LA EPOPEYA DE ULISES

 

Las aportaciones de la civilización griega están en la base del mundo occidental, de nuestro pensamiento, de la política, la organización social y la cultura. Desde el comienzo de la Historia, allá por el final de la Edad del Bronce en la península helénica y las islas del mar Egeo, se fue configurando un pueblo fundado en el orden impuesto por los dioses y en los avances y la riqueza del comercio marítimo y la agricultura. Constituyeron ciudades estado, cada una con un sistema político propio, unidas por una lengua y unas costumbres comunes, que podían unir sus esfuerzos ante una amenaza externa. De aquellos primeros pobladores griegos, apenas nos quedan los restos de palacios y tumbas, cerámicas primitivas, y las tradiciones orales, que una vez se concretaron en dos obras literarias escritas por Homero, La Ilíada y la Odisea, sobre la Guerra de Troya que enfrentó a los griegos por el rapto de Helena, esposa de Menelao, rey de Esparta, a manos de Paris, príncipe de aquella ciudad, que tras la astucia de Odiseo, tras largos años de asedio infructuoso, es conquistada y destruida. Christopher Nolan, en la película, LA ODISEA, que dirige y escribe, realiza una nueva versión de la epopeya de Homero.

El poderoso ejército reunido por Agamenón, rey de Esparta, se había visto impotente para doblegar a Troya. Sería, una argucia, de Odiseo o Ulises, rey de Ítaca, quien propicie su conquista. Ideó la construcción de un caballo de madera hueco de grandes dimensiones para abandonarlo en la playa. Se les haría creer a los troyanos que era una ofrenda a la diosa Atenea, cuando era una manera de entrar dentro de la inexpugnable ciudad, para abrir desde dentro las puertas de las murallas al ejército aqueo. El plan fue un éxito y los troyanos llevaron la estatua del caballo a su templo de la diosa, cuando al llegar la noche, empezaron a salir los soldados de su vientre y emprender la conquista. El error fue que sobrepasaron sus propios límites, pues arrasaron completamente Troya y mataron a sus habitantes, incluso destruyeron sus templos y violaron sus imágenes. El castigo que les impuso Zeus por tales hechos, fue un regreso accidentado a sus lugares de origen, tras muchos años fuera. El mismo Agamenón fue asesinado por su esposa, y el héroe de la guerra, Odiseo, condenado a perder el rumbo, y enfrentarse a numerosos peligros.

La Odisea es la narración de un viaje mítico, una epopeya de regreso a su patria, Ítaca, donde aguarda Penélope, su esposa, que tras más de veinte años, teje un manto por el día y desteje por la noche, para frenar a numerosos príncipes que cada día la pretenden en su palacio. Su hijo Telémaco, que era un niño cuando su padre marchó a la guerra vive en tensión por esta circunstancia, y hará todo lo posible para saber algo de él. Su madre invita a cualquier viajero o mendigo, que venga de lejos, para conocer si sigue vivo. Pero Odiseo, sigue a merced de los dioses, ayudado por la diosa Atenea, por el que pierde a sus hombres en numerosos encuentros peligrosos, como la lucha contra el Cíclope, los guerreros gigantes, los castigos de Circe, los monstruos de las rocas, las sirenas y las fuerzas sobrenaturales del mar. Al final, en una isla perdida, será ayudado por la ninfa Calipso, la última etapa antes de regresar a Ítaca, donde fingiendo ser un antiguo soldado veterano, pobre, encuentra a su mujer asediada por los pretendientes, no sin antes ayudar a su hijo que iba a ser asesinado por éstos.

Odiseo o Ulises logra el propósito de matar o doblegar a los pretendientes que se habían hecho fuertes en su palacio, tras ser el único en tensar su propio arco y lanzar la flecha entre las hachas de bronce. En Ítaca, Telémaco se quedará como rey, y el héroe y Penélope, marcharán al exilio, de viaje hacia el oeste, para cumplimentar a sus compañeros muertos en la guerra. Anuncian una época oscura, después de las invasiones sobre el territorio, fenómeno real según la historiografía, tras la que resurgirá, de nuevo, la civilización griega. Nolan cuenta la epopeya, en forma de recuerdos recurrentes, según Odiseo va recuperando la memoria, tras el hechizo de la ninfa Calipso, a la par, que muestra los padecimientos de la reina y su hijo. Muestra el devenir de los hombres según las decisiones de los dioses que imponen un destino irrevocable sin escapatoria posible.

EL PRADO EN EL SIGLO XXI

 

El Museo del Prado presenta la exposición, PRADO. SIGLO XXI, que realiza un recorrido por la importante transformación llevada a cabo en el museo en el presente siglo, la más relevante de su historia, que viene respaldada por su relevante pasado, pero que mira constante su adaptación a los cambios del presente y prevé el futuro. Una institución que no es estática, sino en constante transformación de acuerdo a los nuevos tiempos. Las cifras, de entrada, son contundentes: unos tres millones y medio de visitantes en 2025, y casi un millón y medio de seguidores en las redes sociales; apertura de puertas 362 días al año; más de 14.000 obras adquiridas en estos 25 años, así como más de diez mil volúmenes de fondo antiguo y setenta y un mil monografías y revistas incorporadas; más de 250 exposiciones temporales en la propia sede, y más de 300 libros editados y publicados, entre otras cifras relevantes. A ello se une una ampliación de espacios y edificios extraordinaria que se culminará con la incorporación del Salón de Reinos para conformar el Campus Prado que implica modificaciones en el urbanismo madrileño.

La exposición se articula en cuatro ámbitos distribuidos en dos salas, que reúnen 98 obras entre pinturas, esculturas, estampas, dibujos, fotografías, libros y documentos de archivo, así como paneles explicativos, sobre distintos aspectos concretos de la gran transformación de los últimos años. El museo ha tenido una acertada política de adquisiciones de piezas desde el siglo II hasta comienzos del XX. Desde un retrato en mármol del emperador romano Marco Aurelio, hasta otro en pintura de Picasso, junto a escultura y pintura medieval, obtenidas mediante compras del propio museo, compartidas con el Ministerio, o a través de donaciones, legados o micromecenazgo. Un crecimiento de la colección que ha incorporado dos pinturas de Velázquez, y otras de El Greco, Zurbarán, José de Ribera, Alonso Cano, como esculturas de Juan de Mesa y Luisa Roldan. En el siglo XVIII, tenemos la incorporación relevante del retrato de José Nicolas de Azahara, de Antonio Rafael Mengs, y al final de siglo, el relevante retrato de La condesa de Chinchón de Goya, así como dibujos y documentos del autor aragonés.

El siglo XIX y XX ha sido potenciado con significativas adquisiciones como el Díptico con 42 vistas monumentales de ciudades españolas de Genaro Pérez Villamil, junto con cuadros de Federico Madrazo, Mariano Fortuny, Martín Rico, Darío de Regoyos, Joaquín Sorolla, y Ramón Gaya. Entre tanto en el recorrido se nos informa de los cambios en el diseño de las cartelas de las obras a lo largo del tiempo, de las mismas entradas, contribución esencial a la financiación de la institución, de los sistemas de iluminación y control de la temperatura. El tercer ámbito está dedicado a las nuevas líneas de enriquecimiento para una colección en evolución, que se centran en distintos apartados como en piezas relacionadas con el proceso creativo, ya sean dibujos, cuadernos, estampas, bocetos y tratados artísticos. También se ha puesto el objetivo de reunir miniaturas en diversos soportes; pinturas realizadas por artistas mujeres, que han estado silenciadas dentro de la historiografía; además, la creación de una colección de fotografía relacionada con las obras y artistas del Prado; y, unido a la organización del Área de Biblioteca, Documentación y Archivo, con sede en el Casón del Buen Retiro, la adquisición de numerosos fondos de todo tipo, desde libros hasta documentos.

El último ámbito de la exposición se ocupa de las áreas de actuación de un museo moderno, que nos informa de la labor relevante llevada a cabo por el Área de Edición del Museo del Prado, tanto a nivel cuantitativo como cualitativo; el trabajo del Centro de Estudios para la formación e investigación en historia del arte y museografía; del prestigio y la necesidad de los servicios de Restauración y Documentación técnica y Laboratorio; de la difusión de las colecciones por parte del área de educación; de la interacción con las instituciones que tienen en depósito obras fuera del museo; de los proyectos que llevan reproducciones de las principales pinturas a las calles de nuestro país o fuera de nuestras fronteras; y la comunicación en redes sociales.

LA FOTOGRAFÍA DE VIVIANE SASSEN

 El Centro Cultural Fernán Gómez presenta la exposición, LUX Y UMBRA. VIVIANE SASSEN, una amplia retrospectiva sobre la obra de esta artista holandesa, centrada en el ámbito artístico como en el de la moda. De esta manera, queda registrada toda su trayectoria a través de sus series y proyectos, que arrancan en África, el continente donde pasó su infancia, que le marcaría decisivamente en la captación de los tipos humanos, y en elementos fundamentales de su estética, como la luz y la sombra, así como en los colores vibrantes. El conjunto se compone de fotografías, así como de collages y vídeos. Además, utiliza la pintura para retocar las imágenes. Presenta, igualmente, videoinstalaciones de gran tamaño, para las que las salas del centro cultural, son las más adecuadas. Por otra parte, la artista tiende desde sus inicios, al tratamiento de los temas desde el juego, la ambigüedad y el misterio, que la hacen próxima al surrealismo.

Sus temas aluden a la naturaleza, a la muerte, al deseo y al anhelo de conexión, mostrados en un territorio intermedio entre lo cotidiano y lo insólito, desde la realidad hasta alcanzar la abstracción.  El recorrido se inicia con sus series de inspiración africana, aquellas que realizó en Surinam, también las expuestas en la Bienal de Venecia de 2013, donde destaca la denominada Umbra, en la que explora el concepto de sombra, un elemento central en su obra, tanto desde el punto de vista estético como conceptual. La sombra, lo oscuro o sin luz, se convierte en un medio poético para abordar sus temas preferidos como la memoria, el deseo, el miedo y la imaginación. Unas veces adquiere significado al ser un espacio paralelo a la figura iluminada, otras interactúa con ella, como si se disputase la propia existencia. En algunas obras, se vale de la misma poesía recitada como complemento de la imagen visual, como en Hurtling, en otras, establece un diálogo con los conceptos filosóficos, como en Modern Alchemy.

Un encargo peculiar fue el realizado por el Palacio de Versalles para la exposición, Visible invisible, presentada en el Dominio Trianon, titulado, Venus y Mercurio, sobre aquellas historias íntimas de la corte francesa de los siglos XVII y XVIII; historias repletas de erotismo, juegos de poder, transgresiones de género, enfermedad y muerte; historias no contadas, mostradas, sobre todo, en una videoinstalación de sus fotografías junto a la interpretación de poemas, en la que juegan un papel fundamental, la manipulación de los espacios y las esculturas del palacio. Otro apartado destacado del recorrido corresponde a la relación de Sassen con el surrealismo, centrado en tres series: Of Mud and Lotus, Cadavre Exquis y Modern Alchemy, sin duda, la faceta más experimental de su obra, que nos invita a imaginar nuevas maneras de percibir nuestra relación con el mundo. Por otra parte, la artista pensó dedicarse al principio de su formación al diseño de moda antes que a la fotografía, pero ese gusto nunca lo abandonaría al trabajar durante treinta años para las más importantes casas de moda, a las que puso a su servicio, su infinita creatividad y expresividad.

Tres series finalizan el recorrido. Tienen en común que se centran en lo femenino, en el cuerpo de la mujer, el de la misma Viviane, que fue modelo en su periodo de formación en el apartado Autorretratos, o en colaboración con otras artistas, Roxane II, junto a Roxane Danset, y en Frau Holle,  con Emmeline de Mooij, en la que están presentes una reflexión sobre el paso del tiempo y el envejecimiento, el juego y el placer, y sobre todo, constituye una celebración de la amistad y una reafirmación de las mujeres, libre de excusas. 

EL SUEÑO DEL DESCUBRIDOR

Hubo un tiempo, a comienzos de la Edad Moderna, que reinos como Portugal y España, se embarcaron en empresas allende de los lejanos océanos, antes no explorados, para conquistar nuevos territorios y aprovechar sus riquezas. A estas potencias europeas, le seguirían otras con los mismos objetivos. Tras el descubrimiento de América, el mundo por conocer, quedaba dividido entre el occidente para Portugal y el oriente, para España. Se pensaban que nuevos retos quedaban por explorar más allá del continente americano, después de atravesar el océano Pacífico. A comienzos del siglo XVI, los portugueses habían circunvalado el continente africano y habían sobrepasado la misma India, lugares remotos poblados por indígenas, que constituían puntos intermedias que conducían a China. En este tiempo se produjo la primera vuelta al mundo, que fue financiada por la corona española, pero que estuvo capitaneada en parte hasta su muerte por el capitán portugués, Fernando de Magallanes. Su historia la cuenta la película, MAGALLANES, escrita y dirigida por Lav Díaz.

Magallanes fue uno de los grandes exploradores portugueses de los primeros tiempos, que siguió las rutas trazadas por Vasco de Gama, para extender los dominios e intereses de su reino a lugares donde no habían llegado europeos. A principios de la segunda década del siglo XVI, lo vemos al servicio del Duque de Alburquerque en las islas de Malasia haciendo frente a la violenta oposición de los nativos, de donde volvería maltrecho a su país. Mientras se recupera en Lisboa, toma conciencia de realizar una expedición hacia esas islas pero siguiendo la ruta occidental. Sin embargo, el rey portugués no acepta el proyecto, como en épocas pasadas lo hiciera con Cristóbal Colón. Ante la frustración y falta de incentivos, Magallanes se dirigió a la Monarquía Hispana, a cuya frente se encontraba Carlos I, que aceptaría y financiaría la exploración a esos lejanos territorios. Para ello nombró al portugués caballero de la orden de Santiago, y le situaría al frente de una expedición, que conjugaba el interés de conquistar y a la vez, establecer las bases para su provecho económico.

 La ruta occidental va a resultar más agotadora y difícil de lo esperado. Eso hace mella en las tripulaciones desde los simples marineros hasta los funcionarios al servicio de la corona. Una vez atravesado el Atlántico, empiezan las primeras disensiones con el mando de Magallanes, que él reprime con mano de hierro. A unos lo ejecuta, a otros los abandona por el camino.  De una flamante flota constituida por más cien hombres, apenas llegan un reducido número a las islas asiáticas, pobladas por indígenas primitivos y azotados por una epidemia de la que morían los más jóvenes. Magallanes en principio logra frenar la enfermedad, pero, pronto, va a intentar dominar a los indígenas, destruyendo los rasgos propios de su religión, en favor del cristianismo. Ante la violencia manifestada por los exploradores, los nativos se rebelan aniquilando a la mayor parte de ellos, entre los cuales se encuentra Magallanes. Termina, así, una historia contada desde la necesidad de supervivencia de los indígenas frente a unos exploradores ciegos por su afán desmesurado de dominación. Una historia contada de forma peculiar, de la que destaca la belleza de la imágenes de la selva y del mar, azotados por tormentas y vientos continuos, en la que sobresale el plano estático, sin apenas movimiento de cámara, que refuerza, por su ritmo lento, el propio del la naturaleza frente al agitado de las acciones humanas.

LA HISTORIA DE OUSMAN

 

El fenómeno de la inmigración africana hacia Europa se ha convertido en un hecho dramático. Numerosos jóvenes en busca de oportunidades, muchas veces fascinados por chicos de su edad que alcanzan la fama en el deporte, inician un viaje hacia un supuesto paraíso lleno de dificultades en la que un grupo destacado, lo que encuentran es la muerte. Las redes sociales y el mundo digital les permiten acercarse con mayor facilidad a sus propósitos. Tratan de escapar de una vida de pobreza y privaciones, de costumbres tribales y falta de educación. Si provienen del África Subsahariana, también de la guerra interminable y la falta de una organización administrativa en sus territorios. Aquello que ven próximo, se encuentra muy lejano, incrementado por la inmensidad del desierto hasta encontrar el puerto de salida hacia Europa, ya sea Libia, Marruecos o Mauritania. Un caso excepcional lo cuenta la película, VIAJE AL PAÍS DE LOS BLANCOS, dirigida por Dani Sancho, sobre el viaje de Ousman Umar, que emprendió siendo un niño de 12 años desde Ghana hasta llegar a la isla de Fuerteventura, cinco años más tarde. Un trayecto donde fue detenido y torturado,  y casi pierde la vida.

La historia de Ousman se divide en tres partes, en la que la primera cuenta sus orígenes en una remota aldea situada en la selva tropical de Ghana. Su madre murió en el parto, y él fue rescatado de las aguas de un río donde iba a ser ahogado para seguir los pasos de su progenitora, si no interviene la voluntad de su padre, chaman de la aldea. Siendo un niño quedó fascinado por los blancos, que de vez en cuando se acercaban a la aldea, y por los aviones que pasaban por el cielo. Era un chico analfabeto, pues la escuela quedaba lejos, pero con muchas actitudes para arreglar y fabricar objetos. Un día propuso a su padre y su tía, marcharse hacia el país de los blancos para aprender, aunque todavía era un niño. Iría acompañado de su amigo Musa. La travesía era larga hasta Libia, pero los traficantes de personas los abandonaron en el desierto, y casi mueren. Luego todo fueron privaciones, palizas, detenciones por ocho países, hasta llegar de mala manera en cayuco a las Islas Canarias. 

En nuestro país, se encontró solo, su amigo pereció en la travesía marítima, teniendo que enfrentarse a las nuevas condiciones de inmigrante sin papeles. Así primero fue internado para recabar información sobre si era menor de edad y su lugar de procedencia. Tras un periodo de internamiento, es llevado a la península, a Barcelona, el lugar al que quería llegar, pues admiraba al famoso equipo de fútbol local. Allí, sin empleo, y sin conocer el idioma, cae en la mendicidad, hasta que pide ayuda a una mujer que pasaba por la calle, que le recomendó ir a la Cruz Roja, donde le ayudan a aprender el idioma y empezar a integrarse, con otros jóvenes en su misma condición. Dejará de vivir en la calle y obtendrá sus primeros recursos del top manta, hasta que es detenido por la policía. Pero la llamada a Montse, la mujer que le había rescatado de las calles, le cambiará la vida, pues para evitar el internamiento de Ousman y su expulsión del país, le adoptará, dándole un techo y una formación de la que carecía.

En la tercera parte, el mismo Ousman Umar, cuenta su historia públicamente, todas las penurias que pasó desde su lugar de origen hasta llegar a Europa, las heridas externas y las internas. traumatizado por un largo viaje que le robó la infancia. Hoy es un activista que gracias a sus padres adoptivos en Barcelona, pudo completar sus estudios, y defender los derechos humanos, la necesidad que los jóvenes sean conscientes de lo que les espera si emprenden un viaje tortuoso como él emprendió, y que es mejor su formación en su país. Para ello fundó una ONG, Nasco Fundation, un organización para crear oportunidades en sus lugares de origen, y evitar la marcha forzada de los jóvenes, que en un gran número perecen por el camino. Solamente en el trayecto por mar hacia las Islas Canarias, más de cinco mil, sin tener datos precisos de los que perecen por el desierto. Ousman llegó a hablar ante la ONU de esta realidad trágica, para que las naciones del mundo fueran conscientes de esta situación injusta y escribió dos libros con su testimonio personal.

COMPROMISO CON EL ARTE

 

Se ha repetido muchas veces que los grandes actores mueren en el escenario. Estamos acostumbrados a verles trabajar hasta edades prolongadas, a diferencia de otras profesiones cuya retirada es más temprana. En ello interviene su capacidad para producir arte, crearlo o interpretarlo a partir de los textos inmortales de la literatura. Es todo un espectáculo escuchar su voz y disfrutar de los gestos con que acompañan sus palabras, que sin su aportación, carecerían de tanto sentido y valor artístico. A ello se une una elegancia natural, un carisma propio, surgido de su experiencia y el reconocimiento del público a través del tiempo. Una de estas intérpretes es la que retrata la película, ELEONORA DUSE, LA DIVINA, escrita y dirigida por Pietro Marcello, que cuenta el regreso de esta diva, tras permanecer doce años alejada de los escenarios por la necesidad de reafirmar su personalidad y sus carencias económicas, en una época de rápidos cambios tras la Primera Guerra Mundial y el surgimiento del Fascismo.

Eleonora Duse, la protagonista, decide volver a los escenarios ya mayor y enferma de tuberculosis, a pesar de la oposición de su hija Enrichetta. Acompañada siempre de su asistente, Desirée, lo primero que hace es reunir su compañía, un grupo de actores dispuestos a compartir su aventura, en una época convulsa de la historia de Italia, cuando los Camisas Negras se imponen violentamente en las calles. Las dificultades son máximas por la crisis económica del momento. Al principio, les va bien, Eleonora vuelve a recibir masivos aplausos en los mejores escenarios, entre ellos, de la misma Sara Bernard, presente entre el público en una ocasión. Sin embargo, sus intereses chocan pronto con los objetivos económicos y artísticos de otros. La colaboración con un amigo escritor le lleva al fracaso y a los abucheos del público. Entonces, decide pedir ayuda al que fuera su amigo, Gabriele D´Annunzio, el famoso poeta y escritor, hoy al servicio del régimen fascista.

De esta manera, no tarda en llegar la llamada de Mussolini, que en un breve encuentro le propone condonar sus deudas y premiarla con una pensión vitalicia. Por su parte, ella sugiere la construcción de un teatro singular que imaginó en sueños. Tiene también en mente llevar a los escenarios una obra de Gabriele D´Annunzio, pero éste le advierte que el Duce, la quiere manipular, ponerla a su servicio para reforzar su poder. Con graves síntomas de su enfermedad, permanece retirada en su palacio de Venecia, pero en un momento dado, decide volver a trabajar, que es su razón de existir, y marcharse a EEUU donde morirá en 1924 aclamada por el público. Al margen de la historia, la película destaca por la forma en la que el director la cuenta, mezclando las imágenes rodadas, donde lleva el protagonismo las palabras de la famosa actriz, con otras de la época, procedentes del archivo, que muestran el viaje del féretro del Soldado Desconocido en tren hasta Roma, que refuerza, la ya de por si, la belleza y elegancia de las imágenes de una época ya desaparecida.

LA EXISTENCIA DE LOS EXTRATERRESTRES

 

El ser humano tiene una necesidad natural de buscar una explicación que nos permita entender el mundo que nos rodea. Desde antiguo la ha encontrado en la religión, por la cual nosotros nos debemos a los designios de los dioses. El avance científico y el conocimiento progresivo de la naturaleza, nos ha llevado a preguntarnos por el origen del mundo material, de todo el gigantesco universo que nos rodea, y qué papel jugamos en él. Si nos encontramos solos como una excepción en la evolución o si existen otros seres en otros mundos más allá de nuestra galaxia. Sería sorprendente tanto encontrar seres vivos aunque fueran radicalmente distintos a nosotros como que no haya nadie vivo en la inmensidad del cosmos. Desde hace un siglo a nuestros días, se ha sospechado de la existencia de civilizaciones superiores que han visitado nuestro planeta, e incluso que han sido vistos o han dejado su huella a través del tiempo, incluso que las autoridades han ocultado la verdad de su existencia. En este planteamiento se basa la película, EL DÍA DE LA REVELACIÓN, dirigida por Steven Spielberg que cuenta la lucha entre una empresa privada interesada en ocultar las pruebas de la existencia de los extraterrestres, y la necesidad de un grupo de científicos de revelarlas y mostrar a un mundo sumido en guerras, que nos han visitado y están con nosotros.

La película parte de la idea que el andamiaje, la gobernanza del mundo cambiaría si hubiera civilizaciones superiores en el Universo, y estos hubieran llegado a nuestro planeta. Además, dicho conocimiento sería problemático por la propia naturaleza humana, sometida al beneficio económico individual, o al mismo interés de obtener más poder. Nos dice que ese interés se encontraría en la empresa privada, pues el Estado democrático, que elige regularmente a sus gobernantes, no se vería influenciado por planteamientos espurios. Así sucede en la película, que una empresa guarda pruebas en video desde los años cuarenta del contacto y experimentación con los alienígenas, e incluso el empleo de algunos de sus recursos tecnológicos. Una situación que cambia cuando un grupo de sus miembros traiciona a la organización y pretenden sacarlos a la luz. Se produce, entonces, una persecución entre unos y otros por conseguir sus objetivos. Lo llamativo es la existencia de dos personas que precipitan los hechos, dos seres humanos, un hombre y una mujer, que desde niños, son los mensajeros de los extraterrestres.

Los dos protagonistas, Margaret y Daniel, fueron dotados, uno de conocimiento matemático superior, el lenguaje de los alienígenas, y otro de una empatía adivinatoria, que subyuga emocionalmente a cualquier rival, y que son activados repentinamente, y conducidos a su objetivo, informar al mundo que sufre constantes crisis y conflictos bélicos, de la existencia de los extraterrestres. La empresa privada trata a toda costa de neutralizarlos, pero ellos, con poderes especiales, saben sobreponerse a las dificultades, contrarrestar un recurso tecnológico tomado de aquellos, que permite meterse en otra persona y manejarla a su voluntad. Al final, consiguen su meta, salir en los informativos, compartir con todos los medios de comunicación las imágenes ocultadas desde antiguo, y lo que es más relevante, encontrarse con el ser que hace años se metió dentro de ellos y les cambió definitivamente su capacidad humana, para tenerlos a su servicio.   

PINTURA GÓTICA A LA MANERA ITALIANA

El Museo del Prado presenta la exposición, A LA MANERA DE ITALIA. ESPAÑA Y EL GÓTICO MEDITERRÁNEO (1320-1420), que reúne más de cien obras de diversas técnicas, pintura, escultura, miniatura, dibujos, orfebrería, tejidos y mobiliario, para tratar cómo los modelos del Trecento italiano fueron abordados y reformulados por los artistas hispanos, dando lugar a un lenguaje visual híbrido, sofisticado y original. En Italia en el siglo XIV se produjo una transformación artística fundamental de mano de pintores como Giotto, Duccio, Simone Martini y los hermanos Lorenzetti, que tuvo una recepción excepcional en nuestro país, fruto de los intercambios comerciales, artísticos y políticos, donde el mar Mediterráneo no supuso una frontera insalvable. Los artistas viajaron desde la Península Transalpina hasta la Corona de Aragón e incluso a Castilla; los nobles, mercaderes y las oligarquías locales importaron obras y las transportaron de un punto geográfico a otro.

La exposición que reúne obras de artistas italianos como Ambrogio Lorenzetti, Lupo di Francesco, Barnaba da Modena, Gherardo Starnina y Fra Angélico, entre los más conocidos, junto a hispanos, como Ferrer y Arnau Bassa, los hermanos Serra, Pedro de Córdoba y Arnau Alcañiz, no solo se ajusta a las categorías historiográficas tradicionales, las que nos hablan del gótico bajomedieval y sus distintas tendencias, sino que propone otros análisis, lo que nos habla de la importancia y la profundidad de sus propuestas a través de un estudio preciso del periodo y las obras, cuya procedencia da cuenta de más de treinta instituciones españolas y veinticinco extranjeras. En general, el lenguaje trecentista italiano se convirtió en una auténtica lingua franca, como se subraya en la exposición abierta a todo tipo mezcolanzas e influencias, creándose propuestas estéticas híbridas. Lo mismo sucede en el aspecto iconográfico donde se producen curiosas variaciones y nuevos significados adquiridos por otros contextos visuales y mentales. También, con nuevos formatos para pintura sobre tabla, en concreto por el desarrollo del retablo monumental, soporte predilecto para la pintura polimatérica en la que el oro juega un papel simbólico y óptico fundamental.

El recorrido de la exposición sigue un orden cronológico y temático desde principios del siglo XIV durante una centuria, organizado en cinco secciones y espacios principales. La primera se denomina Antes de la peste negra. Declinaciones del arte italiano, que se centra en la obra del artista Joan Loert en el reino de Mallorca, y Ferrer y su hijo Arnau Bassa en la Corona de Aragón, a partir de la tercera década del siglo. Destacan estos últimos, con un lenguaje más complejo e innovador, que reinterpretan la influencia italiana, junto a la francesa y la neobizantina, especialmente Ferrer, que parece que estuvo en en aquel país. Su importancia reside en su clientela, la corte real y la Iglesia. Arnau evolucionó a un manierismo formal y soluciones más sofisticadas. La segunda sección, titulada, El Puente de Aviñón. Intercambios mediterráneos, destaca la importancia de la sede papal como un centro artístico de primer orden donde se estableció Simone Martini y su círculo, un grupo de artistas que llegarían a establecerse en la corona de Aragón. También, son relevantes las obras adquiridas por eclesiásticos hispanos como el mismo papa Benedicto XIII o el cardenal Gil Álvarez de Albornoz. Incluso, la misma corte de Castilla, apostó por la importación de obras de esta influencia en un auténtico cambio del gusto.

La tercera sección se titula, Entre la corte y el convento. Nuevas imágenes y nuevos temas, centrada en el papel de la monarquía en la reelaboración de imágenes con gran carga simbólica como la Verónica de la Virgen, que era una importante reliquia del tesoro del rey, o la Virgen de la Humildad. De la misma manera, fue destacado el papel para la creatividad iconográfica de los conventos franciscanos femeninos donde habitaban damas de la nobleza. Este apartado se completa con la obra de los hermanos Serra, destacados artistas que contribuyeron al desarrollo de los retablos monumentales, donde plasmaron un estilo elegantes, que combinaba el oro y el color, para expresar nuevos temas devocionales. El cuarto apartado se titula, La mirada cautiva. Técnicas fascinantes, y se dedica a las técnicas y materiales lujosos de este mundo tardomedieval, muy preciado por las élites políticas y religiosas, los nobles y mercaderes. Los comprobamos con numerosos objetos textiles bordados con oro y plata, esmaltes traslúcidos, esculturas policromadas y doradas, pinturas que exaltan las texturas, y arquetas nupciales de hueso tallado y taracea.

El último apartado denominado, Viajes de ida y vuelta. A la manera de España, establece un giro inesperado en el relato de la exposición, que refuerza la idea de la complejidad formal y estilística de un mundo abierto a múltiples influencias, centrado en la obra del pintor florentino, Gherardo Starnina, documentado en la catedral de Toledo primero, y luego en el reino de Valencia, en el que su estilo trecentista basado en el volumen y el espacio, se transformó en otro más colorista y de línea fluida, proveniente del gótico internacional, de Pere Nicolau y Marçal de Sas. Un estilo que llevaría de vuelta a la propia Florencia, y se vería seguido por Lorenzo Mónaco y Fray Angélico, como se observa en la Virgen de la Granada, una obra espectacular del Museo del Prado de hacia 1426, que pone fin a un estudio detallado y profundo de un periodo significativo de nuestra pintura.

RETRATOS DE LA CLASE TRABAJADORA DE RICHARD AVEDON

La Fundación Mapfre presenta la exposición, RICHARD AVEDON, IN THE AMERICAN WEST, 1979-1984, que reúne por primera vez en Europa, la serie completa de 110 fotografías que componen el libro de su mismo título, publicado en 1985, uno de los más importantes del siglo XX. Un proyecto llevado a cabo en la primavera y el verano durante cinco años que le supuso visitar 21 estados, y trabajar, con un grupo de ayudantes y una cámara de gran formato con trípode, a la manera de los fotógrafos ambulantes o itinerantes antiguos. El autor era, por aquella época un artista relevante, con exposiciones en las mejores instituciones culturales del país, y fotógrafo oficial de las portadas del Vogue, que tomó la decisión artística de pronunciarse sobre la situación social del país, golpeado por la crisis económica y las políticas neoliberales del presidente Reagan. Para ello decidió retratar a la clase trabajadora, a los marginados de una supuesta riqueza y poder de determinadas clases y poderes económicos, siguiendo una iniciativa del Amon Carter Museum de Fort Worth, Texas.

La exposición se compone a partir de las copias de referencia base de las imágenes del libro y las que fueron expuestas en el museo. Proceden de la colección de la Richard Avedon Fundation y se presentan de forma lineal y según su aparición en el libro. Presentan una apariencia sencilla de retratos frontales, con luz natural sobre un fondo blanco, como aquellos realizados en los primeros tiempos de la historia de la fotografía que retraban a las gentes de las zonas rurales en su medio social. Pero el proceso, para conseguir ese estilo básico, fue más complejo. El artista disparó más de mil fotografías y luego seleccionó una serie de ellas en las que trabajó en su estudio. A las distintas personas les hacía previamente una polaroid, a la que le adjuntaba un número de expediente con la autorización del retratado para ser publicada su imagen, compensada con un ejemplar del libro y una copia impresa de la fotografía. La exposición también se compone de anotaciones manuscritas del artista con las indicaciones sobre la impresión de algunos retratos, además de cartas con los retratados.

Avedon representa a hombres y mujeres de todas las edades, desde niños y adolescentes, hasta adultos y mayores. Todos tienen en común que pertenecen a un mundo rural o semiurbano dentro de la clase trabajadora y marginados: vagabundos, enfermos mentales, presidiarios, mineros, peones, camareros, camioneros, ganaderos, una larga serie de personajes que se presentan con sus ropas de trabajo, a veces, manchadas de petróleo o carbón, muchas deterioradas; otros, descamisados o mostrando parte de su cuerpo desnudo. La mayoría de los retratos son frontales o levemente girados de medio cuerpo o plano americano. El fondo blanco resalta, en contraste, los rostros y el cuerpo del retratado, en una amplia gama de grises. 

Algunas fotografías debieron de tener una historia propia, como la joven de la portada, a quien sin duda le cambio, en parte su vida, si atendemos a la carta que le dirigió al artista, seis años después, convertida en una buena estudiante de instituto a punto de terminar, que había dado recientemente una entrevista a una revista y se había convertido en la reina del baile local. En otra, según se conoce por la correspondencia, la familia le informa de la muerte del retratado, que fue captado cuando era un vagabundo enfermo. Un capítulo distinto lo forma el retrato del apicultor Ronald Fischer cuyo cuerpo desnudo está lleno de abejas, que fue una imagen muy preparada por el autor, a partir de un anuncio en el periódico en el que se buscaba un voluntario que asumiese los riesgos y les eximiese de responsabilidad. El retrato, así, supone la culminación de la serie, con mayor puesta en escena, sin el carácter documental de los demás, que fueron captados tal como se presentaron.

ARREPENTIMIENTO DRAMÁTICO

 

Uno de los problemas más relevantes de la Iglesia católica actual es el de los abusos contra menores cometidos dentro de su seno. Un problema que viene de muchos años atrás y que se ha venido alargando en el tiempo por la impunidad que han tenido sus protagonistas, a causa del silencio y encubrimiento ejercido por las autoridades eclesiásticas, que prefirieron trasladarles de ubicación en muchas ocasiones. Para tomar consciencia y reparar a las víctimas, se han hecho prolíficas investigaciones en distintos países que han aflorado miles de casos desde hace más de cincuenta años. Hoy se han impuesto, incluso desde el papado, rigurosos protocolos para hacer aflorar las denuncias contra eclesiásticos y ponerlas en manos de la justicia, no sin reticencias y obstáculos a la hora de la asunción de responsabilidades de aquellos que tuvieron conocimiento de los casos y los encubrieron. La película, LA LUZ, escrita y dirigida por Fernando Franco, cuenta el caso de un sacerdote que abusó en el pasado de tres de sus alumnos, y atormentado, confiesa públicamente los hechos a la vez que denuncia a las autoridades eclesiásticas.

Manuel que dirige una parroquia en el norte de España piensa abandonar el sacerdocio y hacer una nueva vida con un feligrés amigo suyo. Hace más de treinta años que fue trasladado desde el sur, al abusar de tres de sus alumnos. En privado, vive atormentado por los hechos, y trata, en secreto su inclinación pedófila. Le llama la atención que no logra de las autoridades el permiso para colgar los hábitos, hasta que descubre que ha sido denunciado por una de sus víctimas, por lo que decide pedirles perdón personalmente. Una de ellas, no quiere saber nada; otra, le reafirma que siendo en su momento el número uno de la clase, hoy sufre todavía las consecuencias sin haber podido desarrollar sus capacidades. Del tercero, se había olvidado, pero se entera, a través de la prensa, que se había suicidado. El obispo le aconseja que deje pasar el tiempo, y que la burocracia canónica por un lado y la parte civil por otro traten a su modo el caso, sin incrementar el escándalo, que seguramente se verá encauzado.

Sin embargo, el protagonista, decide confesar y arrepentirse ante los fieles de su parroquia de los hechos, para los que lee su diario de aquella época que todavía conserva, a la vez que denuncia las decisiones de la Iglesia y del colegio religioso, que cuando supieron de los hechos, simplemente le encubrieron y le trasladaron lejos. El piensa que la mejor solución para los casos de pederastia como el suyo es ponerlos en conocimiento de inmediato y asumir las consecuencias. De esta manera, él aparece también en televisión con esa pretensión. Las consecuencias son inmediatas y es expulsado del sacerdocio. Sin el trabajo en la parroquia, fuera ya de la Iglesia, vuelve a su pueblo con su madre. Espera la justicia penal con la pretensión de declararse culpable, sin perder la fe religiosa. Lo que no espera es que ahora los vecinos le consideran una persona peligrosa, y el final será trágico.