LOS VIAJES

La Sala Picasso del Círculo de Bellas Artes expone 120 fotografías y cuatro cortometrajes experimentales del artista argentino, Horacio Coppola. Con el título, LOS VIAJES, forman un conjunto de imágenes de los años treinta cuando viajó a Europa para conocer las principales ciudades europeas y su tradición artística. Incluye fotografías de Berlín, París y Londres, centradas en captar a sus gentes en las calles. 

Llama la atención la utilización del formato vertical frente al horizontal para reflejar el ambiente urbano. Los hombres y mujeres vestidos a la moda de aquellos años resaltan como lineas verticales dentro del formato fotográfico. Buscan, igualmente, fijar los ambientes urbanos que el percibe como espectador, impregnados de una especial belleza. Para el gusto actual, sin duda, inquietantes ante los sucesos que vendrían unos pocos años después.

Quedan en la memoria del espectador, las sombras de los transeúntes anónimos bajo el sol del invierno, las calles vacías o destartaladas, las figuras de vendedores ambulantes o los graffitis que decoran las paredes grises, como si la vida se hubiese parado un instante, y tal vez volviese a cambiar en cualquier momento.

LA MUJER Y LA RELIGIÓN ISLÁMICA

Resulta paradójico cómo el conflicto de los Balcanes supuso el genocidio y la discriminación de la población musulmana mayoritaria en Bosnia, y hoy, esa tradición en su versión más fundamentalista constituye un nuevo impedimento para el desarrollo cultural de esa población. Esto nos cuenta la interesante película, EN EL CAMINO ( Na puto ) de la directora y guionista bosnia, Jasmila Zbanic, que muestra la división entre la comunidad musulmana por la llegada de las ideas radicales en la interpretación religiosa de los wahhabitas.

La directora aborda el problema desde las relaciones de pareja, matrimoniales, entre la protagonista, Luna, una azafata de vuelo, y su marido Amar, que pierde el trabajo como controlador por su afición a la bebida. Además, mientras ellos desean tener un hijo, el marido es captado por un amigo suyo de la antigua guerra que se ha convertido al islam más ortodoxo. Entonces se produce un cambio radical en las costumbres del mismo en apariencia positivas, deja la bebida, pero se aparta de su mujer al aceptar unas costumbres morales diferentes a las que tenía. 

De esta manera ellos tendrían que casarse de nuevo según la tradición religiosa; la protagonista cambiar de vestuario, y abandonar a sus amigos que son propietarios de una discoteca, y el alcohol, es decir las costumbres occidentales a pesar que los dos son de tradición musulmana, cuyos padres fueron asesinados por tal circunstancia en la guerra de los Balcanes, y que permitía un conjunto de comportamientos que hoy son ajenos a lo que sucede en la mayoría de los países islámicos.

Otro aspecto significativo de la película es la perspectiva femenina con que la directora y guionista aborda la historia. Luna protagoniza casi todas las escenas y las imágenes, como azafata, a través de su intimidad física y emocional que puede contemplar el espectador. Utiliza un móvil para grabarse a si misma y a su esposo para poder conocerse mejor, y recordar la vida en común con el marido. 

Luna, como alter ego de la directora, quiere transmitir que ella es libre, cualquier mujer, para elegir una futura familia con Amar o con cualquier otro, pero también, para cambiar de dirección, ir hacia otro destino cuando aquél le obliga a comportarse de una manera que se aparta de ella y compromete la libertad a la que tiene derecho.

EL PENSAMIENTO DE WALTER BENJAMIN

Una pequeña pero interesante exposición en el Círculo de Bellas Artes de Madrid se ocupa de la obra del filósofo y escritor Walter Benjamin, titulada CONSTELACIONES en la que se aborda algunos conceptos fundamentales del autor a través de imágenes, presentadas según seis temas: Iluminación profana. Una teoría del conocimiento; Ciudad. La experiencia de la vida moderna; Pasajes. Los laberintos de la Mercancía; Reproductibilidad técnica. Sobre la destrucción del aura; El autor como productor. Estetización de la política y politización del arte; Tesis sobre la filosofía de la historia. Todo su pensamiento supone una interpretación de las transformaciones más características de nuestro tiempo. La presentación de imágenes de los años veinte y treinta, junto con citas de su obra es lo más acertado. Un montaje preciso y elaborado.

Son fundamentales sus ideas sobre la pérdida de aura del arte en nuestro tiempo en la que participarían manifestaciones de vanguardia como el Dadaismo, la facilidad que permite el cine o la fotografía y la mera reproducción mecánica del mismo. De esta manera, el arte llega a ser una mercancía orientada no a un público determinado, sino a una masa. Influenciado por la situación de su tiempo observa el mecanismo de estetización de la política propia del Fascismo y la politización del arte del Comunismo. También opina que el legado cultural del ser humano está vinculado a la barbarie.

IMÁGENES DE LA HISTORIA

EL MADRID DE SANTOS YUBERO. Crónica fotográfica de medio siglo de vida española. 1925-1975, es el título de una importante exposición que se desarrolla en la Sala Alcalá, 31, en honor del fotoperiodista Martín Santos Yubero, cuyo archivo es propiedad de la Comunidad de Madrid. Comisariada por el fotohistoriador Publio Lóper Mondéjar, reune más de 160 fotografías de este autor, a las que se añaden otras de sus colaboradores o tomadas por otros fotógrafos que captan su imagen.

La exposición se divide en dos ámbitos, España entre dos dictaduras y Los días del Franquismo, y constituye un extraordinario conjunto de imágenes en gran formato, no muy conocidas hasta el momento por el público en general. Santos Yubero trabajó durante la II República y los trágicos días de la Guerra Civil en Madrid, para algunos diarios de aquella época, y luego, durante el Franquismo, donde llegó a ser apreciado y condecorado por el propio Régimen.

Todas las imágenes se pueden considerar como documentos históricos, algunas captadas poco después de producirse un importante suceso. Como la secuencia de la muerte de Calvo Sotelo y la de su velatorio. Las que representan la vida cotidiana durante la proclamación de la República, la Guerra Civil y los años de la Autarquía y la represión, son auténticas fuentes de información desde muchos puntos de vista, incluso las referidas al mundo del toreo o del deporte. Merecen ser difundidas. Aportan mucha información sobre aquellos años, sobre lugares y personas hoy desaparecidos. Hay fotografías totalmente desconocidas incluso para los entendidos.

El conjunto se completa con imágenes antiguas de su familia, de su propia vida. También con las cámaras que empleó a lo largo de su carrera. Nos informan de un fotógrafo que recogía y conservaba cualquier anotación sobre las fotografías que captó, incluso los documentos, pasaportes y emblemas que tuvo para el ejercicio de su profesión en esos difíciles años. Le podemos considerar como un auténtico artista. Algunas imágenes sobrepasan el concepto periodístico para convertirse en Arte con mayúsculas sobre la realidad cotidiana.

ARTE URBANO

 

El protagonista del documental, EXIT THROUGH THE GIFT SHOP, es el arte urbano, en concreto una modalidad del graffiti que utiliza plantillas y está dirigido por el hoy famoso artista del género, Banksy, que guarda en todo momento su anonimato. Esta primera incursión en el cine de este autor utiliza como recurso el material filmado de un aficionado al arte urbano llamado Thierry Guetta, gran conocedor de los más influyentes grafiteros de Estados Unidos, que los filmaba y les ayudaba en sus proezas con la pintura urbana. El documental está narrado en tercera persona y referido a este personaje principalmente, presentado como un pretexto para mostrar lo que es el arte urbano de nuestros días y a sus más importantes protagonistas, entre los que se encuentra el propio Banksy, que afirma al final del documental que no volverá a aparecer más en un producto audiovisual de este tipo.

Si el propio Banksy, y otros artistas del graffiti como Shepard Fairy o Space Invader, han llegado ya a la fama, a las galerías del arte, pero mantienen su compromiso de autenticidad con sus orígenes ilegales, Thierry Guetta, se aprovecha de sus contactos con los auténticos artistas, a los que llega a contratar, para crear un arte, que si bien tiene mucha demanda por el público, nos informa del margen de fraude que en la actualidad tiene este mercado por la influencia de los medios de comunicación, ante la necesidad constante del ciudadano contemporáneo por seguir la última moda y ser lo más cool.

Este artista o mejor promotor de arte, que se hace llamar, Mr. Brainwash o Lavacerebro, proporciona al mercado unas imágenes que han sido creadas por otros artistas y que él reutilizaría para obtener elevados ingresos. De esta manera, Banksy, en este documental nos hace reflexionar sobre lo que es arte a comienzos del siglo XXI, en la era de Internet y de la globalización. Un arte más que nunca al servicio del mercado capitalista y las modas orientadas por los medios de comunicación.

EL ORIGEN DE FACEBOOK

LA RED SOCIAL ( The Social Network ) es una magnífica película del director David Fincher sobre el peculiar origen de Facebook, la más importante red social por internet. Basada en el preciso guión de Aaron Sorkin, muestra la biografía dramática de su creador, Mark Zuckerberg, hoy el milmillonario más joven del mundo.

La película atrapa al espectador en su metraje de dos horas desde principio a fín. El protagonista es un joven estudiante de Harvard, genio precoz en el dominio de la red, pero a la vez, un solitario hacker con más éxito delante de la pantalla del portatil que en las relaciones sociales. De hecho, por despecho de su única novia de la universidad, decide piratear la red interna de la misma, y a partir de ahí, con su éxito, ir fraguando lo que sería, el famoso Facebook. Porque esta red social tuvo su origen en el ámbito universitario estadounidense, para luego extenderse a todos los campos de actividad humana a nivel internacional. Hoy es un exitoso negocio, donde se cumple la máxima de la prestigiosa universidad, donde los estudiantes no van a formarse para encontrar un buen puesto de trabajo, sino para crearlos.

El argumento se centra en las dos demandas que tuvo Mark Zuckerberg, casi desde el principio de creación de Facebook, puestas por sus compañeros de la universidad que le ayudaron o conocieron. El espectador puede ver el desarrollo del proceso judicial, mientras que las imágenes cuentan en diferentes flashback, las circunstancias que propiciaron las demandas. Sabemos que las dos las resolvió con dinero. Una es verdaderamente injusta por cuanto se la impusieron unos compañeros ricos que querían hacer una red social sólo en la universidad de Harvard y querían contratarle como programador, envidiosos de su fortuna por abandonarles en su proyecto. Otra, más justa, por el amigo que financió al principio la red social, y al que traicionó.

Nos queda al final de la película un retrato afortunado del cofundador de Facebook, genial para el manejo de los recursos informáticos, pero una personalidad muy normal para las relaciones sociales y los negocios. En la última escena se ve cómo el protagonista ya rico, abre su propia red y acepta la amistad de la primera novia que le había abandonado como si todo lo hasta hora visto fuera una rabieta de joven inmaduro.

CINE SOCIAL

El director Fernando León de Aranoa demuestra en su nueva película, AMADOR, su talento como brillante guionista. En la promoción, antes de su estreno, se podía adivinar ya el argumento según el trailer: una cuidadora de un anciano mantiene el cuerpo del mismo una vez muerto en casa. Después de ver la película podemos decir que es por dinero para mantener los gastos y el negocio del marido dedicado a la venta clandestina de flores. Sin embargo según transcurre la misma adivinamos que su matrimonio no va bien y quiere abandonar a su marido infiel; que Marcela la protagonista está embarazada cuando no tiene recursos económicos para mantener a su futuro hijo, y que la familia del muerto, Amador, consiente lo que está haciendo Marcela, porque ellos también necesitan seguir cobrando la pensión del viejo.

Todo se va descubriendo a la vez que transcurre la película, que va tejiendo las distintas informaciones sobre los personajes y lo que les sucede para ir profundizando en lo que quiere transmitir el director. Nos dice Amador que la vida es un puzzle en el cual vas poniendo cada vez una pieza, a veces de manera inconsciente. Él en el momento de morir se queda sin poner la última, se la pondrá Marcela. La película reflexiona sobre la vida, la del que va a nacer, sus circunstancias económicas difíciles, el amor y el desamor, y la muerte.

Marcela y su marido son inmigrantes iberoamericanos que se ganan la vida como pueden. Ella es la auténtica protagonista formal de la película en casi todos sus planos, sobre todo los que captan sus emociones. Hay uno que se repite constantemente a lo largo del metraje. Marcela se encuentra en la cocina o en el salón sentada y la cámara le capta desde lejos a través de los espacios de la casa. El ritmo de la película es sereno, a veces repetitivo, donde se cuidan de forma particular los encuadres. En general, tiene un aspecto documental que refuerza el compromiso social de la película y del director.

MIRADA SINGULAR

Un complemento adecuado de la muestra de pintura americana en las salas de exposiciones de la Fundación Mapfre, es la dedicada al fotógrafo y profesor de Arte, JOHN GUTMANN, que llegó al nuevo continente en la  convulsa década de los treinta huyendo de la persecución nazi a los judíos. Las fotografías que puede disfrutar el espectador pertenecen a estos años y a la década posterior cuando él se siente fascinado con el nuevo país de acogida, su libertad de costumbres, de la sociedad en general. Con un estilo personal refleja sus gentes y paisajes, el nacimiento y los gustos de la futura sociedad de consumo, la vida urbana, los personajes grotescos y marginales de la misma, la propia guerra mundial donde sirvió como fotógrafo. Este interés creativo le lleva a fijarse especialmente en el lenguaje del grafiti que capta en las calles asociado a los jóvenes. Así pues, la mirada de John Guttmann se convierte en un verdadero oráculo de los gustos futuros en la cultura norteamericana posterior.

ARTE AMERICANO

En la sala de exposiciones de la Fundación Mapfre se desarrolla la muestra, Made in USA. ARTE AMERICANO DE LA PHILLIPS COLLECTION, que nos da a conocer la evolución de la pintura norteamericana desde finales del siglo XIX hasta después de la Segunda Guerra Mundial. Recorre un trayecto parecido al que realiza la pintura contemporánea, desde el realismo, pasando por el impresionismo, fauvismo, cubismo, hasta llegar al expresionismo abstracto. Todos los autores son norteamericanos como indica el título de la exposición con la particularidad que fueron seleccionados por el coleccionista y mecenas, Duncan Philips, un auténtico entendido y pionero del gusto moderno. De hecho, fue el comprador de las primeras obras que entraron en un museo de artistas como Georgia O´Keeffe o Edward Hopper. Apostó más que por un estilo concreto, por la calidad de la obra de un autor.

Si hasta la Segunda Guerra Mundial la pintura norteamericana recibió las influencias europeas, en particular de París, después al sustituirla Nueva York como centro de arte internacional, es ella la que va a marcar la pauta global. Esto se refleja en la muestra al poder disfrutar de ejemplos de Mark Rothko, Adolf Gottlieb, San Francis, Robert Motherwell y Clyfford Still.

Podemos decir que el espectador sale satisfecho de esta amplia exposición que refleja las características propias de una pintura norteamericana no tan conocida por el gran público. Unos aspectos relacionados con ser un continente nuevo donde los grandes espacios se imponen al ser humano al principio; luego marcada por su rápido progreso industrial y urbano; finalmente por la variedad étnica y racial de la población de origen inmigrante que marcan una especial sensibilidad.

INFANCIA VULNERADA

ELISA K. es una película dirigida por Judith Colell y Jordi Cadena con un guión escrito por este último basado en la novela Elisa Kiseljak de Lolita Bosch, que ha sido premiada con acierto en el último Festival de San Sebastián. Narra la violación de Elisa siendo una niña a punto de cumplir once años por un amigo de su padre en el momento que éste se encontraba dormido y su hermano estaba jugando en la terraza. La mayor parte de la película se refiere al año 1994 y cuenta este hecho en un día de encuentro entre los dos padres con sus hijos. También las consecuencias inmediatas para la niña que baja su rendimiento en el colegio y entristece su carácter hasta que las circunstancias hagan que lo olvide después de ocultarlo. Elisa al final logra llegar a la universidad apoyada por su maestro. Esta primera parte termina cuando ella marcha fuera de España para continuar su carrera. 

La segunda parte, y más breve, catorce años después, cuenta el momento que recuerda aquella violación que había permanecido latente. Un ataque de pánico, de miedo a no poder superar aquél suceso le obligan a interrumpir sus estudios y contar lo sucedido a su familia, la única manera de poder quitarse ese hecho que permanecía ahora constante en su cabeza.

La primera parte,el pasado, y por tanto casi toda la película es en blanco y negro en la que una voz en off, en tercera persona, de forma objetiva complementa el escaso diálogo de los personajes. De la misma forma, el lenguaje cinematográfico es sencillo, valorando más la alusión a través del montaje significativo, especialmente en esta parte. El inmediato sufrimiento de la niña se simplifica con una primera imagen llorando que corta el violador con la promesa de que le va a  hacer un regalo o el rostro ensimismado posterior.

El momento visual más intenso para el espectador es cuando Elisa tiene el horrible recuerdo de aquel suceso. En él llega a encontrarse consigo misma, desnuda, aludiendo a la verdad. También al sufrimiento de su propio cuerpo herido por el drama al caminar por los cristales del espejo que había roto por mostrarla.

Los directores emplean con gran eficacia y belleza los primeros planos y los planos detalle de los actores y de los objetos. Sobresalen los de Elisa, tanto de niña como de joven estudiante, cuyas actrices mantienen un  cierto parecido. Igualmente las imágenes de los personajes reflejados en cristales o a través de ellos, que permite la distancia sobre lo que se ve o la metáfora de que la película no es la realidad sino una  apariencia de la misma que permite así una mejor contemplación. Finalmente queda en el recuerdo del espectador la música de Beethoven en la famosa obra de piano, Para Elisa.