no son conscientes en todo su alcance, y por tanto no responsables. Una confluencia de hechos impensables como en la tragedia clásica, donde la verdad redime la culpabilidad, y certifica la indefensión del ser humano ante la intolerancia y la guerra.

FAMILIA Y HOMOSEXUALIDAD

La directora y guionista, Lisa Cholodenko, retrata  en clave de comedia dramática,los problemas de una familia no convencional formada por dos mujeres lesbianas que han tenido y criado dos hijos por inseminación de un donante externo, en la película, LOS CHICOS ESTÁN BIEN (The Kids Are All Right).

La tranquilidad de la familia se ve alterada cuando la hija, que se ha hecho mayor de edad y se va a ir a estudiar a una universidad desea conocer a su padre biológico. Este, interpretado por el actor Mark Ruffalo, Paul, se gana el favor y la amistad de sus dos hijos, y una de las madres, Jules, hasta el punto de tener relaciones sexuales con ella, provocando una crisis en la pareja.

La situación conflictiva termina con la reconciliación entre ellas tras admitir Jules las circunstancias y razones de su infidelidad. También apartan definitivamente a Paul de sus vidas, que al parecer quería crear una familia después de tener numerosas parejas sin éxito.

La directora trata de transmitir la validez y autenticidad del matrimonio entre dos personas homosexuales, sin ningún demérito respecto al tradicional, con la misma responsabilidad y sacrificio que la familia tradicional. Por otra parte, la película muestra la importancia de la sexualidad en todos los personajes, la  manera diferente de vivirla. Por una parte diferente en las dos protagonistas lesbianas, por otra en la del donante de semen, prototipo de la masculinidad heterosexual, en la de sus hijos que se está poniendo de manifiesto.

La película destaca también por la excelente interpretación de los actores. Las dos actrices principales, Annette Bening y Julian Moore, en los papeles de Nic y Jules, y el actor, Mark Ruffalo como Paul. La directora sabe sacar y captar todos los matices que pueden expresar, a través de sus emociones o su físico desde una sensibilidad especial, que emplea, a su vez, la naturalidad de los diálogos, la aparente sencillez de la realización, y una visión cotidiana de las localizaciones. La combinación de cuidados y descuidados espacios urbanos y una selección musical personal, refuerza la modernidad artística y la belleza que transmite la película.

LA BELLEZA Y LO IRRACIONAL

Merecido premio Oscar a la mejor interpretación femenina para Natalie Portman por el papel de la bailarina Nina Sayers en la película, CISNE NEGRO ( Black Swan ), del director Darren Aronofsky. En él, la actriz hace un extraordinario esfuerzo interpretativo, e incluso físico, para meterse en el papel de una atormentada bailarina.
La película cuenta el proceso de enloquecimiento del personaje, desde que consigue protagonizar el  famoso ballet, el lago de los cisnes, hasta que termina la primera representación, cuando se hiere a si misma. Por exigencias de su disciplina personal, por querer llegar a la perfección técnica y expresiva, y ser una reputada bailarina, la vemos sentir su degradación psíquica ante la tensión que supone interpretar, no solo al cisne blanco, en línea con sus características personales, sino el cisne negro, donde sin abandonar su preparación, tiene que mostrar su lado más sensual y perverso del que carece por su estricta formación materna.

El espectador contempla una peculiar simbiosis entre el personaje del ballet y el suyo en la vida real, como si la duplicidad interpretativa se correspondiera con el surgimiento de un lado oscuro, seductor y mortífero, asociado a la locura que experimenta por las exigencias de los ensayos y la competencia con otras bailarinas; como si su falta de sensualidad y soltura para interpretar el cisne negro se correspondiera con su falta de vida íntima en la realidad cotidiana, y que descubre igualmente en un proceso paralelo a lo largo de la película.

Este brillante guion se completa con la peculiar dirección de Aronofsky, muy adecuada al mismo, por cuanto despliega un estilo donde une realidad y fantasía, con una profusión de primeros planos de la protagonista, de todos los personajes. Tal vez son excesivos los efectos especiales que ilustran la parte irracional de la mente, centrados en las deformaciones del cuerpo de Nina Sayers. Sin embargo, destacan en relación con la calidad de la producción, el cuidado de la puesta en escena y la música inolvidable de Tchaikoski.

ARCO, 2011

Ayer domingo, día 20 de febrero, terminó la Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ARCO, un año más en el calendario cultural y artístico español, después de manifestar evidentes señales de crisis en la pasada edición. Todavía es pronto para hacer un balance económico, asunto primordial en este tipo de eventos, pero el redimensionamiento de la misma hacia un tamaño menor con una oferta, selecta, pero más adaptada al mercado español e internacional en tiempos de crisis financiera, pudiera ser sin duda positiva.

Ha habido menor número de galerías y menor número de obras expuestas, una vuelta a los orígenes este año que se conmemoraba la edición número 30 de la feria. En ella se ha apreciado la reducción significativa de la representación institucional cuando los organismos públicos españoles sufren de manera significativa los recortes presupuestarios.

Se vuelve, de igual forma, a una mayor valoración de la pintura cuyo espacio había sido reducido por el crecimiento de la oferta fotográfica y en las instalaciones multimedia, y en el que se introducen nuevos talentos  

artísticos emergentes, a precios más asequibles. Este ha sido el año de Rusia y también la consolidación de la idea que en un futuro el arte contemporáneo tendrá al continente asiático como centro, determinado por su pujanza económica.

La nueva dirección de la feria ha sabido combinar la readactación comercial a las necesidades de un mercado artístico en crisis y con mucha competencia de otras citas, con el mantenimiento de lo que es ARCO para las galerías y los artístas españoles, para el público en general, una cita cultural y lúdica de la que no se le puede privar al público aficionado, porque como podía captar cualquier visitante estos días, too cool to die, es demasiado interesante para desaparecer.

SOBRE EL MÁS ALLÁ

Clint Eastwood, director, productor y autor de la banda musical crea una extraordinaria película en MÁS ALLÁ DE LA VIDA ( Hereafter ) por la maestría en la utilización del lenguaje cinematográfico. Todo un ejemplo para cualquier director o aficionado al cine. Marcan diferencias los planos secuencia y el empleo de gruas para captar grandes planos generales o cenitales. Recuerda a los grandes maestros del cine clásico. Así mismo, llama la atención la extraordinaria sensibilidad de las imágenes, un lirismo crepuscular que ya se podía disfrutar en una de sus anteriores películas, Gran Torino, acrecentado por una música especial compuesta por el director.

Magistral, de igual forma, es la interpretación de los actores en la que muestran los rasgos más humanos, los más profundos sentimientos. Destacan Matt Damon, y Cecile de France en los papeles de George Lonega y Marie Lelay, sin olvidar el actor niño, Frankie McLaren como Marckus. Son los protagonistas en una película deliberadamente europea, la cultura francesa, inglesa y un toque italiano, bajo la inspiración norteamericana.

Tres historias diferentes confluyen en un punto, el final de la película, la última escena. Todas tienen en común personajes con una relación con el más allá. Marie es una bella periodista francesa que casi murió ahogada en el tsunami de Indonesia. George, a causa de una grave enfermedad, descubrió que tenía poderes parasicológicos por los cuales podía entrar en contacto con los muertos. A Markus se le murió su hermano gemelo y trata de sobreponerse a tal circunstancia.

Esta angustia por el contacto con la muerte y el más allá va a condicionar sus vidas, a transformarlas. Van a indagar sobre ello. En su investigación o en su huída descubrirán que existe algo después, pero no se sabe que es, cómo definirlo. Y lo más importante, la felicidad se encuentra aquí, en la vida, ¿el amor y la belleza?, en la que debes hacer todo lo posible para vivirla, disfrutarla, no condicionarla por la angustia del fin o por la ausencia de un ser querido.

RELIGIÓN Y VIOLENCIA

La guerra durante los años noventa entre el terrorismo islamista y el gobierno argelino causó numerosos asesinatos entre los cuales estuvo el secuestro y la muerte de siete monjes franceses en Tibhirine. La película DE DIOSES Y HOMBRES (Des hommes et des dieux) dirigida por Xavier Beauvois se basa en este suceso, desde el momento en el que se empiezan a producir los atentados violentos contra la población, y la comunidad de monjes cistercienses se ve envuelta en este conflicto en las montañas del Magreb. 

Cuenta la profunda espiritualidad y ayuda de la comunidad religiosa respecto a la pobreza del entorno. La convivencia entre la religión islámica y la religión católica. También un sobrio y auténtico retrato de las convicciones personales de unos seres humanos que deciden permanecer en medio de un enfrentamiento violento que les lleva a prestar asistencia medica a algún terrorista herido y a ser vigilados por el ejército argelino que les había ofrecido ayuda. Su muerte todavía sigue siendo un misterio no suficientemente aclarado.

La película transmite la esperanza de que sobrevivirían al conflicto por sus firmes ideas alejadas del dinero y el éxito, de cualquier interés mundano.Sin embargo el espectador conoce de antemano el final de la historia lo que refuerza el mensaje y el valor de las imágenes que tuvieron un merecido Gran Premio del Jurado en el pasado Festival de Cannes.

La forma que adopta el director para contar la historia tiene, de esta manera, mayor relieve. El ritmo de vida pausada del monasterio, las reflexiones del capítulo, los rituales cantados ancestrales de los monjes que contrastan con el entorno, el lirismo de los paisajes de montaña solitarios son los que marcan y seducen al espectador. Frente a la violencia de fondo, un mensaje de diálogo y tolerancia.

DISCURSO DEMOCRÁTICO

La película EL DISCURSO DEL REY(The King´s speech) dirigida por Tom Hooper, cuenta las dificultades para superar la tartamudez de Alberto de Windsor, duque de York que le impedían hablar en público y desempeñar las funciones asignadas como miembro de la casa real inglesa. Tras el fracaso de las terapias tradicionales, será un logopeda sin titulación de doctor y heterodoxo, Lionel Logue, quien consiga hacerle superar sus dificultades.

Este personaje real, pues el guión se basó en las notas personales conservadas, y magníficamente interpretado por el actor Geoffrey Rush, trata de ganarse la amistad del duque de York en un principio imponiendo sus normas y soslayando la diferencia de clase, de estatus social. Sin embargo fracasa porque Bertie, el apodo familiar del duque, no puede asimilar tal pretensión. Él nunca había hablado con un plebeyo, ni había le había dado tales confianzas. 

Por la historia conocemos que subió al trono según el orden de sucesión, su hermano el Príncipe de Gales como Eduardo VIII, pero la pretensión de casarse con una divorciada, la estadounidense Wallis Simpson le obligó a abdicar. Ante tales acontecimientos, el duque de York accede al trono respaldado por el parlamento por cuanto también se sabe que el rey había tenido contacto con la Alemania nazi. Esto llevará al duque de York a convertirse en Jorge VI y a volver a la terapia, a ser ayudado por el logopeda en todos los acontecimientos que tuviese que hablar en público, en una situación histórica difícil para la nación, para toda Europa, cuando comienza la Segunda Guerra Mundial.

Las escenas finales son las más significativas de la película. Primero la coronación, todo un éxito para el rey, ayudado por el logopeda, y sobre todo, el discurso estremecedor en el que declara la guerra Inglaterra a Alemania tras invadir Polonia. Se realiza en la radio dirigido a todo el imperio y en el que el monarca tiene que ser ayudado en la declamación y en las condiciones ambientales para superar su deficiencia. 

Es un logro para él y para el logopeda, al cual seguirán otros durante la guerra, sus vidas, pues entre ellos surgirá una profunda amistad que superará las diferencias de clase. A partir de ese momento el rey llamará amigo a terapeuta, y éste, majestad, reconociendo el éxito y las dificultades de su trabajo.

MEMORIA HISTÓRICA

Durante la Segunda Guerra Mundial, la Francia del general Petain colaboró con la Alemania nazi en el exterminio de los judíos. Más de setenta mil franceses de ese origen fueron deportados. El presidente Jacques Chirac reconoció los hechos. En esta época está ambientada la película LA LLAVE DE SARAH (Elle s´appelait Sarah), dirigida por Gilles Paquet-Brenner, y basada en la novela homónima de Tatiana de Rosnay, en la que una periodista estadounidense residente en Francia, Julia Jarmond, se encarga de escribir un artículo sobre el suceso de Vel´d´Hiv en julio de 1942, cuando comenzó la detención de miles de judíos en París.

La película narra en forma de flash back la historia de Sarah que es detenida junto a sus padres en su casa. Ella pronto se convierte en protagonista cuando evita que su hermano pequeño sea apresado al encerrarlo en un armario y llevarse la llave que le acompañará a lo largo de su vida, pues logrará escapar del campo de concentración y ser criada por una familia hasta después de la guerra en los años cincuenta cuando se marche a EEUU.

La investigación y la vida de Julia Jarmond, otra excelente interpretación de la actriz, Kristin Scott Thomas, se cruzará con el relato de Sarah cuando averigüe que el piso donde vivió la familia de su marido, y que éste está reformando para ellos, fue la casa donde vivió aquella, hasta el punto que su suegro, siendo niño conoció a la protagonista y fue testigo de cómo descubrió el cadáver de su hermano encerrado en el armario. También que el abuelo de su marido ayudó económicamente a Sarah hasta que partió para América donde contrajo matrimonio y tuvo un hijo, al que Julia conoce y le comunica la verdad de su origen judio.

El afortunado argumento sobre la tragedia del Holocausto supone poner el énfasis en una verdad que clarifica el pasado, una memoria a las víctimas, reforzada por las primeras imágenes rodadas en el museo-monumento  de París, dedicado a éste hecho. Refuerza la opinión que la Historia nos condiciona, como hace con los protagonistas, de manera indirecta por el transcurso de los acontecimientos, o de manera directa. Julia, en el transcurso de la investigación se queda embarazada. Su marido quiere que aborte, pero ella al final tiene una hija a la que llama Sarah, y a la que el espectador descubre en la última escena llena de significado.

JARDINES IMPRESIONISTAS

La exposición JARDINES IMPRESIONISTAS, organizada por el Museo Thyssen y la Fundación Caja Madrid en colaboración con otras instituciones extrajeras muestra un recorrido por el tema del jardín en la pintura desde mediados del siglo XIX hasta comienzos del siglo XX. Desde los precedentes inmediatos con artistas como Millet, Corot y Daubigny hasta los propios impresionistas que hicieron de la representación del paisaje en sus condiciones naturales uno de sus motivos principales, por lo que tendrían en el jardín público o privado un desarrollo particular.

La exposición está organizada en tres oposiciones o polaridades: entre la ciudad y el campo, el parque público y el jardín privado, lo decorativo y lo productivo. Podemos así observar obras de los grandes maestros franceses: Manet, Monet, Renoir, y Camille Pisarro que protagonizan todo el recorrido. A ellos se unen otros artistas de no menor renombre como Berthe Morisot, Sargent, y especialmente, Van Gogh, Gauguin y Cezanne cuando la trayectoria del tema evoluciona al postimpresionismo. De este momento destacan igualmente obras de Gustave Klimt y Pierre Bonnard.

El conjunto se completa y presta atención hacia la pintura naturalista europea y americana con obras procedentes de artistas alemanes, escandinavos, británicos o estadounidenses, en la que hay un capítulo especial de pintura española de la época, representada por nombres como Sorolla o Darío de Regoyos. El espectador comprueba entonces la fascinación que tuvo la representación en la pintura de la luz y el aire libre que potenciaron los impresionistas, que dejaría una huella en las primeras vanguardias del siglo XX: el fauvismo, el cubismo y el expresionismo alemán.