GOYA EN MADRID

La gallina ciega, 1788

El Museo del Prado organiza la exposición GOYA EN MADRID. CARTONES PARA TAPICES 1775-1794 como un avance de las investigaciones que se están llevando a cabo en el museo sobre estas obras del pintor aragonés. El artista llegó a la capital en 1775 para colaborar en el proyecto de los cartones de tapices destinados a decorar los palacios reales. Recibiría un total de siete encargos que culminarían con la última serie en el reinado de Carlos IV, entre 1791 y 1794. Durante ese tiempo llegó a ser reconocido en la Corte. Ingresó en la Academia en 1780 y seis años después fue nombrado primer pintor de cámara.

Riña en la Venta Nueva, 1777

La muestra se organiza en ocho secciones según los temas de los cartones: La caza, Divertimientos, Las clases sociales, Música y baile, Niños, Los sueños, Las Cuatro Estaciones y El aire. Solamente dos de ellas se han mantenido como tales, la de la caza y las Cuatro Estaciones, siguiendo en general una ordenación cronológica o entresacando las obras. La aportación de Goya la encontramos en las numerosas fuentes de inspiración que utiliza de artistas barrocos o de esculturas clásicas que observó en las Colecciones Reales o en los estudios realizados en Roma, y en su particular visión del mundo y de la sociedad. 

Niños con perros de presa, 1786

 De esta manera numerosas obras de pintores anteriores como David Teniers, Philips Wourwerman, Pieter Bruegel el Viejo, Rubens, Paul del Vos, Juan van der Hamen, Zurbarán,Velázquez o Murillo, entre otros, así como esculturas clásicas, son expuestas junto a ellos. A su vez, las obras de artistas contemporáneos que se muestran sirven para resaltar las características del estilo de Goya cuando aborda los mismos temas. Un estilo de nivel superior al del resto por el conocimiento y grandeza en la representación espacial, en la composición. También por su naturalismo en la captación de la luz y en el colorido, completado con una técnica prodigiosa que permite una imagen adecuada de los estados de la materia.

En Invierno, 1786

Por otra parte representa igualmente, los cambios sociales que se produce en la época y los debates de carácter moral por  la influencia de la Ilustración, que se ocupa de la mejora del pueblo, en cuanto al trabajo, a la diversión o a la educación de los niños. También la valoración positiva del contacto con la Naturaleza y el impacto de los avances científicos. Nada mejor que la contemplación de los cartones para tapices, para comprender la aportación de Goya a la Historia del Arte, en la transición entre el Antiguo Régimen y el mundo contemporáneo.

LA FOTOGRAFÍA DE GARRY WINOGRAND

Nueva York, 1962

El público interesado en la fotografía se puede sentir satisfecho por la exposición retrospectiva que organiza la Fundación Mapfre dedicada GARRY WINOGRAND en la que se reunen más de doscientas obras, entre copias de la época y actuales, unas 80, realizadas expresamente para este evento. Aproximadamente la mitad de las fotografías que se presentan nunca habían sido publicadas ni expuestas. Hay que indicar que al artista le interesaba más la acción de captar las imágenes, que revelarlas, editar libros o concebir exposiciones, de ahí la importancia de esta muestra.

Exposición Universal de Nueva York, 1964

El artista neoyorquino murió en 1984 a la edad de 56 años dejando 6500 carretes sin revelar, que el mismo nunca llegó a ver, además de hojas de contactos que marcó pero nunca positivó. Un extraordinario legado centrado en las gentes que pueblan las calles, en un instante concreto de sus actividades cotidianas. Si en un principio se dedicó al fotoperiodismo, luego siguiendo  el ejemplo de Robert Frank, comprendió la actividad fotográfica como artística. Más que ocuparse de lo que ocurre en el entorno urbano, le interesaba más las personas que miran lo que sucede.

La exposición se organiza en tres secciones. La primera se titula Bajando desde el Bronx, que muestra las fotos tomadas  en Nueva York desde 1950 hasta 1971. La vida urbana del Midtown en la década de los sesenta queda interpretada tras la cámara del artista. La segunda sección, durante la misma época, se llama, Un estudiante de Norteamérica, que recoge las tomadas fuera de aquella ciudad. Finalmente, la sección, Auge y crisis, que abarca desde 1971 hasta su muerte centrada en Texas y Los Ángeles. A lo largo de este periplo la mirada de Winogrand cambia hacia un mayor pesimismo.

El artista apuesta por una imagen en blanco y negro que capta el instante de lo que sucede desde una visión esencialmente subjetiva. En muchas de ellas se entromete entre el grupo humano sin importarle el movimiento particular del mismo que el no llega a interrumpir. Otras veces la mirada se produce desde lejos en plano general. Son momentos significativos que alcanzan la categoría de arte. Algunas fotografías retratan entornos de sucesos que acontecieron en el pasado. Convenciones políticas o manifestaciones de todo tipo, donde él parece más interesado en los personajes anónimos y en los acontecimientos más triviales, que en lo que da relevancia al acto.

Los Ángeles, 1964

La fotografía, por tanto, de la mano de Garry Winogrand, alcanza la cualidad artística de la transformación poética de la realidad cotidiana, que en apariencia se nos muestra objetiva. Personas anónimas, edificios, calles, playas o muelles son tomadas por la cámara como si ese momento o lugar pudiera dejar de existir. Entonces, el espectador, por una parte se sorprende ante lo que puede observar, y por otra, se siente agradecido al artista por el esfuerzo puesto en registrar de la forma más bella, aquello que no se volverá a repetir.

INTRIGA EN NUEVA YORK

National Board of Review concedió los premios a la Mejor Película, Mejor Actor y Mejor Actriz secundaria a la película EL AÑO MÁS VIOLENTO (A Most Violent Year), escrita y dirigida por J.C. Chandor. Unos galardones merecidos para una intriga sobre un empresario que distribuye combustible en la ciudad de Nueva York. Aspira al éxito empresarial y se propone desarrollar su pequeña empresa comprando un muelle enfrente de Manhattan. Para ello da de fianza un cuarenta por ciento de la compra y el resto en un plazo de treinta días. Es el periodo de tiempo en el que se transcurre la película y el momento en el que empieza a tener problemas.

Los problemas se relacionan con robos de combustible a los camiones y asaltos a los comerciales que visitan a los clientes. Por otra pare está investigado por la fiscalía por posibles malas prácticas en la contabilidad, cuando la empresa era del padre de su mujer. En el transfondo se encuentra las empresas de la competencia que ven reducido el mercado y compran el combustible robado. Estos problemas le hacen perder el apoyo del banco que le iba a financiar. Sin embargo al final, logra obtener el dinero con préstamos y de una cuenta que la mujer tenía en secreto.

El espectador se encuentra con una película sin mucha acción, centrada más bien en cómo viven los personajes los retos que se han propuesto conseguir. El protagonista, Abel Morales, (Oscar Isaac), evitando en todo momento la violencia y con gran sentido común. La mujer, Abba, (Jessica Chastain), aportando el lado más visceral, resulta un complemento imprescindible del marido. Las interpretaciones son contenidas, relacionadas con el ritmo pausado y la factura elegante de la producción. El director muestra un gran dominio del lenguaje cinematográfico que le emparenta con el cine clásico norteamericano. A veces recuerda en algunos momentos al Padrino de Francis Coppola.

La ambientación es un elemento imprescindible. La historia pertenece al pasado, al invierno de 1981, un periodo especialmente violento en la ciudad de los rascacielos. El director lo consigue con gran calidad, valorando la belleza de los encuadres y los planos generales, donde aparece el skyline al fondo desde Brooklyn. Las calles nevadas y el frío invierno, los tibios rayos del sol y las bajas temperaturas  proporcionan luces y colores apagados, dando un tono beis al conjunto de las escenas. De esta manera una historia sencilla, pero bien construida, se convierte en una magnífica película sobre la ética del ser humano para lograr sus metas.

NEUROSIS EN HOLLYWOOD

La meca del cine se encuentra en la ciudad de Los Ángeles, en Hollywood donde un grupo de gentes de todas las categorías aspiran a la fama, a ser estrellas,  y con ello, a la belleza y al dinero. Las grandes superproducciones engrandecen a los actores desde niño como los destruyen. Unos aspiran a un papel que no acaban de conseguir, otros se conforman con pequeñas intervenciones con la esperanza de tener una mejor oportunidad. Esta lucha provoca en sus protagonistas que acaben envueltos en la degradación moral y las drogas. La aspiración por conseguir el éxito somete a las más diversas formas de locura.

En este ambiente peculiar se desarrolla la última película del director canadiense David Cronenberg, MAPS TO THE STARS, basándose en un brillante guión de Bruce Wagner, que cuenta de manera realista con elementos fantásticos la pesadilla que viven un grupo de personajes, que al final aparecen interrelacionados. Por un lado, la famosa actriz Havana Segrand (Julianne Moore), que intenta conseguir el papel que tuvo su madre cuando era joven en los años 60. Mientras tanto vive una vida de sufrimiento psicológico recordando constantemente sus traumas infantiles, que le lleva a medicarse constantemente y recibir ayuda del terapeuta de las estrellas, Stafford Weis.

Por otro lado, la familia de este terapeuta, (John Cusack) que es padre del joven actor, Benjie, que alcanzó la fama y ahora se encuentra en declive por los problemas con las drogas, y de su hermana, Agatha (Mia Wasikowska) que estuvo recluida en un psiquiatrico por quemar la casa familiar, uno de los personajes protagonistas. El regreso de ella a Hollywood desencadena los hechos que suceden en la película. Unos acontecimientos que se inician cuando es empleada como secretaria de Havana. El espectador desconoce la razón de los problemas que tienen los personajes y progresivamente les descubre hasta alcanzar el dramático final.

La verdad fue que Agatha se enteró que sus padres eran hermanos y su locura alcanzó tal nivel que prendió la mansión en la que vivían, sufriendo grandes quemaduras. Vuelve a Los Ángeles libre pero sostenida por la medicación. Los padres no quieren saber nada de ella y le piden que salga de la ciudad. Su hermano, y parece heredado, debido a las drogas y carcomido por la competencia de otro joven actor, cae en la locura y le asesina. Entretanto, Agatha mata a golpes a Havana tras descubrir que ha seducido a su novio, un joven actor y chofer de limusinas. El final es la rememoración del trauma de Agatha, el suicidio en pareja, junto a su hermano, tomando pastillas, en la antigua casa que prendió.

Lo más destacado de la película sin duda es el guión en el que el público va descubriendo los traumas y las relaciones entre los personajes. También, la interpretación de los actores, especialmente de Julian Moore, como actriz famosa, pero neurótica, en la que emplea un gran número de recursos físicos y psicológicos para dar vida al personaje, y por el cual, merecidamente recibió el Premio a la Mejor Actriz en dos festivales, el de Cannes y el de Sitges. Luego ganaría el Oscar por otra película, culminando una serie que le eleva más en el olimpo de la fama.

LAS SOMBRAS DEL DESEO

El popular best seller, CINCUENTA SOMBRAS DE GREY, escrito por la británica, E. L. James, ha sido llevado a las pantallas con el mismo título, por la directora de la misma nacionalidad, Sam Taylor-Johnson. El éxito de público tal vez no se corresponde con el de la crítica, que ha mostrado su desagrado por la película. Sin embargo ha afirmado que supera en calidad a la novela. Un hecho que ha sucedido muchas veces. La no correspondencia entre la obra literaria y el resultado cinematográfico, aunque tal vez en este caso los dos van parejos.

La historia es un cuento protagonizado por una joven universitaria que se gradúa en filología inglesa, Anastasia Steele (Dakota Johnson), que conoce a un joven empresario multimillonario, Christian Grey (Jamie Dornan), cuando tiene que realizarle una entrevista para la revista de la universidad. Este auténtico galán seduce a la joven por su personalidad agresiva y por el poder que proporciona el éxito económico. A los dos les separa, no tanto la edad, sino la forma de relacionarse con las personas de distinto sexo. A ella le interesa mantener una relación romántica, afectiva esencialmente, mientras a él, la práctica del sexo más duro.

A Christian Grey no le conocen los medios ninguna pareja, incluso le atribuyen una orientación gay. Anastasia es virgen, nunca ha mantenido relaciones con ningún hombre. Los dos se sienten enamorados y aparecen publicamente juntos. Sin embargo, hay una brecha insuperable entre ellos. Él pretende satisfacer unicamente su inclinación sadomasoquista para lo cual ella se prestaría los fines de semana, haciendo de esclava sumisa. Ella quiere una relación afectiva de pareja normal. Para evitar riesgos por el componente violento de los gustos que tiene Grey debe firmar un contrato negociando los términos.

Ella en principio cede y se inicia en el sexo con Grey. Todos los aspectos de su vida mejoran. Un coche y un ordenador nuevo. Los mejores vestidos. No se ahorran medios porque él dispone de una flota de los mejores automóviles y un helicóptero para desplazarse. Cuando llega la hora de pasar a aplicar el contrato en todos sus términos, ella pretende cambiar las inclinaciones sexuales de Grey, descubrir lo que hay detrás. Sin embargo se encuentra con una inclinación singular cuyo origen se sitúa en la niñez provocada por una amiga de la madre. Ante tal cúmula de sombras que ocultan la felicidad a la que podría llegar con él, decide renunciar a su compañía.

La película, entonces, narra esta parte de seducción e iniciación, de descubrimiento que los príncipes azules de los cuentos hoy son magnates de los negocios con gran poder económico con inclinaciones sexuales que pueden dar al traste con la felicidad que en la narración romántica podría esperarse de ellos. Un historia más próxima a lo surreal, la que trata de mostrar los deseos o las inclinaciones ocultas por la sociedad. En la que se juntan términos hasta cierto punto contradictorios, un poder económico y social, y una tendencia sexual que le corroe. Para ello se vale de una cuidada puesta en escena para reflejar el ambiente lujoso de Grey, en la que sobresale la interpretación y la imagen de Dakota Johnson frente a la más estereotipada realizada por el actor, Jamie Dornan.

ARCO 2015

La 34ª edición de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ARCO, se ha desarrollado en Madrid entre el 25 de febrero y el 1 de marzo. En los pabellones 7 y 9 de IFEMA se han reunido más de dos centenares de galería de arte y un cúmulo de actividades entorno al arte más reciente. La feria como su propio nombre indica es un mercado y está sujeto a las condiciones económicas que vive nuestro país y al interés de los coleccionistas que se dan cita. Los críticos parecen en esta edición unánimes. Se está produciendo una revitalización de la feria coincidente con un cambio de tendencia económica general al alza. Aunque no se ha llegado a los niveles que precedieron a la crisis, se están revitalizando las compras de los diferentes sectores interesados en el arte.

Sólo alguna de las grandes instituciones museísticas estatales sigue adquiriendo obras, sin embargo, diferentes categorías de coleccionistas privados, están intesificando su interés a la par que la feria se adapta mejor a sus necesidades. La elevada competencia mundial ha restado importancia  a ARCO. Se desearía que viniesen con sus respectivos artistas ciertas galerías que se dirigen a otras citas internacionales. De todas las maneras, Madrid mantiene el atractivo por la oferta cultural que lleva asociada y la proyección hacia Latinoamérica. Este año especialmente dedicada a Colombia, de la cual han llegado un grupo de galerías localizadas en el pabellón 9. Igualmente las instituciones culturales de la capital han dedicado sus espacios a artistas de esta nacionalidad.

La mayoría de la galerías de ARCO se organizan en el llamado Programa General. Otras agrupaciones son las denominadas, Solo Proyects, Opening, Solo Objects, y Arcocolombia. Una oferta completa para el visitante y el comprador. Un conjunto repleto de artistas que podían llamarse clásicos dentro del gusto contemporáneo, hasta los más recientes. En diferentes manifestaciones: pintura, escultura, grabado, dibujo, fotografía y vídeo. Las tres primeras las más abundantes.

Una de las corrientes del arte contemporáneo es la que abrió Marcel Duchamp con el famoso urinario al que él consideró obra de arte, tras manipularle. A partir de ese momento el concepto de lo que es arte y de lo que no es, está en permanente reflexión. La feria con las obras expuestas preferentemente esculturas ha vuelto a sacar el mismo debate que ha transcendido a lo medios. Un vaso simple lleno de agua se vendía por varios miles de euros; una simple americana colgada de un palo apoyado en la pared; una serie de bragas rojas en forma de mandala; tres simples muletas, y una escultura con cubos y cepillos, se encuentran en la línea del artista dadaista.

Los jóvenes artistas tratan de hacerse un hueco en el mercado y la feria madrileña que ha reunido un conjunto numeroso de expertos, curadores y directores de instituciones culturales, resulta una gran oportunidad. Los grandes nombres, sobre todo españoles, han vuelto a estar presentes: Picasso, Miró, Tapies, Dubuffet, Blanchard, Wharhol..., Una amplia oferta de nombres más recientes con una posición ya consolidada. Tres periódicos generalistas han dado su apoyo un año más a la feria: El País, El Mundo y ABC. Las revistas especializadas más famosas y las más desconocidas, bajo la denominación, As tables are shelves, han tenido su espacio. Finalmente el ocio más selecto, la restauración y para los más jóvenes, el Arco Kids.

DRAMA EN LA LUCHA LIBRE

La película FOXCATCHER, dirigida por Bennet Miller ganó el premio al Mejor Director en el pasado Festival de Cannes y hoy es cadidata a cinco premios Oscar. Un palmares merecido para una historia basada en hechos reales que el director recrea en la ficción con la pretensión de atenerse a la verdad. Para ello emplea un estilo alusivo, no explícito y realista muy del gusto del festival francés. Una gran manera de emplear el lenguaje cinematográfico caracterizada por la sobriedad y la contención desarrollado con un ritmo pausado. El objetivo es retratar a los personajes principales en sus circunstancias propias en las que juega un papel esencial el aspecto psicológico.

El papel protagonista lo ejerce el luchador, Mark Shultz, Channing Tatum, ganador junto a su hermano, David, Mark Ruffalo, de una medalla de oro en los Juegos Olímpicos de 1984. Este ejerce de entrenador de su hermano, que se encuentra sólo y hundido sin recursos. Las cosas cambian cuando el millonario John E. DuPont, Steve Carell, aficionado a la lucha libre, le invite a instalarse en su finca, llamada Foxcatcher, para que junto a otros luchadores formen un equipo ganador de los mundiales y de los próximos Juegos Olímpicos de Seul. Mark tenía una personalidad débil, muy dependiente emocionalmente de su hermano. 

Sin embargo, la situación de Mark en el equipo se deteriora tras las primeras victorias. John DuPont es un hombre que tiene la lucha libre como un capricho más en su vida y se vale de la misma para satisfacer sus delirios de grandeza. Es aficionado a todo tipo de armas y se hace llamar águila dorada para mostrar su patriotismo. De esta manera, Mark cae en la desidia y en el consumo de drogas que le proporciona. DuPont, entonces, llama a su hermano, que se traslada con la familia a la finca. Sin embargo, Mark no aguanta la situación, el ser sustituido por Dave en la organización y en las pretensiones del millonario, así que decide dejar la lujosa residencia, sin abandonar la preparación.

El equipo de Foxcatcher, que representa a los EEUU fracasa en los Juegos Olímpicos. Todo parece seguir igual después, hasta que se desencadena la tragedia. John DuPont al sentirse frustrado en ser un manager y patrocinador victorioso de la lucha libre, asesina a Dave de repente, que nunca se había dejado manipular por sus delirios. Tenía una personalidad más fuerte que Mark y lo que buscaba ante todo era la seguridad económica de su familia. Una vez terminada la película se informa a los espectadores lo que les deparó el futuro a los protagonistas. DuPont murió en la cárcel y Mark se convirtió primero en un luchador profesional, y luego en un entrenador.

FOTOGRAFÍAS DE PABLO GENOVÉS

La Comunidad de Madrid organiza la exposición, PABLO GENOVÉS. EL RUIDO Y LA FURIA. Obras 2009-2014, en la sala del Canal Isabel II. Reúne las fotografías de este artista español de ese periodo residente en Berlín y una primera incursión en el vídeo. El antiguo depósito de agua es un espacio muy adecuado para un conjunto que tiene a ésta como protagonista en su forma más convulsa, cuando inunda  antiguos palacios barrocos, iglesias, bibliotecas o museos llenos de pinturas. También le acompaña nubes de polvo fruto de explosiones y el fuego. El resultado son imágenes de pesadilla, que combinan los lujos de aquellos monumentos históricos con la fuerza dramática de los elementos naturales. Las fotografías son de gran tamaño producto de la aplicación de los efectos digitales.

Los espacios quedan asolados. Los suelos hundidos o llenos de lodo y piedras, tras la fuerza de las aguas y el hielo. Sin duda son imágenes metafóricas que retratan un tiempo de crisis política y económica, de decadencia y desaparición de los valores culturales, como aquél que reflejó el escritor norteamericano, William Faulkner en su novela, El ruido y la furia. El espectador se pregunta, de qué valen los teatros y las enormes bibliotecas que fueron símbolos de una ideología religiosa y cultural imperante, ante las enormes fuerzas de la Naturaleza o la violencia destructiva del presente. 

La comisaria de la exposición, Alicia Murría, afirma que su mirada se tiñe de una cierta melancolía que alude a la fugacidad de las cosas, a su inconsistencia y fragilidad, y al determinante papel que el azar juega en nuestra vida. Por ello hay que establecer nuevas relaciones de respeto con la Naturaleza que estamos destruyendo sin ser consciente de su enorme poderío. Una fuerza dramática que sería indiferente a los más altivos y refinados productos de la inteligencia humana, que destruiría lo que una vez hicieron monarcas al frente de enormes imperios. La fotografía se convierte, por tanto, no en un documento objetivo del presente, sino en una premonición poética del futuro.

EN EL SENDERO DE LA VIDA

La película, ALMA SALVAJE (Wild) tiene todos los ingredientes para conseguir un Oscar. Por el director, Jean-Marc Vallée (Dallas Buyer Club), por el guionista, Nick Hornby (An Education), que adapta una historia de superación, basada en el libro de memorias de Cheryl Strayed, a la que interpreta la actriz, Reese Whiterspoon, en un papel hecho a  su medida, en la que ella además interviene de productora. Una historia centrada en el sufrimiento físico por la naturaleza salvaje al recorrer en solitario durante 1.100 millas el Sendero de las Cimas del Pacífico (Pacific Crest Trial), atravesando desiertos como el de Mojave y cumbres nevadas, el calor y el frío intenso, la sequía y la intensa lluvia, el acecho de la fauna animal y humana.

También es un recorrido por el sufrimiento psicológico y moral padecido desde la niñez hasta la juventud cuando contrajo matrimonio. Creció en una familia modesta con un padre maltratador, que los abandonó, junto a un hermano pequeño. Tuvo un gran amor por la madre camarera sin estudios como ella. Su vida se vino abajo cuando murió a causa del cáncer. Cayó en el sexo sin límites y en la drogadicción. Cheryl Strayed, después de perderlo todo, emprende la exigente marcha por el sendero para cambiar su vida. La película narra, entonces, esa auténtica odisea, entremezclada con los numerosos recuerdos obsesivos de su infancia, la relación con la madre, y la caída en desgracia.

Este largo periplo donde pone a prueba todos los recursos que tiene, se convierte en un proceso de autodescubrimiento, de hacerse a sí misma todas las preguntas difíciles, de enfrentarse a la vida de forma adecuada. Todo un viaje de redención que culmina con éxito. Ella llega a la meta después de padecer innumerables heridas en el cuerpo y de sentir miedo y amor, la necesidad de superar positivamente la soledad afectiva. La película se convierte así en un reto para la actriz que da vida a Cheryl, que expone su drama íntimo al espectador, con el que convive a lo largo del visionado.

La auténtica Cheryl Strayed aparece en fotografías cuando pasan los títulos de crédito al final de la película. Ésta se ha inspirado en alguna de ellas para construir el personaje principal sin olvidar el más mínimo detalle como los tatuajes del cuerpo o los hermosos paisajes del sendero. Completa el conjunto, la interpretación de Laura Dern, como la madre, y la banda sonora en la que sobresalen las canciones de Paul Simon, Homeward Bound y El Condor Pasa.

LOS VIAJES DE RICHARD FORD

Talavera. Vista desde el campo de batalla

Acaba de terminar la exposición, RICHARD FORD. VIAJES POR ESPAÑA (1830-1833), organizada por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y la Fundación Mapfre. Reunía unos doscientos dibujos y acuarelas del viajero inglés de un total de unas quinientas obras que realizó en la estancia y las rutas que hizo por España. Un legado que había permanecido en manos de la familia y que no era conocido por el gran público, porque no sirvieron de ilustración para el famoso libro que escribió sobre nuestro país titulado, Manual para viajeros por España y lectores en casa. El autor fue un caballero inglés que alcanzó la licenciatura en leyes, pero tuvo un mayor interés por el arte. 

Mérida. Acueducto de los Milagros

Llegó a España por razones de salud de su esposa Harriet necesitada de un clima benigno y se dejó seducir por la cultura y el arte hispano. Escribió lo siguiente: Los (viajeros) que aspiran a lo romántico, lo poético, lo sentimental, lo artístico, lo antiguo, lo clásico, en una palabra a cualquier tema sublime y bello, encontrarán en el actual y en el antiguo estado Español, material suficiente, si vagan con cuaderno y lapiz en ristre por este curioso país, que oscila entre Europa y África, entre la civilización y la barbarie. Es lo que hizo él, residir en Sevilla y Granada y realizar numerosos trayectos, en diligencia y a caballo, sobre todo centrados en la costa mediterránea, la Ruta de la Plata y en Madrid y su entorno histórico.

Toledo. Vista hacia San Juan de los Reyes

Richard Ford no fue un artista profesional aunque tenía gran gusto y aptitudes para el dibujo y el arte. Las numerosas obras que hizo, entre las que se incluyen acuarelas, pretendían reflejar la belleza de los paisajes urbanos, llenos de antiguos monumentos romanos y orientales. España que había padecido las guerras napoleónicas, vivía la transición entre el Antiguo Régimen y la modernidad industrial. Este momento de inicio a una época es la que conoce el viajero inglés. De ahí el valor documental de muchos dibujos, porque este tuvo también un interés objetivo, prefotográfico, al fijarse por rincones o vistas no significativas. Por eso algunas imágenes sorprenden al espectador por la radical transformación que han sufrido los lugares retratados que se mantenían incólumes practicamente desde la Edad Media.

Sevilla. Iglesia del monasterio de Santa Paula

España era un Oriente cercano y confortable para la Europa de la época. Ford trató de captarla en pequeños cuadernos y en papeles de diversa calidad y formato, que la exposición agrupa principalmente según los lugares recorridos: Sevilla, Granada, la Ruta de la Plata, y Madrid. Unos itinerarios que no se ofrecen aislados sino contextualizados en los diferentes temas presentes en su obra: los paisajes de España; las vistas de ciudades desde la distancia; los monumentos del pasado; y el orientalismo. Un conjunto que se completa con un grupo de obras realizadas por su mujer.