EL ORIGEN DE FACEBOOK

LA RED SOCIAL ( The Social Network ) es una magnífica película del director David Fincher sobre el peculiar origen de Facebook, la más importante red social por internet. Basada en el preciso guión de Aaron Sorkin, muestra la biografía dramática de su creador, Mark Zuckerberg, hoy el milmillonario más joven del mundo.

La película atrapa al espectador en su metraje de dos horas desde principio a fín. El protagonista es un joven estudiante de Harvard, genio precoz en el dominio de la red, pero a la vez, un solitario hacker con más éxito delante de la pantalla del portatil que en las relaciones sociales. De hecho, por despecho de su única novia de la universidad, decide piratear la red interna de la misma, y a partir de ahí, con su éxito, ir fraguando lo que sería, el famoso Facebook. Porque esta red social tuvo su origen en el ámbito universitario estadounidense, para luego extenderse a todos los campos de actividad humana a nivel internacional. Hoy es un exitoso negocio, donde se cumple la máxima de la prestigiosa universidad, donde los estudiantes no van a formarse para encontrar un buen puesto de trabajo, sino para crearlos.

El argumento se centra en las dos demandas que tuvo Mark Zuckerberg, casi desde el principio de creación de Facebook, puestas por sus compañeros de la universidad que le ayudaron o conocieron. El espectador puede ver el desarrollo del proceso judicial, mientras que las imágenes cuentan en diferentes flashback, las circunstancias que propiciaron las demandas. Sabemos que las dos las resolvió con dinero. Una es verdaderamente injusta por cuanto se la impusieron unos compañeros ricos que querían hacer una red social sólo en la universidad de Harvard y querían contratarle como programador, envidiosos de su fortuna por abandonarles en su proyecto. Otra, más justa, por el amigo que financió al principio la red social, y al que traicionó.

Nos queda al final de la película un retrato afortunado del cofundador de Facebook, genial para el manejo de los recursos informáticos, pero una personalidad muy normal para las relaciones sociales y los negocios. En la última escena se ve cómo el protagonista ya rico, abre su propia red y acepta la amistad de la primera novia que le había abandonado como si todo lo hasta hora visto fuera una rabieta de joven inmaduro.

CINE SOCIAL

El director Fernando León de Aranoa demuestra en su nueva película, AMADOR, su talento como brillante guionista. En la promoción, antes de su estreno, se podía adivinar ya el argumento según el trailer: una cuidadora de un anciano mantiene el cuerpo del mismo una vez muerto en casa. Después de ver la película podemos decir que es por dinero para mantener los gastos y el negocio del marido dedicado a la venta clandestina de flores. Sin embargo según transcurre la misma adivinamos que su matrimonio no va bien y quiere abandonar a su marido infiel; que Marcela la protagonista está embarazada cuando no tiene recursos económicos para mantener a su futuro hijo, y que la familia del muerto, Amador, consiente lo que está haciendo Marcela, porque ellos también necesitan seguir cobrando la pensión del viejo.

Todo se va descubriendo a la vez que transcurre la película, que va tejiendo las distintas informaciones sobre los personajes y lo que les sucede para ir profundizando en lo que quiere transmitir el director. Nos dice Amador que la vida es un puzzle en el cual vas poniendo cada vez una pieza, a veces de manera inconsciente. Él en el momento de morir se queda sin poner la última, se la pondrá Marcela. La película reflexiona sobre la vida, la del que va a nacer, sus circunstancias económicas difíciles, el amor y el desamor, y la muerte.

Marcela y su marido son inmigrantes iberoamericanos que se ganan la vida como pueden. Ella es la auténtica protagonista formal de la película en casi todos sus planos, sobre todo los que captan sus emociones. Hay uno que se repite constantemente a lo largo del metraje. Marcela se encuentra en la cocina o en el salón sentada y la cámara le capta desde lejos a través de los espacios de la casa. El ritmo de la película es sereno, a veces repetitivo, donde se cuidan de forma particular los encuadres. En general, tiene un aspecto documental que refuerza el compromiso social de la película y del director.

MIRADA SINGULAR

Un complemento adecuado de la muestra de pintura americana en las salas de exposiciones de la Fundación Mapfre, es la dedicada al fotógrafo y profesor de Arte, JOHN GUTMANN, que llegó al nuevo continente en la  convulsa década de los treinta huyendo de la persecución nazi a los judíos. Las fotografías que puede disfrutar el espectador pertenecen a estos años y a la década posterior cuando él se siente fascinado con el nuevo país de acogida, su libertad de costumbres, de la sociedad en general. Con un estilo personal refleja sus gentes y paisajes, el nacimiento y los gustos de la futura sociedad de consumo, la vida urbana, los personajes grotescos y marginales de la misma, la propia guerra mundial donde sirvió como fotógrafo. Este interés creativo le lleva a fijarse especialmente en el lenguaje del grafiti que capta en las calles asociado a los jóvenes. Así pues, la mirada de John Guttmann se convierte en un verdadero oráculo de los gustos futuros en la cultura norteamericana posterior.

ARTE AMERICANO

En la sala de exposiciones de la Fundación Mapfre se desarrolla la muestra, Made in USA. ARTE AMERICANO DE LA PHILLIPS COLLECTION, que nos da a conocer la evolución de la pintura norteamericana desde finales del siglo XIX hasta después de la Segunda Guerra Mundial. Recorre un trayecto parecido al que realiza la pintura contemporánea, desde el realismo, pasando por el impresionismo, fauvismo, cubismo, hasta llegar al expresionismo abstracto. Todos los autores son norteamericanos como indica el título de la exposición con la particularidad que fueron seleccionados por el coleccionista y mecenas, Duncan Philips, un auténtico entendido y pionero del gusto moderno. De hecho, fue el comprador de las primeras obras que entraron en un museo de artistas como Georgia O´Keeffe o Edward Hopper. Apostó más que por un estilo concreto, por la calidad de la obra de un autor.

Si hasta la Segunda Guerra Mundial la pintura norteamericana recibió las influencias europeas, en particular de París, después al sustituirla Nueva York como centro de arte internacional, es ella la que va a marcar la pauta global. Esto se refleja en la muestra al poder disfrutar de ejemplos de Mark Rothko, Adolf Gottlieb, San Francis, Robert Motherwell y Clyfford Still.

Podemos decir que el espectador sale satisfecho de esta amplia exposición que refleja las características propias de una pintura norteamericana no tan conocida por el gran público. Unos aspectos relacionados con ser un continente nuevo donde los grandes espacios se imponen al ser humano al principio; luego marcada por su rápido progreso industrial y urbano; finalmente por la variedad étnica y racial de la población de origen inmigrante que marcan una especial sensibilidad.

INFANCIA VULNERADA

ELISA K. es una película dirigida por Judith Colell y Jordi Cadena con un guión escrito por este último basado en la novela Elisa Kiseljak de Lolita Bosch, que ha sido premiada con acierto en el último Festival de San Sebastián. Narra la violación de Elisa siendo una niña a punto de cumplir once años por un amigo de su padre en el momento que éste se encontraba dormido y su hermano estaba jugando en la terraza. La mayor parte de la película se refiere al año 1994 y cuenta este hecho en un día de encuentro entre los dos padres con sus hijos. También las consecuencias inmediatas para la niña que baja su rendimiento en el colegio y entristece su carácter hasta que las circunstancias hagan que lo olvide después de ocultarlo. Elisa al final logra llegar a la universidad apoyada por su maestro. Esta primera parte termina cuando ella marcha fuera de España para continuar su carrera. 

La segunda parte, y más breve, catorce años después, cuenta el momento que recuerda aquella violación que había permanecido latente. Un ataque de pánico, de miedo a no poder superar aquél suceso le obligan a interrumpir sus estudios y contar lo sucedido a su familia, la única manera de poder quitarse ese hecho que permanecía ahora constante en su cabeza.

La primera parte,el pasado, y por tanto casi toda la película es en blanco y negro en la que una voz en off, en tercera persona, de forma objetiva complementa el escaso diálogo de los personajes. De la misma forma, el lenguaje cinematográfico es sencillo, valorando más la alusión a través del montaje significativo, especialmente en esta parte. El inmediato sufrimiento de la niña se simplifica con una primera imagen llorando que corta el violador con la promesa de que le va a  hacer un regalo o el rostro ensimismado posterior.

El momento visual más intenso para el espectador es cuando Elisa tiene el horrible recuerdo de aquel suceso. En él llega a encontrarse consigo misma, desnuda, aludiendo a la verdad. También al sufrimiento de su propio cuerpo herido por el drama al caminar por los cristales del espejo que había roto por mostrarla.

Los directores emplean con gran eficacia y belleza los primeros planos y los planos detalle de los actores y de los objetos. Sobresalen los de Elisa, tanto de niña como de joven estudiante, cuyas actrices mantienen un  cierto parecido. Igualmente las imágenes de los personajes reflejados en cristales o a través de ellos, que permite la distancia sobre lo que se ve o la metáfora de que la película no es la realidad sino una  apariencia de la misma que permite así una mejor contemplación. Finalmente queda en el recuerdo del espectador la música de Beethoven en la famosa obra de piano, Para Elisa.

POESÍA ROMÁNTICA EN EL CINE

BRIGHT STAR, dirigida y escrita por Jane Campion es un exquisita y extraordinaria película sobre la última parte de la vida del poeta románico inglés John Keats. Aquella que cuenta la intensa relación amorosa entre el empobrecido poeta y la joven de clase media alta, Fanny Brawne. Un amor imposible por la diferencia social entre ambos, que ésta intenta convertir por su devoción y entrega al enfermizo John, en real y posible.

Fanny, evoluciona de frecuentar y flirtear en los bailes y salones a sus pretendientes para un futuro matrimonio, al amor apasionado con el poeta que vive alojado en su casa con un amigo que le mantiene y le estimula a escribir. Ella llegará a estudiar poesía con él, a aprender sus poemas, que apenas le dan dinero para vivir. Sin duda, la mejor y más romántica elección.

La directora en la película relaciona de la mejor manera posible la poesía y el lenguaje cinematográfico, la belleza de la palabra, y la utilización apropiada de la imagen. Así, comienza con un verso en el que Keats escribe que una cosa bella produce siempre un goce eterno. Esta búsqueda de la belleza se expresa en el tratamiento de la luz y el color, influenciados por el paso de las estaciones, y relacionados con el estado físico y anímico de los personajes. Nos encontramos con escenas sobre la nieve, de invierno que se asocian a la enfermedad o a la muerte, o también con las de la primavera, unidas a la explosión del color en las flores, simbolizando el renacer de la naturaleza, del amor. Las luces de los interiores domésticos están muy cuidadas igualmente, son luces naturales, a veces contraluces de exquisito gusto. Hay un tratamiento especial para la protagonista, la actriz, Abbie Cornish, muy fotogénica, de rasgos faciales perfectos, para que deslumbre en cada plano a lo largo de la historia. La ambientación de época, los interiores, todo el conjunto ha sido cuidado hasta el mínimo detalle. 

Ella es Bright Star, la estrella de brillo permanente, la musa que inspiró el poema de este título, que recitan los enamorados en momentos de gran transcendencia de la película. Uno conjunto, cuando ellos viven su amor, y otro, más importante, cuando a Fanny le llega la noticia de la muerte en Roma de Keats, donde se había trasladado por consejo médico. Este es el final de una película donde poesía y cine forman un todo único, y donde hasta el paso de los títulos de crédito, va acompañado de una voz que recita poesía.

LA COMEDIA DE LA VIDA

Woody Allen en su última película, CONOCERÁS AL HOMBRE DE TUS SUEÑOS (You will meet a tall dark stranger), realiza una divertida comedia sobre las relaciones de pareja, hombre-mujer, a distintas edades, insatisfechas o fracasadas, desde el punto de vista de la mujer. El director y guionista juega con la comparación de que tener varias parejas es como vivir varias vidas, que mezcla con  la idea del más allá y de la reencarnación, sin ninguna transcendencia, sin la profundidad conceptual de su anterior guión en la película, Si la cosa funciona. De todas formas, el conjunto es armónico, con momentos muy atractivos para el espectador por su comicidad. También llama la atención la voz en off del director al contarnos la historia para explicar la situación de cada uno de los personajes, y que da paso en algunas ocasiones a un flash back en la narración.

Una vez más, el director emplea a grandes actores que potencian la calidad del guión, y que sin ellos el resultado sería distinto. En este sentido sobresale la interpretación de la actriz inglesa, Gemma Jones en el papel de Helena, que ve cómo su marido, Alfie (Anthony Hopkins), ya entrado en años como ella, le abandona por una mujer joven. 

Entorno a Helena gira toda la comedia, pues siente mucho la ruptura, después de tantos años casada. Así, desde ese momento seguirá los consejos de una adivina, que implicará a su hija, Sally (Naomi Watts), que tiene un matrimonio a punto del fracaso por un marido, Roy (Josh Brolin), que es un escritor mediocre que no quiere tener un hijo, los más deseado para ella, y que está más interesado por su vecina a la que contempla desde la ventana. 

Antonio Banderas, tiene un pequeño papel como Greg, galerista y jefe seductor de Sally. Al final, cada uno de los personajes, según sus planes y aspiraciones, cambiará de vida, de circunstancias, de pareja o se quedará sola.

FEDERICO FELLINI COMO ARTISTA

Una interesante y completa exposición sobre el director italiano Federico Fellini se puede disfrutar en el Caixaforum de Madrid hasta diciembre de 2010. Sam Stourdzé es el comisario de la misma y el autor del texto de la pequeña guía bilingüe, castellano e inglés,  bajo el título Fellini o la fábrica  de imágenes. Toda la muestra se divide en pequeños capítulos sobre la obra cinematográfica y artística del director, las principales películas, y la actividad como dibujante de cómic, siguiendo un orden cronológico y temático. Así, se aborda su preferencia por los personajes grotescos, o la importancia  de determinados actores como su mujer, Giuletta Masina, y Anita Ekberg, o Marcello Mastroiani, como su alter ego.

Los distintos aspectos de su faceta creativa son tratados. Si empezó como dibujante, pronto llegaría a trabajar como guionista y colaborador con el director Roberto Rosellini. La carrera cinematográfica evoluciona de una etapa próxima al neorrealismo hasta volcarse en la expresión de su personalidad, de su estilo, de sus sueños y obsesiones, especialmente desde los años sesenta. La expresión de esta personalidad creativa a través del  lenguaje cinematográfico es lo más importante en él. Se emparenta de esta manera con otros grandes directores italianos como Antonioni o Pasolini con los que colaboró.

En la exposición queda claro su exhaustiva preparación de cada película, desde los actores hasta el vestuario, pasando por el sonido. Se supo rodear de colaboradores extraordinarios como Nino Rota que creó sus más importantes bandas sonoras. Le gustaba trabajar en el estudio, más que en escenarios naturales, para controlar todos los aspectos del rodaje mejor, y doblar a los actores, más que el sonido natural.

La película a la que se dedica mayor atención, por su importancia, es La Dolce Vita, Palma de Oro del Festival de Cannes. Queda demostrado el origen de algunas secuencias en la realidad que vivía Italia a finales de los años cincuenta y comienzos de los sesenta, la revolución de las costumbres y la importancia de la imagen fotográfica y de los medios para conseguir la fama.

Fue un director de cine muy premiado si nos fijamos en los Oscar recibidos, pero no sobrevalorado. Para el espectador atento después de ver esta importante exposición, perdurará tal vez una idea diferente, surreal, mejor y más completa, de la que tenía sobre este creativo director italiano, próximo al mundo de los sueños, al mundo del circo, de la fiesta popular, al inconsciente colectivo, al suyo propio.

GHIRLANDAIO Y EL RENACIMIENTO FLORENTINO

Entorno al Retrato de Giovanna degli Albizzi Tornabouni de Domenico Ghirlandaio, obra maestra del Museo Thyssen, se organiza en este una bella muestra sobre el autor y el arte en la ciudad italiana de Florencia a finales del siglo XV, dividida en cinco apartados: Introducción sobre Florencia y las mas importantes familias entre las que destacaban los Albizzi y los Tornabuoni; el retrato privado en el Renacimiento Florentino; Una boda aristocrática; Devoción privada e iconografía sacra y estudio técnico del retrato de Giovanna.

Sobresale entre todos el tercero, el que reune algunas obras que decoraban los aposentos privados de Lorenzo en el Palacio Tornabuoni, entre ellas, la famosa pintura de la Adoración de los Reyes del propio Ghirlandaio, que impacta desde el principio al espectador que entra en la sala por su situación en frente de su recorrido, todo un acierto. Junto con la Virgen con el Niño de la National Gallery of Art de Washington, situada en la sala de la devoción privada, constituyen, además del famoso retrato, los ejemplos mas importantes del autor en la exposición. En general, las demás obras expuestas son de su taller, igualmente representativas de su prestigio y demanda en aquella época.

La exposición comprende también pinturas y dibujos de autores como Botticelli o Pollaiuolo. Además de esculturas, muebles, libros, y medallas, todos los objetos escogidos con precisión y gusto, según el sentido de la muestra. Nada parece superfluo, sino que satisfacen al espectador, que desearía que fuese mas extensa, continuar su mirada por el arte de aquella época.
De todas maneras, a la par de su disfrute, puedes hacerte una idea de lo que fue el arte del Renacimiento en la ciudad de Florencia. Como fue la técnica y el estilo pictórico de Ghirlandaio y algunos de sus contemporáneos, el interés artístico de las familias mas opulentas en la representacion religiosa, la mitologia o la alegoría, interrelacionadas de forma adecuada.

TIEMPO DE VIOLENCIA

Novela histórica o historia novelada, según la importancia de la calidad formal del texto o de los hechos históricos que articulan la narración. Deben conjugarse los dos aspectos para que resulte un libro de calidad, que evite la banalizacion del pasado trágico. Hoy muchos éxitos de ventas son novelas históricas, que perduraran en el futuro según su calidad intrínseca, no comercial, de un momento, de una moda pasajera.

Vida y destino, del periodista y escritor ruso Vasili Grossman atiende a las exigencias mas estrictas de interés por un periodo de la historia del siglo XX, la Segunda Guerra Mundial, y en concreto, la batalla de Stalingrado, en forma de novela, pero que el autor la convierte en una obra literaria monumental que reflexiona sobre el ser humano en condiciones de extrema violencia.

El autor conoció la resistencia rusa al asedio alemán de la ciudad de Stalingrado. En ella se decidió la victoria o la derrota del ejercito soviético, el destino de toda la guerra, del estado nacido con la revolución bolchevique. Grossman se centra en esos momentos del enfrentamiento y termina con la victoria sobre las tropas de Hitler. Sin embargo, teoriza sobre el régimen soviético al mando de Stalin, que impone la férrea dictadura del partido comunista al pueblo. La revolución bolchevique se ha transformado en la defensa del estado que todo controla en favor de su propia supervivencia. Los horrores represivos de 1937 son recurrentes a lo largo del libro para los personajes, para el propio lector, que aminorados continúan durante la propia guerra. Personajes de ficción se mezclan con los reales.

El genocidio judío constituye otro de los planteamientos fundamentales del autor. Incomprensible en aquella época y siempre, por su extrema violencia. El escritor es de origen judío como los principales personajes del libro. Constituyen un grupo característico de la Rusia soviética. Las paginas dedicadas al exterminio sistemático son muy significativas. También el análisis de la elite nazi, de los ejercitos alemanes.

Vasili Grossman escribe sobre el hombre y la mujer, el ser humano víctima de las ideologías totalitarias enfrentadas. Un ser humano al limite, próximo a la muerte, en el frente de batalla, en el campo de exterminio o en el penitenciario. La condición humana es ajena a la extrema violencia que ha creado y perdura a pesar de esas ideologías inhumanas, esas fuerzas poderosas, que pretendieron la gloria, la felicidad o la victoria, lejos de la misma, de la libertad que lleva inherente.

Concluye el autor: Fuera lo que fuese lo que les deparara el futuro-la fama por su trabajo o la soledad, la miseria y la desesperacion, la muerte y la ejecución-,ellos vivirían como seres humanos y morirían como seres humanos, y lo mismo para aquellos que han muerto; y solo en eso consite la victoria amarga y eterna del hombre sobre las fuerzas grandiosas e inhumanas que hubo y habrá en el mundo.

(pag. 1093)