LA MÚSICA DE LA NOSTALGIA

Cuando un músico, un artísta alcanza la fama, el público conoce su personalidad a través de la obra que le ha llevado a tener éxito. Si quiere un retrato completo, necesita saber de la vida desde la infancia hasta convertirse en una leyenda. Las razones de ser de una manera o de otra. Aquellos factores que influyeron en la producción musical y en las letras de las canciones. Esto es lo que pretende la directora y guionista, Paloma Concejero, en el documental, ANTONIO VEGA: TU VOZ ENTRE OTRAS MIL, sobre la figura del famoso cantante y compositor de obras como La chica de ayer o El sitio de mi recreo.

Nacha Pop
Para ello dispone de unos documentos visuales y sonoros de primer orden. En primer lugar, las propias opiniones del cantante grabadas durante cuatro años en una serie de encuentros para que el escritor Bosco Ussía realizase su biografía. Dichas opiniones aparecen como voz en off durante el documental tratando diversos temas personales. En segundo lugar, la extensa intervención de la familia, especialmente la madre y un hermano músico, así como de la ex mujer, Teresa Lloret, y la madre de la novia fallecida, Marga del Río, que fueron los grandes amores de su vida.

Con Marga del Río
En tercer lugar, los amigos, compañeros y otras voces como algún productor. Aquellos que formaron parte también de la famosa banda Nacha Pop; los músicos que le acompañaron en solitario; lo mismo que aquellos que le acogieron en sus hogares y fueron testigos de su constante huida. Finalmente la fotos y los vídeos familiares grabados por el padre en súper-8, el formato de cine utilizado antes de emplearse el vídeo casero; las grabaciones de las distintas actuaciones y entrevistas en televisión y radio de las que hay testimonio.

En el Bar El Penta
El resultado no ha gustado a la familia a pesar de que sus opiniones y documentos son la base del mismo documental. Es cierto que en determinados momentos se recogen intervenciones muy críticas con el famoso artista, sobre todo de los propios allegados. Antonio Vega recibió una buena educación en el Liceo Francés de Madrid, favorecido por el estatus social de clase media alta en el que nació. El padre ejercía de médico y tuvo cinco hermanos, dos de los cuales murieron antes que él.. Desde la adolescencia destacó por sus dotes artísticas.


Sin embargo fracasó tras aprobar el bachillerato. No pudo continuar los estudios de Arquitectura, ni de Física. Prefirió dedicarse a la música en contra de la opinión de los padres. Al elevado coeficiente intelectual, superior a la media, le acompañaba una personalidad introvertida y tímida, muy volcada a la composición musical, en la que empeñaría la propia salud. No podía afrontar los problemas que le surgían día a día y las drogas, que le influyeron radicalmente, le ayudaban en esta dirección.


Desde joven alcanzó el éxito en la música pop. Luego tras un periodo de crisis, iniciaría la tortuosa carrera en solitario desde finales de los ochenta. Llevó una vida al límite marcada por la toxicomanía, una huída de sí mismo, rodeado en cada momento por la gente que le pretendía ayudar. Siempre mantuvo la lucidez suficiente para continuar componiendo. La muerte de su novia, le llevó casi a la suya propia. Cuando logró remontar el profundo bache, le surgió la enfermedad terminal que pondría fin a su trayectoria, caracterizada por un conjunto de canciones, la banda sonora que evoca con nostalgia un mundo en el que confluyen  la infancia y la adolescencia y aquel interés por los secretos del Universo.

UN BANQUETE CRUEL


El Círculo de Bellas Artes de Madrid en colaboración con otras entidades organiza la exposición, OUKA LELE, UN BANQUETE CRUEL, Pour Quoi?, en la que la famosa fotógrafa pone su arte al servicio de una causa justa, que el público tome conciencia del genocidio que se está produciendo en la República Democrática del Congo, donde hasta el momento millones de personas han muerto por la guerra civil entre el gobierno y los rebeldes. Los dos bandos armados por las potencias que se están dando un banquete con las valiosas materias primas que tiene el territorio, oro, diamantes, y sobre todo coltán, la materia prima con la que se fabrican los móviles y los ordenadores.


La muestra comprende dos espacios: una sala grande en cuyo centro hay una gran mesa con platos, copas, y rodeado por un montón continuo de los circuitos integrados de nuestros aparatos de tecnología avanzada. En cima de la mesa, a la vez que imágenes de ricos manjares, hay calaveras y huesos de las víctimas de la guerra, ejemplos que se repiten en las grandes fotografías de las paredes. A ello se une imágenes de fetos malogrados por las violaciones. Porque otro objetivo de la exposición se centra en la lucha contra la violencia sexual, por el que el cuerpo de las mujeres se ha convertido en un campo de batalla.


En una pequeña sala anexa está idea se desarrolla en el documental donde la periodista a la cual se debe la iniciativa de la exposición, Caddy Adzuba, cuenta la brutalidad inimaginable que se está viviendo en el Congo. Por tanto es la colaboración entre el arte y el periodismo, la que nos moviliza para hacer todo lo posible para poner término al pillaje de los recursos naturales de África y la cruel violencia ejercida contra las mujeres. Propone, así, un modo de vida más informado y un consumo más responsable.

FICCIÓN SOBRE EL CAMBIO CLIMÁTICO

Estamos acostumbrados a ver películas de ciencia-ficción ambientadas en planetas lejanos o naves espaciales que surcan el universo sin rumbo conocido en las que surgen problemas de todo tipo. ROMPENIEVES (Snowpiercer), del director y guionista coreano, Bong Joon-Ho, basada en la novela gráfica, Le Transperceniege, sitúa la acción en un tren de alta velocidad que recorre nuestro planeta en círculo. Un tren a modo de Arca de Noé que transporta los últimos supervivientes de la raza humana y animal. La Tierra padece una nueva glaciación a causa de la liberación de unos gases que utilizaba el hombre para luchar contra el calentamiento atmosférico.


La vida en este largo tren sin frenos resulta muy difícil para los habitantes de los vagones de cola, desde el principio y tras 18 años ininterrumpidos, sometidos a las arbitrariedades del dueño del tren, el señor Wilford, y de los pasajeros de los espacios delanteros. Todo el convoy en sí mismo tiene un ecosistema sostenible, que reproduce las antiguas condiciones climáticas del planeta. El problema se encuentra que la convivencia no es igualitaria, y la mayoría de los viajeros viven en condiciones penosas, sin apenas comida. Toda la vida está controlada por el dueño del tren que incluso induce a la violencia para reducir el número de pasajeros.


El argumento de la película, así, cuenta la última rebelión de los viajeros más desfavorecidos para ser libres, liderados por Curtis, interpretado por el actor Chris Evans. Ellos no saben que es otra revuelta provocada de forma artificial. Sin embargo el resultado no será el esperado por el propietario del tren, reducir el número de seres humanos vivos y ceder el mando, sino el fin del viaje a ninguna parte. Hasta su descarrilamiento provocado por un alud de nieve a causa de una explosión, el espectador puede visualizar una lucha sangrienta de extrema violencia que se libra en él.


El final, de todas maneras, se muestra esperanzador. Sólo han sobrevivido una mujer y un niño, pero la Tierra está cambiando tras estar helada. Vuelve a la vida, y en la lejanía se puede contemplar ya la existencia de animales. Un mensaje prevalece,  la necesidad de igualdad y libertad entre los seres humanos, sobre todo cuando existen condiciones radicales de supervivencia.

EL APRENDIZAJE DE LA VIOLENCIA

El director húngaro, János Szász realiza un completo retrato de la violencia entre los seres humanos en la película EL GRAN CUADERNO, basada en la novela homónima de Ágota Kristóf. Un argumento que se desarrolla a finales de la Segunda Guerra Mundial cuando dos gemelos son trasladados por la madre desesperada a una granja para que los cuide la abuela. Cerca de ellos vivirá un oficial de las SS alemana que dirige un campo de concentración próximo. Ante la falta de alimentos, el hambre, las duras condiciones de vida del trabajo en el campo, el dolor, físico y psicológico que ejercen sobre ellos la propia abuela y los vecinos, a consecuencia de la guerra, deciden hacerse fuertes, para resistir la violencia cotidiana.


El objetivo es la supervivencia y no hay otro camino que actuar siempre juntos, fortalecer el cuerpo a base de golpes y reducir el afecto, incluso con los propios padres, que están lejos para afrontar la realidad. Todo lo que ellos viven hasta el final de la guerra lo escriben y dibujan en un cuaderno que les regaló el padre al partir con el consejo de que siguiesen estudiando y apuntasen lo que viesen. La férrea disciplina de los gemelos les permite salir adelante del maltrato de la convivencia con la abuela, de los gustos del oficial nazi, de la represión contra los judíos y disidentes, y finalmente de la venganza de las tropas soviéticas que ocupan el territorio.


Al final el relato del cuaderno termina, lo mismo, que la película, con la separación de los hermanos gemelos. A partir de ese momento comienza una nueva vida para ellos. Atrás queda la muerte provocada por la guerra. Los tristes hechos que protagonizan los seres humanos en condiciones extremas de violencia. Tendrán que afrontar nuevos acontecimientos en condiciones diferentes. Uno ha logrado traspasar la verja de la frontera hacia una supuesta libertad, otro se queda. Sin embargo, la dureza del pasado les ha preparado para resistir cualquier acontecimiento imprevisto en el futuro incierto.

CONFLICTOS FAMILIARES

El director iraní Asghar Farhadi aborda de nuevo en la película, EL PASADO ( Le Passé ) los conflictos de pareja. Fue ganadora del Premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cannes de 2013 para Berénice Bejo, que ya había destacado en The Artist. En este caso interpreta a una mujer francesa que se encuentra con su marido que vuelve de Irán para formalizar el divorcio. Quiere casarse con otro hombre porque está embarazada. Sin embargo, Ahmad y Marie reviven la convivencia pasada, y el primero tiene que ayudarla a resolver el problema que tiene con su hija mayor, Lucie, que rechaza la relación que tiene la madre.

Marie y la nueva pareja conviven con los hijos comunes, mientras éste afronta el problema que tiene pues la esposa está en coma por un intento de suicidio al descubrir la infidelidad. La situación dramática se produce sobre todo cuando Lucie le cuenta a Ahmad que ella envió los correos electrónicos a la mujer de la relación que mantenía su madre un día antes de aquel suceso, por el rechazo fuerte que sentía. De esta forma se plantea un dilema moral entre los personajes sobre la manera de afrontar las circunstancias. La responsabilidad y los límites del comportamiento individual ante los hechos en los que se implica la actitud de los hijos.

Una vez más, el director Asghar Farhadi, aborda la conflictividad surgida de la relación familiar, en este caso localizada en Francia, pero con implicaciones argumentales de su país. Desarrolla la acción desde el comportamiento autónomo de los personajes, de sus intereses y responsabilidades, en el ejercicio de su libertad. En ella brilla la actuación de la protagonista femenina, Marie, que se muestra con la misma fortaleza e iniciativa que los protagonistas masculinos. Todo ello elaborado con el gran estilo audiovisual que desarrolla el realizador iraní.

TREN HACIA EL PASADO

La Alemania Nazi fue derrotada en la Segunda Guerra Mundial, pero en el sur de Europa regímenes fascistas surgidos al amparo de aquél y a imitación del instaurado por Mussolini en Italia, pervivieron más allá hasta la desaparición de sus dictadores, como la España de Franco y la Portugal de Salazar. Les interesaba a las potencias occidentales mantener unos estados autoritarios durante la época de la  Guerra Fría. Sin embargo su población sufrió el atraso económico y la falta de libertades. La película, TREN DE NOCHE A LISBOA, del director danés, Bille August, nos cuenta el viaje precipitado de un profesor suizo a la capital lusa tras salvar del suicidio a una joven portuguesa que llevaba en el bolsillo del abrigo un libro y un billete de tren, sin más información.

El libro era una autobiografía de un médico, Amadeu que luchó en la resistencia contra la dictadura. El profesor suizo, Raimond Gregorius, interpretado por Jeremy Irons, tratará de averiguar toda la verdad sobre el autor para así comprender la razón por la cual la joven desconocida intentó suicidarse. Pronto descubre que Amadeu murió poco antes de triunfar la revolución y que este jugó un papel fundamental con otros personajes que luchaban contra el régimen. Descubrirá la dura represión contra toda forma de oposición. El empleo de la tortura y la eliminación de los derechos fundamentales de la población.

El viaje que Raimond hace a Lisboa lo es también a un pasado que los protagonistas recuerdan con dolor, porque mezcla la lucha clandestina con las relaciones personales de amor o amistad, la fidelidad y la traición. Todo ello fue reflejado por el malogrado escritor y médico, Amadeu, y él corrobora entrevistándose con ellos y venciendo su propia resistencia a revivirle. Al final logra saber que la joven a la que salva era hija de uno de los más sangrientos represores de la policía y que intentaba quitarse la vida al descubrir la trayectoria  de su progenitor. Por otra parte, para el profesor suizo, el descubrimiento de la experiencia intensa  de todos estos personajes, le aporta un cambio en la vida rutinaria de las clases, la posibilidad de encontrar de nuevo la felicidad.

PERSPECTIVAS SOBRE CÉZANNE

El Museo Thyssen de Madrid organiza una exposición dedicada al maestro postimpresionista francés Paul Cézanne (1839-1906). Desde hace 30 años no se celebraba en la capital de España una muestra con este protagonista, que fue en el antiguo Museo Español de Arte Contemporáneo por la misma época del año y organizada por el Ministerio de Cultura. Esta vez en cambio, el conjunto de obras artísticas reunido en CÉZANNE SITE/NON-SITE es menor y de una manera diferente, que no atiende tanto a una sucesión cronológica de piezas, como un estudio sobre el propio artista.

Naturaleza muerta con flores y frutas, 1890
La exposición actual parte de la idea que la pintura de Cézanne ha sido tergiversada por los cubistas al reducirla a un juego de formas geométricas. Una idea forjada por Smithson, añadiendo que abría que interpretarla según la perspectiva site/non-site, es decir, como una dialéctica entre el trabajo al aire libre y el estudio. Esta dialéctica se manifestaría en la relación entre el paisaje y la naturaleza muerta. Cézanne cultivaría ambos géneros a lo largo de su carrera artística, algo que le diferenciaría de los impresionistas que apostaron sobre todo por la práctica de la pintura al aire libre. También establecería una conexión conceptual entre ellos.

Retrato de un campesino, 1905-1906.
El planteamiento temático se organiza en 5 secciones: Retrato de un desconocido, que consta de un sólo cuadro, Retrato de un campesino, obra de propio museo, uno de sus últimos lienzos poco antes de su muerte, incompleto, se comprende como una introducción y conclusión de lo que va a ver el visitante; La curva del camino; Desnudos y árboles; El fantasma de Sainte-Victoire, y Juego de construcciones. Títulos que aluden, en primer lugar a la vocación caminante del artista por los alrededores de Aix y su reflejo en la representación repetida de la curva del sendero hacia el fondo que amplia el espacio pictórico. Una trayectoria que no va hacia ninguna parte. Los desnudos se repiten desde el comienzo de su carrera. Aluden a los propios árboles, los castaños solitarios en el paisaje en  Jas de Bouffan, la casa de campo familiar.

Montaña de Sainte-Victoire, 1904
Por otro lado los bodegones de Cézanne están llenos de referencias a los paisajes. Podría decirse que son fruto de la visión del artista sobre los mismos, como aquella que representa a la famosa montaña de Sainte-Victoire. En sentido contrario, y en la última sección, el artista francés representa el paisaje de madurez, como un paisaje construido a base de tres planos como el de la mesa de sus naturalezas muertas, un primer plano vertical, un plano horizontal, y otro plano vertical de fondo.

Casa en Provenza, 1885
Después de disfrutar de la exposición, el visitante y aficionado a la pintura tiene una perspectiva nueva sobre Cézanne para poder interpretar las características formales de su obra. Un estilo que le aleja técnica y conceptualmente de los impresionistas entre los que formó parte, y le aproxima a los planteamientos de artistas como Paul Gauguin y Emile Bernard, aquellos que fueron esenciales para el nacimiento de las vanguardias históricas.

LOS DIBUJOS DE PONTORMO


Posible autorretrato de juventud
La Fundación Mapfre de Madrid organiza la exposición, PONTORMO. Dibujos, dedicada al artista del Cinquecento florentino, Jacopo Carrucci (1494-1556), apodado de esa forma. Presenta un conjunto de 70 dibujos procedentes en su mayoría de la Galleria degli Uffizi que recorren todas las etapas vitales del maestro. Unos ejemplos seleccionados con gran cuidado y calidad, pues buena parte de ellos son preparatorios de sus obras más importantes, como la Pala Pucci en la iglesia de San Michele Visdomini, la decoración de la villa de los Medici de Poggio a Caiano, los frescos de la cartuja del Galluzzo o la capilla Capponi en Santa Felicita de Florencia.

Muchacho sentado para Poggio a Caiano, 1520-1521
En la exposición el visitante puede comprobar la evolución estilística de Pontormo en siete periodos cronológicos, entre 1514 y 1556, ligados a su formación bajo el magisterio de Andrea del Sarto, a la participación en grandes obras al fresco, a la incidencia de hechos históricos como la epidemia de la peste de Florencia  o la muerte del maestro, y la influencia de Miguel Ángel según el ejemplo del Juicio Final. Esta evolución estilística tiende hacia el anticlasicismo y a la expresión de una maniera propia, en el que transforma la concepción en la representación del cuerpo humano y  la técnica del dibujo. Un medio considerado como una obra de arte en sí, no exclusivamente una etapa en el proceso creativo.

Dos estudios de figua inclinada
Se desprende de las obras expuestas la fuerte personalidad artística de Pontormo, afectada por una búsqueda constante hasta lograr el objetivo propuesto por su imaginación, que le lleva a ser un inconformista, a tener un carácter retraído y obsesivo, por esa necesidad constante de encontrar la forma, un empeño solitario que se concreta en el original de su Diario, redactado y dibujado por él durante sus últimos años de vida. La exposición se completa con una pequeña sección compuesta de 9 dibujos de grandes maestros como Durero, Lorenzo di Credi, Rembrandt, Poussin o Tiepolo, llamada el Dialogo, que sirve para destacar la originalidad del estilo de Pontormo.

COREOGRAFÍAS DE NUEVA YORK

El principal objetivo de todas las personas tras finalizar los estudios y emanciparse del hogar paterno es construir una identidad individual basada en una ocupación remunerada y en unos lazos sociales. Para ello se tarda un tiempo de dudas e indecisiones hasta lograr una situación aceptable para sí mismo. La película norteamericana, FRANCES HA, dirigida y escrita por Noah Baumbach, trata de ese recorrido que hace la protagonista que le da nombre. Una joven de 27 años que es bailarina sustituta en una compañía de danza, trabajo precario que apenas le llega para pagar el alquiler de un piso compartido.


La comedia dramática se desarrolla cuando se niega a convivir con el novio y su amiga Sophie se desplaza a un apartamento más caro en la ciudad. Tiene que empezar a conocer nuevas personas de su edad que inician también una actividad profesional. Todas tienen unos rasgos peculiares. Ella ama la danza que le obliga a realizar constantemente ejercicio físico y crea coreografías para los niños. Prefiere la amistad a una relación afectiva con un hombre. Está atenazada por la soledad y la falta de dinero. Se aferra a las experiencias y pequeñas posibilidades económicas que surgen en su entorno y que remiten al pasado universitario.



Al final logra un trabajo estable y mejor remunerado, y sobre todo, seguir vinculada al mundo de la danza, haciendo coreografías, y al mismo tiempo, conseguir un piso, un espacio propio en Nueva York. La ciudad cuyas calles protagonizan también la historia. De hecho el título de la película alude al nombre completo de  Frances con su apellido que no cabe en el lugar específico del buzón. Este personaje, interpretado por la actriz y guionista, Greta Gerwig, esposa del director, llena todas las escenas. Consigue de manera efectiva trasmitir el carácter propios del mismo, con cualidades y defectos, de manera realista, un aspecto general de todo el argumento.


Se construye, así, un retrato de la vida cotidiana de una joven y su entorno con similar estatus a los cuales les conocemos por la constante conversación que entablan, por lo que hacen en las calles, en los bares y en el interior de los apartamentos. Estas actividades tienen una cierta agudeza y comicidad que conviven con los problemas reales a los que se enfrentan. El conjunto se completa con una cuidada fotografía en blanco y negro y una atractiva banda sonora.

MEMORIA HISTÓRICA EN POLONIA

A comienzos de los años sesenta convivía en Polonia un régimen comunista y la iglesia católica. Permanecían todavía las heridas abiertas por la Segunda Guerra Mundial en la que gran parte del país fue destruido. Se vivía la Guerra Fría pero las modas de occidente en forma de música llegaban a la población. En esta época se ambienta la película, IDA, dirigida y escrita por el realizador polaco, Pawel Pawlikowski, que ha recibido varios premios en festivales internacionales. Cuenta la historia de una novicia que antes de tomar los votos para  convertirse en monja debe conocer a la única pariente que tiene una tía, Wanda que fue fiscal del estado y ahora es juez. 


Descubre un pasado dramático. Sus padres al ser judíos fueron asesinados en la época de ocupación nazi y ella acabó huérfana en un convento. Logra averiguar la granja donde vivían y quién les mató. El dueño actual de la misma que se apropió de ella. Era joven por aquella época y su padre ayudaba a los propietarios judíos escondidos en el bosque de los nazis. A cambio de renunciar a la propiedad de la misma, le informan donde está enterrada su familia. Ella y su tía trasladan los restos al lugar donde se encuentra la lápida de sus antepasados.


Después de conocer su origen dramático tiene que tomar una decisión. Si seguir el camino trazado por Wanda, con una profesión al servicio del régimen, aunque atormentada por su pasado, tanto familiar como político, o continuar la vida espiritual en el convento. Al final será la segunda opción, una vez que viva la experiencia del amor y del alcohol, de la que era ejemplo la tía. De esta manera, la última escena de la película es la de Ida regresando al convento, después de haber sido testigo del suicidio de ésta y renunciar a la libertad de formar una nueva familia en una sociedad que estaba cambiando dentro del régimen autoritario.


La historia, por tanto, se refiere a dos pasados. El de los años sesenta que evoca el director con una extraordinaria ambientación, y el de los personajes de la misma. Los dos muy atractivos para el espectador. Uno porque evoca horribles crímenes contra los judíos, y el otro, una sociedad opresiva por el régimen de inspiración estalinista con aires nuevos, que convive con la religión católica. El blanco y negro de la película es una acierto completado con una fotografía de gran calidad. El formato casi cuadrangular le aparta de otras películas comerciales dando un aspecto antiguo, en el que destaca la belleza de las luces y la composición de los encuadres.