DRAMA EN LA LUCHA LIBRE

La película FOXCATCHER, dirigida por Bennet Miller ganó el premio al Mejor Director en el pasado Festival de Cannes y hoy es cadidata a cinco premios Oscar. Un palmares merecido para una historia basada en hechos reales que el director recrea en la ficción con la pretensión de atenerse a la verdad. Para ello emplea un estilo alusivo, no explícito y realista muy del gusto del festival francés. Una gran manera de emplear el lenguaje cinematográfico caracterizada por la sobriedad y la contención desarrollado con un ritmo pausado. El objetivo es retratar a los personajes principales en sus circunstancias propias en las que juega un papel esencial el aspecto psicológico.


El papel protagonista lo ejerce el luchador, Mark Shultz, Channing Tatum, ganador junto a su hermano, David, Mark Ruffalo, de una medalla de oro en los Juegos Olímpicos de 1984. Este ejerce de entrenador de su hermano, que se encuentra sólo y hundido sin recursos. Las cosas cambian cuando el millonario John E. DuPont, Steve Carell, aficionado a la lucha libre, le invite a instalarse en su finca, llamada Foxcatcher, para que junto a otros luchadores formen un equipo ganador de los mundiales y de los próximos Juegos Olímpicos de Seul. Mark tenía una personalidad débil, muy dependiente emocionalmente de su hermano. 

Sin embargo, la situación de Mark en el equipo se deteriora tras las primeras victorias. John DuPont es un hombre que tiene la lucha libre como un capricho más en su vida y se vale de la misma para satisfacer sus delirios de grandeza. Es aficionado a todo tipo de armas y se hace llamar águila dorada para mostrar su patriotismo. De esta manera, Mark cae en la desidia y en el consumo de drogas que le proporciona. DuPont, entonces, llama a su hermano, que se traslada con la familia a la finca. Sin embargo, Mark no aguanta la situación, el ser sustituido por Dave en la organización y en las pretensiones del millonario, así que decide dejar la lujosa residencia, sin abandonar la preparación.


El equipo de Foxcatcher, que representa a los EEUU fracasa en los Juegos Olímpicos. Todo parece seguir igual después, hasta que se desencadena la tragedia. John DuPont al sentirse frustrado en ser un manager y patrocinador victorioso de la lucha libre, asesina a Dave de repente, que nunca se había dejado manipular por sus delirios. Tenía una personalidad más fuerte que Mark y lo que buscaba ante todo era la seguridad económica de su familia. Una vez terminada la película se informa a los espectadores lo que les deparó el futuro a los protagonistas. DuPont murió en la cárcel y Mark se convirtió primero en un luchador profesional, y luego en un entrenador.

FOTOGRAFÍAS DE PABLO GENOVÉS

La Comunidad de Madrid organiza la exposición, PABLO GENOVÉS. EL RUIDO Y LA FURIA. Obras 2009-2014, en la sala del Canal Isabel II. Reúne las fotografías de este artista español de ese periodo residente en Berlín y una primera incursión en el vídeo. El antiguo depósito de agua es un espacio muy adecuado para un conjunto que tiene a ésta como protagonista en su forma más convulsa, cuando inunda  antiguos palacios barrocos, iglesias, bibliotecas o museos llenos de pinturas. También le acompaña nubes de polvo fruto de explosiones y el fuego. El resultado son imágenes de pesadilla, que combinan los lujos de aquellos monumentos históricos con la fuerza dramática de los elementos naturales. Las fotografías son de gran tamaño producto de la aplicación de los efectos digitales.


Los espacios quedan asolados. Los suelos hundidos o llenos de lodo y piedras, tras la fuerza de las aguas y el hielo. Sin duda son imágenes metafóricas que retratan un tiempo de crisis política y económica, de decadencia y desaparición de los valores culturales, como aquél que reflejó el escritor norteamericano, William Faulkner en su novela, El ruido y la furia. El espectador se pregunta, de qué valen los teatros y las enormes bibliotecas que fueron símbolos de una ideología religiosa y cultural imperante, ante las enormes fuerzas de la Naturaleza o la violencia destructiva del presente. 


La comisaria de la exposición, Alicia Murría, afirma que su mirada se tiñe de una cierta melancolía que alude a la fugacidad de las cosas, a su inconsistencia y fragilidad, y al determinante papel que el azar juega en nuestra vida. Por ello hay que establecer nuevas relaciones de respeto con la Naturaleza que estamos destruyendo sin ser consciente de su enorme poderío. Una fuerza dramática que sería indiferente a los más altivos y refinados productos de la inteligencia humana, que destruiría lo que una vez hicieron monarcas al frente de enormes imperios. La fotografía se convierte, por tanto, no en un documento objetivo del presente, sino en una premonición poética del futuro.

EN EL SENDERO DE LA VIDA

La película, ALMA SALVAJE (Wild) tiene todos los ingredientes para conseguir un Oscar. Por el director, Jean-Marc Vallée (Dallas Buyer Club), por el guionista, Nick Hornby (An Education), que adapta una historia de superación, basada en el libro de memorias de Cheryl Strayed, a la que interpreta la actriz, Reese Whiterspoon, en un papel hecho a  su medida, en la que ella además interviene de productora. Una historia centrada en el sufrimiento físico por la naturaleza salvaje al recorrer en solitario durante 1.100 millas el Sendero de las Cimas del Pacífico (Pacific Crest Trial), atravesando desiertos como el de Mojave y cumbres nevadas, el calor y el frío intenso, la sequía y la intensa lluvia, el acecho de la fauna animal y humana.

También es un recorrido por el sufrimiento psicológico y moral padecido desde la niñez hasta la juventud cuando contrajo matrimonio. Creció en una familia modesta con un padre maltratador, que los abandonó, junto a un hermano pequeño. Tuvo un gran amor por la madre camarera sin estudios como ella. Su vida se vino abajo cuando murió a causa del cáncer. Cayó en el sexo sin límites y en la drogadicción. Cheryl Strayed, después de perderlo todo, emprende la exigente marcha por el sendero para cambiar su vida. La película narra, entonces, esa auténtica odisea, entremezclada con los numerosos recuerdos obsesivos de su infancia, la relación con la madre, y la caída en desgracia.

Este largo periplo donde pone a prueba todos los recursos que tiene, se convierte en un proceso de autodescubrimiento, de hacerse a sí misma todas las preguntas difíciles, de enfrentarse a la vida de forma adecuada. Todo un viaje de redención que culmina con éxito. Ella llega a la meta después de padecer innumerables heridas en el cuerpo y de sentir miedo y amor, la necesidad de superar positivamente la soledad afectiva. La película se convierte así en un reto para la actriz que da vida a Cheryl, que expone su drama íntimo al espectador, con el que convive a lo largo del visionado.

La auténtica Cheryl Strayed aparece en fotografías cuando pasan los títulos de crédito al final de la película. Ésta se ha inspirado en alguna de ellas para construir el personaje principal sin olvidar el más mínimo detalle como los tatuajes del cuerpo o los hermosos paisajes del sendero. Completa el conjunto, la interpretación de Laura Dern, como la madre, y la banda sonora en la que sobresalen las canciones de Paul Simon, Homeward Bound y El Condor Pasa.

LOS VIAJES DE RICHARD FORD

Talavera. Vista desde el campo de batalla
Acaba de terminar la exposición, RICHARD FORD. VIAJES POR ESPAÑA (1830-1833), organizada por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y la Fundación Mapfre. Reunía unos doscientos dibujos y acuarelas del viajero inglés de un total de unas quinientas obras que realizó en la estancia y las rutas que hizo por España. Un legado que había permanecido en manos de la familia y que no era conocido por el gran público, porque no sirvieron de ilustración para el famoso libro que escribió sobre nuestro país titulado, Manual para viajeros por España y lectores en casa. El autor fue un caballero inglés que alcanzó la licenciatura en leyes, pero tuvo un mayor interés por el arte. 

Mérida. Acueducto de los Milagros
Llegó a España por razones de salud de su esposa Harriet necesitada de un clima benigno y se dejó seducir por la cultura y el arte hispano. Escribió lo siguiente: Los (viajeros) que aspiran a lo romántico, lo poético, lo sentimental, lo artístico, lo antiguo, lo clásico, en una palabra a cualquier tema sublime y bello, encontrarán en el actual y en el antiguo estado Español, material suficiente, si vagan con cuaderno y lapiz en ristre por este curioso país, que oscila entre Europa y África, entre la civilización y la barbarie. Es lo que hizo él, residir en Sevilla y Granada y realizar numerosos trayectos, en diligencia y a caballo, sobre todo centrados en la costa mediterránea, la Ruta de la Plata y en Madrid y su entorno histórico.

Toledo. Vista hacia San Juan de los Reyes
Richard Ford no fue un artista profesional aunque tenía gran gusto y aptitudes para el dibujo y el arte. Las numerosas obras que hizo, entre las que se incluyen acuarelas, pretendían reflejar la belleza de los paisajes urbanos, llenos de antiguos monumentos romanos y orientales. España que había padecido las guerras napoleónicas, vivía la transición entre el Antiguo Régimen y la modernidad industrial. Este momento de inicio a una época es la que conoce el viajero inglés. De ahí el valor documental de muchos dibujos, porque este tuvo también un interés objetivo, prefotográfico, al fijarse por rincones o vistas no significativas. Por eso algunas imágenes sorprenden al espectador por la radical transformación que han sufrido los lugares retratados que se mantenían incólumes practicamente desde la Edad Media.

Sevilla. Iglesia del monasterio de Santa Paula
España era un Oriente cercano y confortable para la Europa de la época. Ford trató de captarla en pequeños cuadernos y en papeles de diversa calidad y formato, que la exposición agrupa principalmente según los lugares recorridos: Sevilla, Granada, la Ruta de la Plata, y Madrid. Unos itinerarios que no se ofrecen aislados sino contextualizados en los diferentes temas presentes en su obra: los paisajes de España; las vistas de ciudades desde la distancia; los monumentos del pasado; y el orientalismo. Un conjunto que se completa con un grupo de obras realizadas por su mujer.

IMPRESIONISMO AMERICANO

Mujer sentada con niño, Mary Cassat, 1890
El Museo Thyssen es uno de los organizadores de la exposición, IMPRESIONISMO AMERICANO, que se exhibe en Madrid hasta febrero. Reune un conjunto de obras de aquellos pintores que convivieron con los pintores franceses que recibieron ese nombre e incluso expusieron con ellos en París. Contribuyeron a difundir el nuevo estilo en los EEUU entre la clientela y a que otros artistas siguieran el mismo camino. También en 1886 se produjo la primera gran exposición en Nueva York impulsada por el marchate Durand Ruel. 

Dennis M. Bunker pintando en Calcot, Sargent, 1888
La nueva forma de pintar se centraba en el interés por representar los efectos de la luz sobre el paisaje natural y urbano, sin dejar de lado el retrato. Las sobras se colorean y la aplicación de la pincelada es más suelta y corta, formada por pequeñas aplicaciones de color que se funden en la retina del espectador.
La muestra se organiza en cinco secciones: Cassatt, Sargent y los impresionistas; Escenas urbanas. Nueva York, Boston y Chicago; Impresionismo whistleriano; y Escena y paisajes americanos.

Nocturno: Azul y plata, Chelsea, 1871, Whistler
Mary Cassat y John Sargent vivieron en París durante los años de nacimiento y desarrollo del impresionismo. La primera expuso en cuatro de las ocho exposiciones del grupo. Se interesó por la moda y el ocio de la nueva burguesía a través de imágenes de mujeres al igual que Morisot, Degas y Manet. Sargent llegó a practicar la pintura al aire libre después de visitar a Monet en Giberny. Un grupo de pintores norteamericanos se establecieron en esta ciudad a partir de 1887, pero sólo unos pocos mantuvieron una relación estrecha con el maestro, como Theodore Robinson y John Leslie Breck. Este estudió los efectos cambiantes de la luz mediante la representación de almiares a distintas horas, siguiendo el ejemplo del maestro.

Tres hermanas. Estudio bajo el sol de junio, 1890, E. Tarbell
Whistler forma un capítulo aparte, de un lado como influencia en los miembros del grupo impresionista, a los que nunca se unió estrictamente, como en otros compatriotas más tarde. Así a John Henry Twachtman, Thomas Wilmer Dewing y William Merrit Chase les cautivó sus paisajes que tendían a la monocromía y a la abstracción. En 1898 expuso por primera vez un grupo de pintores conocido como Los Diez vinculados al impresionismo. Representaban escenas de mujeres y niños al aire libre que daban una imagen optimista y luminosa de las clases medias y altas norteamericanas. Este grupo de cuadros forman el último capítulo que sobresale por la selección precisa y el gusto exquisito.

LA CRISIS DEL ESTADO

La película LEVIATÁN del director ruso Andrey Zvyagintsev ganó el premio al Mejor Guión en el pasado Festival de Cannes. Un merecido galardón para una historia que parte de la idea del filósofo inglés Thomas Hobbes que en el estado de naturaleza existe una guerra de todos contra todos por la supervivencia. Entonces se hace necesario una renuncia de la libertad en favor de una autoridad representada en el Estado a través de un pacto. Este procura el bien de los súbditos y es el origen de la organización social. Sin embargo el problema surge cuando la autoridad política y el propio Estado no respetan las leyes que deben aplicar y se convierten en organismos despiadados en favor de intereses personales o de organizaciones de poder.

La película cuenta cómo el alcalde de una ciudad costera al norte de Rusia quiere expropiar la casa y el terreno circundante junto con el taller de mecánica de Kolia, el protagonista, por una ridícula suma de dinero. Este le hace frente recurriendo a la justicia que está controlada por el regidor. Para ello también se vale de la ayuda de un abogado amigo suyo que le amenaza al alcalde con rebelar su comportamiento criminal. Cuando tiene conseguida una suma de varios millones de rublos, el alcalde le secuestra y le obliga a huir a Moscú.

El relato principal se interrelaciona con el de las circunstancias familiares del protagonista, que vive con su segunda mujer y el hijo adolescente que había tenido con la primera. Un relato centrado en la infidelidad de la joven esposa, Lylia con el amigo del marido que viene a ayudarles. La casi inevitable expropiación de la casa, la difícil convivencia con el marido y el hijastro que le rechaza, le llevará al suicidio en unos abruptos acantilados frente al mar. 

Este hecho será aprovechado por el alcalde, haciéndose valer de la corrupción de la justicia,  para acusar a Kolia de asesinato. Por un lado logra la venganza y por otro, desparece ya cualquier impedimento para acometer la expropiación. La historia termina con la destrucción de la casa de éste y la inauguración del nuevo edificio que es una  flamante iglesia, sin duda la principal beneficiaria por la connivencia con el poder político de este derroche de injusticia, de perdida de la propiedad privada y de la libertad individual. Manifestación de un estado autoritario, no democrático, que no le importa emplear la violencia para satisfacer los intereses de una oligarquía.

EL ENIGMA DE ALAN TURING

A finales del siglo XX y comienzos del siglo XXI se está produciendo una revolución tecnológica. El ser humano se vale de las máquinas, de los ordenadores para mejorar todos los aspectos de la vida, desde el sistema  productivo hasta el aprendizaje, pasando por las comunicaciones. La mayoría de la población lleva hoy uno consigo día y noche. Éstas se perfeccionan año tras año y se vislumbra la convivencia con robots en el futuro. Estos cambios que avanzan a una gran velocidad que el ser humano está asimilando con dificultad, no se han producido de la noche a la mañana, si no que fueron iniciados de forma primitiva a mediados del pasado siglo. 


Una de las mentes privilegiadas que puso las bases para su posterior desarrollo fue el matemático y profesor, Alan Turing, cuyas extraordinarias circunstancias que rodearon su vida son motivo de la película, THE IMITATION GAME (Descifrando Enigma), dirigida por el director noruego, Morten Tyldum, con un buen guión de Andrew Hodges y Graham Moore, basándose en un libro biográfico del personaje. El título hace referencia a un artículo del mismo que detallaba el método para determinar si algo parte de una máquina o de una persona real. Se puede añadir que el juego es un elemento fundamental en el planteamiento teórico de las máquinas y en la manera de ralacionarse con ellas los seres humanos.


La vida dramática de Alan Turing, un personaje que provocaba el rechazo de la gente por su soberbia y falta de empatía, tiene en su apuesta por las máquinas y el ser pionero de la informática actual el primer aspecto a destacar. El que resulta central en la película se refiere a que logró descifrar Enigma, la máquina alemana que encriptaba los mensajes durante la Segunda Guerra Mundial. Lo logró liderando un equipo heterogéneo de académicos, lingüistas, campeones de ajedrez y oficiales de inteligencia. También covenciendo al propio primer ministro Winston Churchill de que había que invertir una cuantiosa cifra de dinero en construir un artefacto electrónico que hiciera frente al sofisticado procedimiento del enemigo. La mente humana era incapaz de ello.


Así lo hicieron descubriendo que los mensajes repetían siempre el comienzo aludiendo al tiempo atmosférico y saludando al führer. La dificultad estaba en que los alemanes cambiaban la clave diariamente. También tuvieron que mantener en secreto tal hallazgo para que aquellos no variasen el aparato durante la guerra, lo que supuso limitar la información a determinadas acciones de guerra que de todas las maneras acortaron el conflicto y evitaron millones de muertos. El secreto se mantuvo después de la contienda marcando la vida de los protagonistas. Eran unos héroes de guerra pero también exmiembros de los servicios de inteligencia. Tal información no se desveló hasta muchos años después.


La vida y la personalidad de Alan Turing determina el desarrollo del relato fílmico. La homosexualidad estaba prohibida y castigada en el Reino Unido por aquellos años. Esto le influyó desde joven en las relaciones sociales, provocándole la soledad y el rechazo. Desde que estaba estudiando en la universidad; durante la guerra cuando él no veía un inconveniente trabajar con mujeres, por aquella época considerado hasta cierto punto indecoroso; y después, cuando en el año 52 le detienen y condenan por indecencia grave, tras averiguar la policía que mantenía relaciones con hombres. Fue condenado a la castración química durante un año, tras lo cual se suicidó a los 41 años.


El argumento, por tanto, destaca por la riqueza de perspectivas: el conflicto bélico; las relaciones humanas; la importancia de las máquinas inteligentes adelantándose al futuro, y la propia vida del malogrado científico. Esto hace que la película se estructure en base a dos flash backs, uno inserto en otro. Primero un tiempo en los años 50 cuando le detiene la policía y le interroga. Segundo el pasado, recuerdo de los sucesos de la guerra. Tercero, otro pasado, recuerdo de su juventud, que explica y marca el origen de su carácter y orientación sexual.


Un personaje incomprendido y maltratado por una sociedad todavía no suficientemente libre, que frustró las posibilidades de realizar mayores aportaciones al bienestar humano. Recientemente el gobierno británico rehabilitó su prestigio y la reina de Inglaterra le condecoró a título póstumo. El que se convirtió en héroe de guerra contra la tiranía del nazismo, luego pereció por una opresión semejante de una sociedad inglesa que proclamaba la libertad.

SOROLLA EN ESTADOS UNIDOS

Louis Comfort Tiffany, 1911
En estos primeros días de enero termina las exposición, SOROLLA Y ESTADOS UNIDOS, en la Fundación Mapfre de Madrid. Constituye una amplia muestra de la obra del artista valenciano que muestra el éxito internacional alcanzado primero en Europa donde se dio a conocer en la década de los noventa del siglo XIX, y luego en Estados Unidos, cuando ya había alcanzado todos los grandes premios y honores a los que un pintor español de su época podía aspirar. El conjunto se divide en nueve secciones: Sorolla en Estados Unidos antes de 1909; Huntington, mecenas; Retratos pintados en Estados Unidos y de estadounidenses pintados en Francia; Mar y playas en las exposiciones de 1909 y 1911; Retratos vendidos en Estados Unidos; Paisajes y jardines; El otro mecenas, Thomas Fortune Ryan; Estudios, apuntes y notas de color; y Dibujos y guaches.

Playa de Valencia, Luz de mañana, 1908
La mayor parte de las obras que componen esta muestra corresponden a la época de madurez del artista y fueron coleccionadas por las élites estadounidenses, que admiraban el estilo del pintor, por una parte enraizado en la tradición española de Velázquez, y por otra, plenamente moderno, según las corrientes de la época desde el impresionismo. Tuvo un éxito arrollador por las obras vendidas en las exposiciones de  1909 y 1911, por los encargos recibidos entre esas dos fechas, y posteriores hasta sus últimos años. En gran parte se debió a las demandas del mecenas e hispanista, Archer Milton Huntington, creador de la Hispanic Society of America. También se incluyen los nombres de Thomas Fortune Ryan o Louis Comfort Tiffany, siendo el primero otro de sus importantes benefactores.

¡Triste herencia!, 1899
La exposición es un compendio de las mejores pinturas y de los géneros tratados por el artista. A pesar de obras con un fuerte componente social, como ¡¡ Otra Margarita!! y ¡Triste herencia!, sobresalen los retratos, de los cuales era un maestro excepcional, que representan a los reyes españoles, a la aristocracia norteamericana, y a los intelectuales y escritores; y sobre todo, a través de las escenas de playa, una España mediterránea y luminosa, que le ha dado fama hasta convertirse en uno de los grandes nombres de la pintura de nuestro país. Por otra parte tienen una personalidad original, los paisajes y jardines, y finalmente, los dibujos y guaches.

Niños a la orilla del mar, 1903
El estilo de Sorolla apuesta por la captación de la luz y sus efectos según su incidencia en los cuerpos, la vegetación y el agua. La pincelada se manifiesta con libertad en la superficie del lienzo cuya principal preocupación es la percepción a través del color. La influencia de la fotografía se hace evidente en las composiciones. Un ejemplo claro son los guaches realizados desde la ventana del hotel Savoy de Nueva York. Se sabe que el se inició como ayudante en el estudio del fotógrafo Antonio García, padre de su mujer Clotilde. Así pues, el visitante de la exposición llega a tener la idea de un artista incansable totalmente inmerso en el arte de la pintura, que no puede dejar de dibujar ni cuando está en la mesa de un restaurante como lo demuestran las conservadas en cartulinas del menú.

EL IMPOSTOR Y LA MUJER ARTISTA

A lo largo de la Historia del Arte ha habido un número muy pequeño de mujeres artistas en relación con los hombres. El papel desempeñado por la mujer en la cultura y sociedad occidental hasta el mundo contemporáneo explica tal asimetría. Tendría que llegar el siglo XX para empezar a poner fin a la desigualdad de género. Cada vez hubo más mujeres que tenían una mayor formación académica y hacían valer los derechos políticos y sociales que les correspondían. Este hecho se relaciona con la prosperidad económica a finales de los años 50 y la libertad conseguida con la revolución sexual de los 60.


Este es el contexto de la película, BIG EYES, dirigida y producida por Tim Burton, que cuenta la historia real de la artista Margaret Keane. Una mujer que escapó de su marido con su hija para ser independiente y ganarse la vida, para caer en manos de un impostor que se hace pasar por un pintor que había residido en Francia, sin tener ninguna aptitud para ello. Después de casarse de nuevo, pronto se dará cuenta que las pinturas enigmáticas de niños solitarios con grandes ojos tienen mucho más éxito que las obras de su marido. Éste tiene dotes para las relaciones sociales y el negocio artístico frente al carácter más introvertido de Margaret, hasta el punto que se apropia de la autoría de los cuadros.


De esta manera se construyó una gran mentira que alcanzó grandes proporciones, basándose en el éxito de las pinturas de niños y a los revolucionarios procedimientos de comercialización del arte que se inventó Walter Keane. Unos métodos que se centraban por una parte en la venta de las obras en su propia galería para los clientes más adinerados, y por otra, en la difusión de los que hoy se denomina, merchandising, de las propias imágenes de los cuadros, en carteles y en múltiples reproducciones en supermercados. Las consecuencias fueron la popularidad y el enriquecimiento de los Keane.


Sin embargo, tal situación llegó a un límite cuando Walter tuvo que salir en defensa de las pinturas que fueron duramente criticadas por el especialista en arte del New York Times. No podía explicarlas correctamente porque las motivaciones últimas del estilo las llevaba Margaret dentro de ella. Atendían a la expresión de las emociones y a las cualidades de la mirada como espejo de una espiritualidad, de alma humana. También, ésta ya no aguantaba el comportamiento interesado y violento del primero, del que se separa huyendo a Hawai, pero que a cambio del divorcio tiene que ceder los derechos de sus obras.


En las islas del Pacífico, Margaret difunde por la radio que ella es la autora de los cuadros y lleva a juicio a su exmarido. En éste, el juez para despejar dudas y observando las cualidades de embaucador de Walter, les oblida a pintar un cuadro en una hora. El resultado es la victoria de una mujer que por debilidad frente al hombre, tuvo que ceder la libertad y el talento personal. Al final de la película se incluyen fotografías reales de los protagonistas. Walter no volvió a pintar aunque siguió afirmando que era el autor de las pinturas hasta su muerte en el año 2000. Margaret, ya anciana, aparece junto a la actriz que le interpreta, Amy Adams, como ejemplo de mujer artista que luchó por la igualdad.

UNA VICTIMA DE LA GUERRA MUNDIAL

La película INVENCIBLE (Unbroken) dirigida por Angelina Jolie narra la vida heroica de Louis Zamperini, basándose en el libro homónimo de Laura Hillenbrand. Una historia de superación y supervivencia. Nacido en una familia humilde de inmigrantes italianos, logró participar con sólo 19 años en los Juegos Olímpicos de 1936 junto al legendario, Jesse Owens. El comienzo de la Segunda Guerra Mundial truncó su carrera al convertirse en tripulante de un bombardero. Un destino arriesgado que le llevaría a tener un accidente el mes de abril de 1943 cuando su avión cayó al Pacífico.


Louie y el capitán Phillips lograron aguantar en una balsa a la deriva durante 47 días, un récord absoluto en los anales de supervivencia en el mar, apesar de las heridas, el ataque de los tiburones, la falta de alimento y agua y los ametrallamientos, hasta que fueron rescatados por los japoneses. En este momento comienza un nuevo calvario de malos tratos y trabajos forzados al ser internado en diferentes campos de prisioneros en Japón. Además de la difícil situación diaria, tuvo que soportar el sadismo del jefe de aquellos, el criminal de guerra, Mutsuhiro Watanabe, llamado El Pájaro, por el que recibió continuos golpes y palizas.


Los japoneses conocedores de su fama como atleta le ofrecieron realizar programas de radio en Tokio como propaganda contra su propio país. Él rechazó tales propuestas lo que le llevó al borde de la muerte por el trabajo forzado y los malos tratos. La victoria de los norteamericanos le permitió regresar, sin embargo, su vida era un auténtico infierno por el Estrés Postraumático. La paz espiritual llegaría tras casarse y llevar una vida religiosa intensa. A partir de este momento se dedicaría a defender el perdón frente a las ansias de venganza.


La película termina en este punto a partir del cual emplea fotografías e imágenes de vídeo reales. El volvería a Japón para reconciliarse con algunos de sus verdugos, porque el famoso criminal de guerra, se negó a verle, aunque fue perdonado por EEUU. Lograría portar la antorcha de los Juegos Olímpicos de invierno de aquél país con ochenta años. Louis Zamperini murió en 2014 con 97 años. Una larga vida de ejemplo para mostrar que la perseverancia y la fuerza por la superación lograron vencer el fanatismo y la violencia de la guerra.